¿Qué significa ser performer? Hablamos de ello con Giulia Perelli (Lucca, 1985), actriz, autora, performer y artista visual. Formada entre Roma y Bélgica, trabaja en Europa, Asia y América, alternando proyectos personales con colaboraciones con directores y artistas internacionales. Protagonista de premiadas obras teatrales y cinematográficas, crea instalaciones, videoarte y performances acogidas en festivales, galerías y teatros. En 2011 se unió a la compañía de Jan Fabre y participó en dos espectáculos históricos en una gira mundial. Desde entonces explora una investigación artística centrada en el cuerpo, la visión y el símbolo. Protagoniza Democracy in America (2016-2019) de Romeo Castellucci, interpreta papeles masculinos y femeninos en obras para Sky Arte, Gucci Garden, William Kentridge, Carlos Saura. Como artista ha creado obras como Pietas y Vivere qui, entre la palabra hablada y la danza. En 2020 realizó vídeos artísticos y dos películas basadas en textos de Fabre. Es finalista de la Biennale College 2021 con MezzoMiracolo. Entre sus proyectos recientes se incluyen: M.E., sobre Maria Eletta Martini, Non parlate di me, sobre Marilyn Monroe, y una obra sobre Maria Callas, producida por Teatro del Giglio. Vive en un bosque, donde arte y naturaleza siguen conectados. En esta entrevista de Noemi Capoccia exploramos la trayectoria artística de Giulia Perelli e intentamos comprender cómo medios como la performance y el videoarte pueden ser útiles para transmitir una urgencia, para explorar el mundo.
Su carrera artística se mueve entre el teatro, el videoarte, las instalaciones y la performance. ¿En qué medida han influido en usted su infancia en la Toscana, en plena naturaleza, y su formación entre Roma y Bélgica?
Son tres lugares-hogar para mí, que han formado mi imaginario y han sido terrenos de crecimiento muy diferentes. La Toscana es el hogar de la naturaleza, de la mirada que ve lejos y del silencio, de la belleza, de la armonía, de la perspectiva: tener los Alpes Apuanos delante te hace sentir pequeño, y sin duda influye en la percepción de la importancia del ser humano en el espacio. Eso es pequeño. Hay algo más grande que nosotros: el paisaje, el clima y las estaciones que también marcan un ciclo interior de recogida, siembra, renacimiento, expansión. En la naturaleza sucede inevitablemente, para mí. Roma es mi hogar de palabras. El lugar donde empecé a expresarme más libremente. Me trasladé allí en cuanto alcancé la mayoría de edad, solo, sin más puntos de referencia que un sueño. Es el lugar donde aprendí el oficio de actriz y autora de mis propios espectáculos. Me proporcionó intercambios llenos de agitación interior, afinidad con personas sensibles, con lenguajes y temas comunes. Cómplices fundamentales. En Roma, en el mundo artístico en general, encontré mucha atención a la autoría. Incluso yo parto de un sentimiento muy personal para crear algo. No es la única manera, no es evidente, pero es fundamental en mi trabajo. Luego, una vez que aprendí a expresarme con palabras (pienso en la exposición Luciérnagas, donde el texto era dominante) me fui entre flamencos, donde el lenguaje verbal no era el medio de comunicación más comprensible. No sólo por la lengua, sino por el tipo de teatro. Allí desarrollé una escucha y una expresión diferentes, que me llevaron a una sensibilidad distinta. El cuerpo era el protagonista. Bélgica, que para mí es sobre todo la experiencia en el Troubleyn, el teatro de Jan Fabre en Amberes, me dio una expansión hacia una libertad aún mayor, interior, creativa y en general de vida, por varias razones: la primera, es que me empujaron a ir más allá de todos los límites en el escenario. Tenía que atreverme. Yo tenía y quizás todavía tengo tendencia a limitarme, a contenerme, por razones personales, pero también por una cierta modestia y un juicio todo italiano; debe ser que en el pasado hemos tenido artistas sublimes, valorados más que sus contemporáneos a nivel social y económico, por lo que nos sentimos mucho más intimidados y juiciosos. En cambio, Fabre no es modesto y quiere trabajar con intérpretes que le desafíen, que le superen. Quería que yo fuera una diosa en el escenario, una ’Guerrera de la Belleza’, de lo contrario me quedaba fuera de la fiesta. Requiere una magnitud energética muy fuerte, tanto física como intelectual y emocionalmente. Así que salté como desde un acantilado muy alto, con el gran permiso de vivir completamente. Desde Amberes hice largas giras internacionales, con una compañía internacional, con la que compartía un lenguaje fértil, despiadado, muy fuerte, el del