¿Cómo está la fotografía hoy? Hablamos de ello con Federico Rui, un galerista que ha atravesado más de treinta años de transformaciones en el sistema del arte contemporáneo, manteniendo al mismo tiempo una mirada lúcida e independiente. Rui comenzó su actividad en el mundo del arte en 1995, dentro de una galería milanesa, donde se encargaba de organizar los montajes de las exposiciones y gestionar las relaciones con los coleccionistas. En 1996 participó en el diseño de uno de los primeros portales en línea dedicados al arte y poco después colaboró con una editorial, contribuyendo al nacimiento de una de las primeras plataformas italianas de compra digital. A continuación se incorporó al departamento de administración de la Academia de Bellas Artes de Brera, mientras que en 2002 fundó la Galleria Pittura Italiana junto con un socio. Fue en 2010 cuando Federico Rui Arte Contemporanea tomó forma. La actividad de la galería privilegia la promoción de artistas emergentes, con un interés específico en la pintura. Desde 2004, participa en las principales ferias de Italia y del extranjero y colabora con importantes casas de subastas italianas. En esta entrevista, Rui, a quien conocimos con motivo de su participación en la MIA Photo Fair BNP Paribas 2026 de Milán, reflexiona sobre la dinámica que rige el sistema del arte hoy en día, entre la autonomía de los autores y las presiones comerciales. En el centro, la obra de Nicolò Quirico y Alex Trusty, dos artistas que exploran lenguajes diferentes pero complementarios. Lo que surge es una reflexión más amplia sobre el sentido de la obra, su fruición y el riesgo de una espectacularización creciente. En una época dominada por la velocidad y la imagen, Rui nos invita a recuperar la profundidad y la atención crítica.
NC. Federico Rui está presente en MIA Photo Fair BNP Paribas 2026 con obras de Nicolò Quirico y Alex Trusty. En un contexto expositivo cada vez más orientado a la construcción de narrativas y posicionamientos, ¿cómo encaja la investigación en el sistema fotográfico contemporáneo y qué dinámicas cree que están redefiniendo la relación entre autor, galería y mercado en la actualidad?
FR. Nicolò Quirico y Alex Trusty tienen una investigación muy particular que llevan a cabo desde hace casi diez años, de forma totalmente autónoma e independiente. La mirada de Nicolò Quirico investiga la arquitectura deteniéndose en los diferentes estilos, épocas y funciones para las que fueron diseñadas. Y les devuelve su propia voz hecha de presencias, en las que el hombre, sin embargo, nunca aparece. Los elementos fundadores de la obra son dos: la ciudad, con sus geometrías y volúmenes arquitectónicos, y los libros, condensación de los recuerdos, experiencias y conocimientos del hombre que construye y habita la ciudad. Así, por un lado, los planos se estudian y elaboran para devolverles un aspecto formal, a veces ideal; por otro, los textos que componen la textura de fondo devuelven el bullicio de lo sucedido durante su existencia. El soporte se convierte en parte integrante de la obra: un collage de páginas de libros de época es en realidad el fondo de una impresión fotográfica, que se convierte así en única. Por otra parte, la figura humana ocupa un lugar central en la obra de Alex Trusty, que relaciona al visitante con la obra y el museo, la arquitectura con el usuario. Surgen así instantáneas en las que la interacción casual (las fotografías no son posados) crea instantes únicos, en los que el espectador se convierte a su vez en obra de arte, y la obra de arte en memoria colectiva. Los museos se crean para preservar, conservar y promover las tradiciones de las civilizaciones. Cada visitante entra en diálogo con las obras, iniciando su propio diálogo y relación personales con ellas: Alex Trusty fotografía a la gente mientras observa, se mueve, se detiene ante las obras maestras. Le interesa lo que ocurre alrededor de la obra de arte, más que la obra en sí. Sus fotografías captan el momento suspendido entre la contemplación y la distracción, entre la atención y la ausencia, en el que cada espectador se convierte en parte de la escena, aunque sea inconscientemente. Desde el punto de vista de la dinámica, los autores son completamente libres en su investigación, que llevan a cabo independientemente de las influencias y exigencias del mercado. En este sentido, la relación con la galería es cada vez más importante, porque se convierte en el puente necesario e insustituible entre la producción y la fruición y en el que se recogen y convergen no sólo las impresiones comerciales. Me gusta pensar que las ventas son una consecuencia natural del trabajo realizado por varias personas, con estabilidad y continuidad en el tiempo.
ùCuando dos lenguajes artísticos diferentes se encuentran, como en este caso entre las obras de Quirico y Trusty (presentes en MIA Photo Fair BNP Paribas 2026), ¿qué ocurre con el significado original de la obra? ¿Se amplía o se transforma?
