Was bedeutet es, eine Performerin zu sein? Wir sprechen darüber mit Giulia Perelli (Lucca, 1985), Schauspielerin, Autorin, Performerin und bildende Künstlerin. Ausgebildet zwischen Rom und Belgien, arbeitet sie in Europa, Asien und Amerika, wobei sich persönliche Projekte mit der Zusammenarbeit mit internationalen Regisseuren und Künstlern abwechseln. Sie ist Protagonistin von preisgekrönten Theater- und Filmwerken, schafft Installationen, Videokunst und Performances, die auf Festivals, in Galerien und Theatern gezeigt werden. 2011 schloss er sich dem Ensemble von Jan Fabre an und nahm an zwei historischen Aufführungen auf einer Welttournee teil. Seitdem betreibt er eine künstlerische Forschung, die sich auf Körper, Vision und Symbol konzentriert. Sie spielt die Hauptrolle in Romeo Castelluccis Democracy in America (2016-2019), spielt männliche und weibliche Rollen in Werken für Sky Arte, Gucci Garden, William Kentridge, Carlos Saura. Als Künstlerin hat sie Werke wie Pietas und Living Here geschaffen, die zwischen gesprochenem Wort und Tanz angesiedelt sind. Im Jahr 2020 drehte er Kunstvideos und zwei Filme auf der Grundlage von Texten von Fabre. Mit MezzoMiracolo ist er Finalist bei der Biennale College 2021. Zu seinen jüngsten Projekten gehören: M.E., über Maria Eletta Martini, Non parlate di me, über Marilyn Monroe, und eine Arbeit über Maria Callas, produziert vom Teatro del Giglio. Er lebt in einem Wald, in dem sich Kunst und Natur weiterhin verbinden. In diesem Interview von Noemi Capoccia erkunden wir Giulia Perellis künstlerische Reise und versuchen zu verstehen, wie Medien wie Performance und Videokunst nützlich sein können, um eine Dringlichkeit zu vermitteln und die Welt zu erkunden.
Ihre künstlerische Laufbahn bewegt sich zwischen Theater, Videokunst, Installationen und Performance. Inwieweit haben das Aufwachsen in der Toskana und Ihre Ausbildung zwischen Rom und Belgien Sie beeinflusst?
Es sind drei Orte, an denen ich zu Hause bin, die meine Vorstellungskraft geprägt haben und an denen ich auf sehr unterschiedliche Weise aufgewachsen bin. Die Toskana ist die Heimat der Natur, des weitblickenden Blicks und der Stille, der Schönheit, der Harmonie, der Perspektive: Wenn man die Apuanischen Alpen vor sich hat, fühlt man sich klein, und das beeinflusst sicherlich die Wahrnehmung der Bedeutung des Menschen im Raum. Das ist klein. Es gibt etwas, das größer ist als wir: die Landschaft, das Klima und die Jahreszeiten, die auch einen inneren Zyklus des Sammelns, der Aussaat, der Wiedergeburt, der Ausdehnung markieren. In der Natur geschieht das unweigerlich, für mich. Rom ist meine Heimat der Worte. Der Ort, an dem ich begann, mich freier auszudrücken. Ich zog dorthin, sobald ich volljährig wurde, allein, ohne Bezugspunkte außer einem Traum. Es ist der Ort, an dem ich das Handwerk der Schauspielerin und Autorin meiner eigenen Shows erlernt habe. Dort habe ich mich mit sensiblen Menschen ausgetauscht, mit gemeinsamen Sprachen und Themen, die mich innerlich aufgewühlt haben. Grundlegende Komplizen. In Rom, in der Kunstwelt im Allgemeinen, habe ich festgestellt, dass der Autorschaft viel Aufmerksamkeit geschenkt wird. Auch ich gehe von einem sehr persönlichen Gefühl aus, um etwas zu schaffen. Das ist nicht der einzige Weg, es ist nicht offensichtlich, aber es ist zentral für meine Arbeit. Als ich dann lernte, mich mit Worten auszudrücken (ich denke an die Ausstellung Fireflies, bei der der Text im Vordergrund stand), ging ich zu den Flamen, wo die verbale Sprache nicht das verständlichste Kommunikationsmittel war. Nicht nur wegen der Sprache, sondern auch wegen der Art des Theaters. Dort entwickelte ich ein anderes Zuhören und einen anderen Ausdruck, was mich zu einer anderen Sensibilität führte. Der Körper war der Protagonist. Belgien, das ist für mich vor allem die Erfahrung am Troubleyn, dem Theater von Jan Fabre in Antwerpen, hat mich zu einer noch größeren inneren, kreativen und allgemeinen Freiheit im Leben geführt, und zwar aus mehreren Gründen: Der erste ist, dass ich dazu gedrängt wurde, auf der