mundo de Fabre que todos en la compañía co-creamos y alimentamos con nuestras personalidades y diferentes culturas e imaginaciones. Bélgica era mi hogar para el arte visual, la performance, el teatro contemporáneo, que estaba a años luz de lo que veía en Italia. Esta apertura también me dio permiso para oscilar entre distintos medios. Poder ser a la vez directora e intérprete, actriz y artista visual. El eclecticismo no me asusta en el extranjero, al contrario. Simplemente funciono así, viajar entre diferentes lenguas aviva el fuego. Siempre había jugado con diferentes medios, pero se quedaba en mi vida privada. La experiencia internacional me dio el permiso para darme cuenta de un posible valor y así compartir profesionalmente ese trabajo subterráneo que antes había mantenido en secreto, era sólo parte de la exploración. Es sorprendente que, en el lugar donde no hablaba mi propio idioma, me sintiera más comprendida. Necesitamos ojos que reconozcan nuestro mundo interior. Necesitamos a alguien que lo ame.
La naturaleza desempeña un papel fundamental en su vida y en su proceso creativo. ¿Cómo se manifiesta, aún hoy, su conexión con el medio ambiente en su arte?
Es el problema más acuciante que tenemos, el de la naturaleza. Sin la tierra y sus elementos, sencillamente no podemos vivir. Sin embargo, aparte de algunos eslóganes fáciles, esto no está en el centro del debate político. La humanidad se condena a sí misma. Bastaría con plantar árboles frutales en cada ciudad para no morir de hambre. En lugar de eso, preferimos los aparcamientos, como si fuera lo normal. Deberíamos repensar, reimaginar un mundo ideal. En esto también los artistas podrían ayudar a re-visionar, a cambiar de perspectiva, a tener imaginación. Más allá del aspecto ecológico, está el más espiritual: siento un parentesco con la naturaleza, pertenezco a ella. Es un vínculo muy sencillo y cotidiano, pero muy profundo. Cada elemento de la naturaleza, en la antigüedad, era reconocido como un ser con su propia sabiduría, o como una deidad. Cada planta era vista en sus capacidades terapéuticas, y se construían historias y mitos extraordinarios para contar sus virtudes. Me viene a la memoria una frase de Claude Lévi-Strauss: “Ninguna situación me parece más trágica, más ofensiva para el corazón y la inteligencia, que la de la humanidad coexistiendo con otras especies vivas con las que no puede comunicarse... Antaño, la propia naturaleza tenía un significado que cada uno, en lo más íntimo de su ser, percibía. Habiéndolo perdido, el hombre de hoy lo destruye, y se condena a sí mismo”. Creo que percibir en lo más íntimo de uno mismo es desarrollar una brújula interior necesaria para todo en la vida. Estar en contacto con el propio conocimiento salvaje.
Ha colaborado con artistas internacionales como Jan Fabre y Romeo Castellucci. ¿Cómo han influido estas experiencias en su investigación artística? ¿Qué lecciones ha aprendido de estos encuentros?
Descubrí lo que significa para mí ser una performer: la performer es una actriz que vive una verdad. Es una actriz despojada de toda máscara y, por tanto, expuesta a la realidad. No sólo está desnuda físicamente (no siempre, pues): hay una desnudez más profunda: la de estar sin piel, lo más vulnerable posible. De sentir, de ser energía y canal. Esta es mi línea en el trabajo y en la vida. Superar la limitación no es alimentar el ego, sino perderlo, ponernos al servicio de una fuerza creadora superior a nuestra conciencia. He experimentado y aprendido mucho de estos grandes genios del teatro, que son ante todo artistas, además de directores. Trabajando con ellos, por la fatiga, el compromiso y la intensidad de las representaciones, he practicado mucho sobre la presencia, la concentración y sobre cómo generar energía incluso en la fatiga. Que son superpoderes. Lo más importante que me dio Jan Fabre: la libertad de atreverme por un lado, el poder de la precisión milimétrica por otro. Y Romeo Castellucci, casi diría lo contrario: la responsabilidad quirúrgica de la honestidad intelectual, como premisa para la acción, y la posibilidad generativa del abandono, al sueño o a la pesadilla, en escena. Castellucci alcanza alturas excelsas, de profundidades celestiales y abisales, en síntesis. Es un artista inmenso, es mi favorito, me dio el papel más bello e importante que podía hacer. Un papel muy exigente, emocional, física y mentalmente. Pero lo hice dejando que un poder me atravesara. Romeo es un artista maduro, profundo y responsable de lo que trae al mundo. Creo mucho en la belleza de la madurez del artista. Me interesa la conciencia.