El significado de la obra permanece inalterado, pero es un momento importante de confrontación con las tendencias actuales. Es una transición delicada e importante, porque pensemos que una exposición en una galería recibe unos cientos de personas, en un museo unos miles, en una feria unas decenas de miles. Precisamente por eso, la feria se convierte en un lugar no sólo de intercambio comercial, sino también de diálogo e intercambio cultural.
¿Cómo juzga el panorama fotográfico actual? ¿Cree que está más abierto a la experimentación o dominado por la lógica del mercado y las tendencias?
El término “fotografía” está muy manido. Abarca tal variedad de géneros (moda, reportaje, comercial, retrato, etc.) que debería limitarse al campo que nos interesa: el arte. Sobre todo porque hoy, con la llegada de las redes sociales y los smartphones, todos somos fotógrafos. Pero, ¿cuántos son artistas? No basta con una toma técnicamente perfecta, ni con una visión evocadora. Se necesita una idea, un sentimiento, una investigación, ese algo extra que hace único al artista. Y el artista lo es independientemente del medio que utilice. El riesgo en el panorama contemporáneo es que la palabra “experimentación” se confunda con “espectacularización”. Superar los límites propios y ajenos, técnicos y creativos, no significa espectacularizar la obra. El efecto es que puede tener el efecto contrario, el de la banalización.
Algunos sostienen que el arte corre el peligro de convertirse en mero espectáculo o producto. ¿Cómo responde usted a quienes piensan que la experiencia de la obra está perdiendo profundidad?
En realidad es cierto, aunque hay que admitir que las modas siempre han existido. En este periodo histórico, sin embargo, estamos perdiendo el contacto directo con la ópera. Todo es imagen, todo es velocidad, todo es superficial. Cuando hablamos de arte, cada vez hablamos más del mercado del arte, y poco del arte. Rara vez hay tiempo (o ganas) de profundizar en él. En este sentido, las obras espectaculares, o supuestamente nuevas, pasan a primer plano. Lea Vergine dijo, en una entrevista de la que surgió el libro Lo necesario es sólo lo superfluo, que “hoy en día sólo hay comisarios, los críticos son muy escasos”. ¿Y quién es el comisario? Es una persona que se pasa el tiempo en aviones buscando cosas nuevas por todo el mundo por encargo. Es decir, es un gestor. Es el que antes era un comerciante movido por la pasión. Estos se mueven por la necesidad de los encargos que recibieron, es decir, de encontrar lo nuevo, de encontrar una novedad con la que puedan hacer un negocio. Lo nuevo. Pero lo nuevo nunca está ahí".
Mucha gente habla de las nuevas fronteras de la fotografía y la imagen: en su opinión, ¿dónde encaja la investigación de los artistas presentes en su galería en un paisaje en constante cambio?
“El presente, que es en el tiempo lo que la fachada es en el espacio, nos impide ver las cosas en profundidad”, escribió Alberto Savinio (en Scritti dispersi 1943-1952). En este sentido, me parece muy innovador y valiente el trabajo de Nicolò Quirico, que va más allá de la fotografía como fin en sí mismo, y cuestiona la historia y la memoria representadas por los libros antiguos. Las fachadas de las arquitecturas (el presente) ocultan toda la carga de historia y experiencia: cada edificio es la vida que se está escribiendo y cada libro es un ladrillo de nuestra cultura. De otro modo, Alex Trusty también se refiere no sólo a la memora, sino también al contenedor de la memoria. Los museos, ya denominados catedrales de la contemporaneidad (Angelo Crespi), son el lugar sagrado donde las costumbres contemporáneas, en el sentido amplio del término (colores, ropa, poses, comportamientos) se confrontan con obras de arte que han pasado a ser de dominio público.
¿Cómo ve hoy el papel del autor? ¿Quién dicta las reglas del arte contemporáneo, el artista o el sistema que lo rodea?
El artista trabaja solo, cada vez más rodeado de estímulos, pero cada vez menos acompañado de intercambios y confrontaciones. Nunca ha sido tan libre como hoy, y el arte nunca ha sido tan democrático y al alcance de todos. De lo que se deduce que no hay reglas, a no ser que nos refiramos al mercado del arte... ¡pero sería bueno volver a hablar de las obras, y no de su entorno!
El autor de este artículo: Noemi Capoccia
Originaria di Lecce, classe 1995, ha conseguito la laurea presso l'Accademia di Belle Arti di Carrara nel 2021. Le sue passioni sono l'arte antica e l'archeologia. Dal 2024 lavora in Finestre sull'Arte.Advertencia: la traducción al español del artículo original en italiano se ha realizado mediante herramientas automáticas. Nos comprometemos a revisar todos los artículos, pero no garantizamos la ausencia total de imprecisiones en la traducción debidas al programa. Puede encontrar el original haciendo clic en el botón ITA. Si encuentra algún error, por favor contáctenos.
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