Bühne über alle Grenzen hinauszugehen. Ich musste mich trauen. Ich hatte und habe vielleicht immer noch die Tendenz, mich einzuschränken, mich zu zügeln, aus persönlichen Gründen, aber auch aus einer gewissen Bescheidenheit und einem ganz italienischen Urteilsvermögen heraus; es muss sein, dass wir in der Vergangenheit großartige Künstler hatten, die auf sozialer und wirtschaftlicher Ebene mehr wert waren als ihre Zeitgenossen, so dass wir viel eingeschüchterter und vorsichtiger sind. Fabre hingegen ist nicht bescheiden und will mit Künstlern arbeiten, die ihn herausfordern, die ihn übertreffen. Er wollte, dass ich auf der Bühne eine Göttin bin, eine ’Kriegerin der Schönheit’, sonst war ich raus aus der Party. Das erfordert ein sehr starkes energetisches Ausmaß, sowohl körperlich als auch intellektuell und emotional. Also sprang ich wie von einer sehr hohen Klippe, mit der großen Erlaubnis, ganz zu leben. Von Antwerpen aus unternahm ich lange internationale Tourneen mit einer internationalen Truppe, mit der ich eine fruchtbare, rücksichtslose, sehr starke Sprache teilte, die Welt von Fabre, die wir alle in der Truppe mit unseren Persönlichkeiten und unterschiedlichen Kulturen und Vorstellungen mitgestalten und pflegen. Belgien war meine Heimat für visuelle Kunst, Performance, zeitgenössisches Theater, das Lichtjahre von dem entfernt war, was ich in Italien sah. Diese Offenheit gab mir auch die Erlaubnis, zwischen verschiedenen Medien zu wechseln. Ich konnte sowohl Regisseurin als auch Performerin sein, sowohl Schauspielerin als auch bildende Künstlerin. Der Eklektizismus macht mir im Ausland keine Angst, im Gegenteil. Ich funktioniere einfach so, das Reisen zwischen verschiedenen Sprachen schürt ein Feuer. Ich habe schon immer mit verschiedenen Medien gespielt, aber das blieb in meinem Privatleben. Die internationale Erfahrung gab mir die Erlaubnis, einen möglichen Wert zu erkennen und somit diese Untergrundarbeit, die ich zuvor geheim gehalten hatte, professionell zu teilen, sie war einfach Teil der Erforschung. Es ist erstaunlich, dass ich mich an dem Ort, an dem ich meine eigene Sprache nicht sprach, besser verstanden fühlte. Wir brauchen Augen, die unsere innere Welt erkennen können. Wir brauchen jemanden, der sie liebt.
Die Natur spielt eine zentrale Rolle in Ihrem Leben und in Ihrem kreativen Prozess. Wie zeigt sich Ihre Verbundenheit mit der Umwelt auch heute noch in Ihrer Kunst?
Es ist das dringlichste Thema, das wir haben, das der Natur. Ohne die Erde und ihre Elemente können wir einfach nicht leben. Aber abgesehen von ein paar oberflächlichen Slogans steht dies nicht im Mittelpunkt der politischen Debatte. Die Menschheit ist dabei, sich selbst zu verdammen. Es würde reichen, in jeder Stadt Obstbäume zu pflanzen, um nicht zu verhungern. Stattdessen ziehen wir Parkplätze vor, als ob das normal wäre. Wir sollten umdenken, uns eine ideale Welt neu vorstellen. Dabei könnten auch Künstler helfen, die Perspektive zu wechseln, Phantasie zu haben. Neben der ökologischen Seite gibt es auch eine spirituelle Seite: Ich fühle mich mit der Natur verwandt, ich gehöre zu ihr. Es ist eine sehr einfache und alltägliche Verbindung, aber eine tiefe. In der Antike wurde jedes Element der Natur als ein Wesen mit einer eigenen Weisheit oder als eine Gottheit anerkannt. Jede Pflanze wurde in ihren therapeutischen Fähigkeiten gesehen, und es entstanden außergewöhnliche Geschichten und Mythen, die von ihren Tugenden erzählten. Ich erinnere mich an einen Satz von Claude Lévi-Strauss: “Keine Situation scheint mir tragischer, beleidigender für das Herz und die Intelligenz zu sein als die, dass der Mensch mit anderen Lebewesen zusammenlebt, mit denen er nicht kommunizieren kann... Einst hatte die Natur selbst eine Bedeutung, die jeder in seinem Innersten wahrnahm. Heute hat der Mensch diesen Sinn verloren, er zerstört ihn und verurteilt sich selbst”. Ich denke, in seinem Innersten wahrzunehmen bedeutet, einen inneren Kompass zu entwickeln, der für alles im Leben notwendig ist. Mit seinem eigenen wilden Wissen in Kontakt zu sein.