En su obra combina a menudo diferentes medios artísticos como la música, la danza, el cine y la poesía. ¿Cómo consigue integrar todos los lenguajes de forma lineal?
Sigo mis imágenes interiores. Pueden juntarse fragmentos aparentemente distantes pero que juntos forman una chispa. No me preocupo demasiado por la forma, confío en el proceso, la forma es una consecuencia de él. No importa el medio que utilice para expresar, sino el contenido que expreso y la presencia con la que lo hago y me dejo hacer. El arte, como he dicho antes, es un medio de transporte. Para vivir, para transmitir lo indecible, para nombrar lo desconocido, para ver y, tal vez, para transformar. El proceso de crear y soltar tiene que ser honesto. Tengo mucho cuidado con lo que traigo al mundo, ya tenemos tanto ruido. Estoy a favor de una ecología mental. Y creo que ser responsablemente honesto es dar un paso hacia una intención de verdad. Y la verdad cura. Siempre cura.
Su obra también abarca temas relacionados con la política y la espiritualidad. En su opinión, ¿cuál es la forma más fácil y directa de equilibrar y vincular estos dos aspectos? ¿Cómo lo ha conseguido en su narrativa artística?
En mi opinión, una forma sencilla y directa es tener en mente un acontecimiento “sagrado”, que puede ser la narración de un mito, la historia de un profeta, un héroe o un acontecimiento de la Biblia o de otras religiones, y reconocerlo ahora, hoy, dentro de nosotros o en nuestra sociedad. ¿Dónde está hoy la matanza de inocentes? ¿Dónde está hoy el éxodo? ¿Dónde está Cronos, que ansía el poder y nunca quiere morir? Percibir el aspecto mítico de los acontecimientos es una forma directa de entender las religiones. De lo contrario, se corre el riesgo de que sigan siendo una creencia, el opio del pueblo, una evasión de la realidad. He unido política y espiritualidad como provocación en dos manifiestos, dos Pietas: el primero, dedicado a los migrantes perdidos en el Mediterráneo, una Piedad dentro del agua. Una denuncia contra los puertos cerrados. La segunda Pietas está dedicada a la Tierra de la que la madre-madre se convierte en alegoría y Cristo es hielo, deshielo. Son revisitaciones y actualizaciones de un icono que es arquetipo en nuestra cultura, que está en cada callejón de nuestro país, y que podemos reconocer en nuestra realidad actual. Es el icono del dolor último, de la injusticia de tener en brazos a un niño asesinado. En general tengo un sentido muy desarrollado de lo sagrado, impregna toda mi vida.
En el periodo del primer encierro realizaste un ciclo de videoarte llamado Inner Dimensions. ¿De qué trata?
Son cinco obras de videoarte, cinco actos performativos. En el primer encierro viví un periodo de ermita en la naturaleza. Practiqué la escucha diaria, la contemplación, una apertura interior al Vacío, para recibir un sueño, una imagen, un conocimiento, una revelación quizás. Los vídeos nacieron de este proceso interior, destinado precisamente a recibir. He aprendido del mundo vegetal y de los numerosos animales que he conocido o que han venido a visitarme: la relación, la escucha, la disolución, la sabiduría de la mutación. Relación, también inspirado en Joseph Beuys, es un vídeo sobre el contacto entre un lobo y yo, y también entre el polen que llovía como copos de nieve y la tierra que lo recibía. ¿Qué es la muerte? nació del dolor de quienes no podían despedirse de sus seres queridos debido a las restricciones que teníamos. Fue una forma de enfrentarse a la muerte, que en la naturaleza convive con la vida, es claramente una transformación y un alimento. Es un vídeo para los que la temen, para los que quisieran alegrarse de esta metamorfosis. Y luego están Cicatrices, Megáfonos rojos y Zapatos. Hacer arte es recibir, es tomar conciencia de la vida. Todo esto es nuestra riqueza, es lo que tenemos.