Sie haben mit internationalen Künstlern wie Jan Fabre und Romeo Castellucci zusammengearbeitet. Wie haben diese Erfahrungen Ihre künstlerische Forschung beeinflusst? Welche Lehren haben Sie aus diesen Begegnungen gezogen?
Ich habe entdeckt, was es für mich bedeutet, Performerin zu sein: Die Performerin ist eine Schauspielerin, die eine Wahrheit lebt. Sie ist eine Schauspielerin, die jede Maske ablegt und so der Realität ausgesetzt ist. Sie ist nicht nur körperlich nackt (also nicht immer): Es gibt eine tiefere Nacktheit: die, ohne Haut zu sein, so verletzlich wie möglich. Zu fühlen, Energie und Kanal zu sein. Das ist meine Linie in der Arbeit und im Leben. Begrenzung zu überwinden bedeutet nicht, das Ego zu füttern, sondern es zu verlieren, uns in den Dienst einer schöpferischen Kraft zu stellen, die größer ist als unser Bewusstsein. Ich habe so viel von diesen großen Theatergenies, die vor allem Künstler und auch Regisseure sind, erfahren und gelernt. Bei der Arbeit mit ihnen, bei der Müdigkeit, dem Engagement und der Intensität der Aufführungen, habe ich viel über Präsenz, Konzentration und wie man selbst bei Müdigkeit Energie erzeugt, geübt. Das sind Superkräfte. Das Wichtigste, was Jan Fabre mir gegeben hat: die Freiheit, sich zu trauen, einerseits, die Kraft der millimetergenauen Präzision andererseits. Und Romeo Castellucci, ich würde fast das Gegenteil sagen: die chirurgische Verantwortung der intellektuellen Ehrlichkeit als Voraussetzung für das Handeln und die generative Möglichkeit der Hingabe, des Träumens oder des Albtraums, auf der Bühne. Castellucci erreicht in der Synthese erhabene Höhen, himmlische und abgrundtiefe Tiefen. Er ist ein immenser Künstler, er ist mein Liebling, er hat mir die schönste und wichtigste Rolle gegeben, die ich machen konnte. Eine sehr anspruchsvolle Rolle, emotional, körperlich und geistig. Aber ich habe es geschafft, indem ich eine Kraft durch mich hindurchgehen ließ. Romeo ist ein reifer Künstler, tiefgründig und verantwortlich für das, was er in die Welt bringt. Ich glaube fest an die Schönheit der Reife des Künstlers. Ich interessiere mich für das Bewusstsein.
In Ihrer Arbeit kombinieren Sie oft verschiedene künstlerische Medien wie Musik, Tanz, Film und Poesie. Wie gelingt es Ihnen, alle Sprachen auf lineare Weise zu integrieren?
Ich folge meinen inneren Bildern. Es können Fragmente zusammenkommen, die scheinbar weit voneinander entfernt sind, aber zusammen einen Funken ergeben. Ich mache mir nicht zu viele Gedanken über die Form, ich vertraue dem Prozess, die Form ist eine Folge davon. Es ist nicht wichtig, welches Medium ich benutze, um mich auszudrücken, sondern der Inhalt, den ich ausdrücke, und die Präsenz, mit der ich es tue und mich tun lasse. Kunst ist, wie ich schon sagte, ein Transportmittel. Zu leben, das Unaussprechliche zu vermitteln, das Unbekannte zu benennen, zu sehen und vielleicht zu verwandeln. Der Prozess des Schaffens und Loslassens muss ehrlich sein. Ich bin sehr vorsichtig, was ich in die Welt bringe, wir haben schon so viel Lärm. Ich bin für eine mentale Ökologie. Und ich glaube, dass verantwortungsbewusste Ehrlichkeit ein Schritt hin zu einer Absicht der Wahrheit ist. Und Wahrheit heilt. Sie heilt immer.