Usted ha dicho que su performance MezzoMiracolo, finalista de la Bienal de Venecia 2021, está dedicada “al arte que encuentra el infinito en sus procesos”. Así, la performance explora temas como la relación entre cielo/tierra y creación/destrucción. ¿Por qué decidió desarrollar la performance? ¿Y cuál fue el punto de partida?
Necesitaba volver a motivar, dar esperanza, encontrar una clave para vivir, activar la propia “buena voluntad”. Es una performance que aborda una cuestión: ¿cómo podemos hacer realidad sobre el terreno ideas que antes sólo eran “del cielo”, es decir, ideales? ¿Cómo podemos encarnarlos, cómo podemos construir nuestro hogar? ¿Cómo podemos, en esencia, vivir? Este es un tema central para mí. Vivimos en un momento de la historia en el que a menudo nos abruma la imposibilidad de conseguir: un hogar, un trabajo, unas relaciones, una familia. Al menos, en nuestro país. Es un fenómeno de inestabilidad masiva, que a veces aterroriza, sobre todo a mi generación. Hace que uno se sienta impotente. Parece que no bastan los títulos, los másteres, las especializaciones, el talento, la experiencia... Hasta la dificultad de encontrar una casa por el sobreturismo, o de poder pagarla. Sin embargo, es una necesidad básica. Nunca antes había sido un lujo tan grande. Así que he querido volver a la posibilidad, a la voluntad, a nuestras intenciones, a centrar nuestra energía en lo factible, a vivir. Creo que hemos pasado, artísticamente, de denunciar lo que estaba mal, a una fase de autoconfesión de nuestra fragilidad, y eso es hermoso. Ahora necesitamos tanto los buenos ejemplos. En la actuación, dialogo con la música de Piero Perelli, mi hermano, batería y extraordinario explorador sonoro, con quien colaboro habitualmente. Y con Domenico Troiani, escultor y artista, que esculpe un bloque de hielo en el escenario. Es maravilloso ver un oficio realizado con tanta destreza. Este es el mensaje de MezzoMiracolo. Aprender un oficio es realizar medio milagro. En cuanto al resto del milagro, no sé qué pensar, pero confío en él.
Recientemente, ha estado trabajando en el nuevo proyecto Attentions, también definido como antología. ¿En qué consiste? ¿Qué son para usted las “atenciones”?
Attentions es un libro de poesía hablada y dibujos. Es una antología porque recoge textos de diferentes tipos y diferentes periodos de mi vida. Hacerlo lo más coherente posible fue el trabajo más duro, quizá ni siquiera lo conseguí. Las atenciones son momentos en los que “volvemos el alma” hacia algo. Son momentos de presencia y atención, de escucha. Es una forma de amor.
¿Cuánto hay de personal en la colección Attentions y cuánto de reflexión sobre su trayectoria artística?
Attentions es una obra muy íntima, en apariencia, como todo mi trabajo al final. Casi todo lo escribí en diez años de gira. Hay algo de reflexión sobre mi trabajo en el escenario, pero no se centra en eso, aparentemente. Es, sin embargo, una consecuencia de ello. Estar en escena, crear, atravesar un espacio desacostumbrado, vulnerable y generador como es el teatro tiene consecuencias. Explorarse a uno mismo, ir a percibir sus estancias interiores, a través de su propio cuerpo y de su propio sentir, da una visión muy profunda del alma humana, animal y celeste... de la vida en definitiva. Y la vida se vuelve muy densa y amplia. Extremadamente rica. Interpretar es un viaje muy intenso. Abre universos. Escribí lo que vi con los ojos más abiertos, como más expuesto al mundo. El mundo interior y el mundo exterior a mí. Hay poemas, aforismos, retratos verbales, páginas de diario, piezas irónicas y dramáticas, oraciones desnudas, mi herencia emocional. Textos aptos para ser interpretados, con un estilo de escritura reconocible y personal y consecuencia de ese trozo de vida vivido muy intensamente. Será un cahier dibujable por el lector, hay espacios para las inspiraciones del lector... y así espero que cada libro se convierta en único.
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