Ihre Arbeit umfasst auch Themen aus den Bereichen Politik und Spiritualität. Was ist Ihrer Meinung nach der einfachste und direkteste Weg, diese beiden Aspekte in Einklang zu bringen und zu verbinden? Wie ist es Ihnen gelungen, dies in Ihrer künstlerischen Erzählung umzusetzen?
Meiner Meinung nach ist ein einfacher und direkter Weg, ein “heiliges” Ereignis vor Augen zu haben, das die Erzählung eines Mythos, die Geschichte eines Propheten, eines Helden oder ein Ereignis aus der Bibel oder anderen Religionen sein kann, und es jetzt, heute, in uns oder in unserer Gesellschaft zu erkennen. Wo ist heute das Gemetzel an den Unschuldigen? Wo ist der Exodus heute? Wo ist Cronos, der nach Macht giert und niemals sterben will? Die Wahrnehmung des mythischen Aspekts der Ereignisse ist ein direkter Weg zum Verständnis der Religionen. Sonst besteht die Gefahr, dass sie ein Glaube bleiben, das Opium des Volkes, eine Flucht vor der Realität. Ich habe Politik und Spiritualität als Provokation in zwei Manifesten vereint, zwei Pietas: das erste ist den im Mittelmeer verlorenen Migranten gewidmet, eine Pieta im Wasser. Eine Anprangerung gegen geschlossene Häfen. Die zweite Pieta ist der Erde gewidmet, für die die Mutter-Mutter eine Allegorie ist und Christus ist Eis, das schmilzt. Es sind Wiederaufnahmen und Aktualisierungen einer Ikone, die ein Archetyp in unserer Kultur ist, die in jeder Gasse unseres Landes steht und die wir in unserer aktuellen Realität wiedererkennen können. Es ist die Ikone für den ultimativen Schmerz, für die Ungerechtigkeit, ein ermordetes Kind in den Armen zu halten. Im Allgemeinen habe ich einen sehr ausgeprägten Sinn für das Heilige, er durchdringt mein ganzes Leben.
In der Zeit des ersten Lockdowns haben Sie einen Zyklus von Videokunst mit dem Titel Inner Dimensions gemacht. Worum geht es dabei?
Es handelt sich um fünf Videokunstwerke, fünf performative Akte. Während des ersten Lockdowns erlebte ich eine Zeit der Einsiedelei in der Natur. Ich praktizierte tägliches Zuhören, Kontemplation, eine innere Öffnung zur Leere, um einen Traum, ein Bild, eine Erkenntnis, vielleicht eine Offenbarung zu empfangen. Die Videos sind aus diesem inneren Prozess entstanden, der genau auf das Empfangen abzielt. Ich habe von der Pflanzenwelt und von den vielen Tieren, die ich getroffen habe oder die mich besucht haben, gelernt: Beziehung, Zuhören, Auflösung, die Weisheit der Mutation. Relationship, ebenfalls von Joseph Beuys inspiriert, ist ein Video über den Kontakt zwischen mir und einem Wolf, aber auch zwischen den Pollen, die wie Schneeflocken herabregnen, und der Erde, die sie aufnimmt. Was ist der Tod? entstand aus dem Schmerz derjenigen, die sich aufgrund der Einschränkungen, die wir hatten, nicht von ihren Lieben verabschieden konnten. Es war eine Art der Auseinandersetzung mit dem Tod, der in der Natur mit dem Leben koexistiert, er ist eindeutig eine Verwandlung und Nahrung. Es ist ein Video für diejenigen, die Angst davor haben, die diese Metamorphose bejubeln möchten. Und dann sind da noch Narben, rote Megaphone und Schuhe. Kunst machen heißt empfangen, heißt sich des Lebens bewusst werden. All dies ist unser Reichtum, es ist das, was wir haben.
Sie sagten, Ihre Performance MezzoMiracolo, Finalistin der Biennale Venedig 2021, sei “der Kunst gewidmet, die in ihren Prozessen die Unendlichkeit findet”. Die Performance erforscht also Themen wie die Beziehung zwischen Himmel und Erde und Schöpfung und Zerstörung. Warum haben Sie sich entschieden, die Performance zu entwickeln? Und was war der Ausgangspunkt?
Ich musste zur Motivation zurückkehren, Hoffnung geben, einen Schlüssel zum Leben finden, den “guten Willen” aktivieren. Es ist eine Performance, die eine Frage aufgreift: Wie können wir Ideen auf der Erde verwirklichen, die vorher nur ’vom Himmel’ sind, d.h. Ideale? Wie können wir sie verkörpern, wie können wir unser Zuhause bauen? Wie können wir im Grunde genommen leben? Dies ist für mich ein zentrales Thema. Wir leben in einer Zeit der Geschichte, in der wir oft von der Unmöglichkeit überwältigt sind, etwas zu erreichen: ein Zuhause, Arbeit, Beziehungen, eine Familie. Zumindest in unserem Land. Es ist ein Phänomen der massenhaften Instabilität, das manchmal Angst macht, vor allem meiner Generation. Man hat das Gefühl, machtlos zu sein. Es scheint, dass Abschlüsse, Master, Spezialisierungen, Talente, Erfahrungen nicht ausreichen... Bis hin zu der Schwierigkeit, eine Wohnung zu finden, weil sie zu teuer ist, oder sie bezahlen zu können. Und doch ist es ein Grundbedürfnis. Nie zuvor war es ein solcher Luxus. Ich wollte also zur Möglichkeit, zum Willen, zu unseren Absichten zurückkehren, um unsere Energie auf das Machbare zu konzentrieren, zu leben. Ich denke, wir sind künstlerisch dazu übergegangen, das Falsche anzuprangern, und dann in eine Phase des Selbstbekenntnisses zu unserer Schwäche übergegangen, und das ist schön. Jetzt brauchen wir so sehr gute Beispiele. In der Performance führe ich einen Dialog mit der Musik von Piero Perelli, meinem Bruder, Schlagzeuger und außergewöhnlichen Klangforscher, mit dem ich regelmäßig zusammenarbeite. Und mit Domenico Troiani, Bildhauer und Künstler, der auf der Bühne einen Eisblock modelliert. Es ist wunderbar zu sehen, wie ein Handwerk mit solchem Geschick ausgeführt wird. Das ist die Botschaft von MezzoMiracolo. Ein Handwerk zu erlernen bedeutet, ein halbes Wunder zu vollbringen. Was den Rest des Wunders angeht, weiß ich nicht, was ich davon halten soll, aber ich vertraue darauf.
In letzter Zeit haben Sie an dem neuen Projekt Attentions gearbeitet, das auch als Anthologie bezeichnet wird. Worin besteht es? Was sind “Attentions” für Sie?
Attentions ist ein Buch mit Spoken Word Poetry und Zeichnungen. Es ist eine Anthologie, weil es Texte verschiedener Art und aus verschiedenen Perioden meines Lebens versammelt. Es so kohärent wie möglich zu gestalten, war die schwierigste Arbeit, vielleicht ist es mir nicht einmal gelungen. Achtsamkeit ist ein Moment, in dem wir unsere Seele auf etwas ausrichten. Es sind Momente der Präsenz und der Zuwendung, des Zuhörens. Es ist eine Form der Liebe.
Wie viel Persönliches steckt in der Sammlung Attentions und wie viel ist eine Reflexion über Ihren künstlerischen Weg?
Attentions ist ein sehr intimes Werk, oberflächlich betrachtet, wie letztlich alle meine Arbeiten. Es wurde fast ausschließlich in den zehn Jahren des Tourens geschrieben. Es gibt einige Reflexionen über meine Arbeit auf der Bühne, aber das steht nicht im Mittelpunkt. Es ist jedoch eine Folge davon. Auf der Bühne zu stehen, zu kreieren, einen ungewohnten, verletzlichen und generativen Raum wie das Theater zu durchqueren, hat Konsequenzen. Sich selbst zu erforschen, seine inneren Räume wahrzunehmen, durch den eigenen Körper und das eigene Gefühl, gibt einem einen sehr tiefen Einblick in die menschliche, tierische und himmlische Seele... das Leben eben. Und das Leben wird sehr dicht und breit. Äußerst reich. Das Deuten ist eine sehr intensive Reise. Sie öffnet Universen. Ich habe geschrieben, was ich mit offeneren Augen gesehen habe, da ich der Welt mehr ausgesetzt war. Die Welt in mir und die Welt außerhalb von mir. Es sind Gedichte, Aphorismen, verbale Porträts, Tagebuchseiten, ironische und dramatische Stücke, nackte Gebete, mein emotionales Erbe. Texte, die sich zur Aufführung eignen, mit einem erkennbaren und persönlichen Schreibstil und einer Konsequenz aus diesem Stück intensiv gelebten Lebens. Es wird ein Cahier sein, das vom Leser gezeichnet werden kann, es gibt Platz für die Inspirationen des Lesers... und so hoffe ich, dass jedes Buch einzigartig wird.
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