Quelle ville est mieux placée que Pise pour accueillir une exposition sur Keith Haring ?

Pise accueille laseule œuvre publique italienne de Keith Haring (Reading, 1958 - New York, 1990) conçue pour rester permanente, ainsi que la dernière de sa carrière: Tuttomondo, la peinture murale que l’Américain considérait comme l’un des artistes à qui l’on doit la naissance du street art, réalisée en 1989 sur l’un des murs du couvent rattaché à l’église de Sant’Antonio Abate. La présence dans la ville toscane de la grande œuvre caractérisée par les figures colorées et enchevêtrées emblématiques de l’artiste est due au hasard: deux ans plus tôt, Keith Haring avait rencontré à New York un étudiant pisan, Piergiorgio Castellani, et tous deux étaient devenus amis ; lorsque l’Américain est allé rendre visite à son ami à Pise, ils ont tous deux eu l’idée de créer une œuvre qui resterait visible pour toujours dans la ville toscane. Le projet, unique en Italie, a attiré de nombreux citoyens de tous âges et a donné naissance à la grande peinture murale de 180 mètres carrés que tout le monde peut encore admirer aujourd’hui. Quelle ville plus appropriée que Pise pour accueillir une grande rétrospective consacrée à la carrière brève mais importante de Keith Haring? Jusqu’au 17 avril 2022, en effet, le Palazzo Blu présente dans ses salles d’exposition l’exposition au titre concis Keith Haring, qui résonne dans les oreilles et les esprits du grand public, attirant certainement de nombreux visiteurs en raison de l’importance du grand nom, parmi les artistes et les écrivains les plus importants de la seconde moitié du XXe siècle. Organisée par Kaoru Yanase, conservateur en chef de la Nakamura Keith Haring Collection, et réalisée par la Fondazione Pisa en collaboration avec MondoMostre, l’exposition bénéficie de l’extraordinaire participation de la Nakamura Keith Haring Collection, la collection personnelle que l’entrepreneur Kazuo Nakamura, passionné de Haring, a commencé à rassembler en 1987 et qui est conservée dans le musée dédié à l’artiste au Japon. À l’occasion de l’exposition de Pise, plus de cent soixante-dix œuvres de cette importante collection sont ainsi réunies pour la première fois en Europe.

Si l’exposition n’a pour but que de retracer la courte vie de Keith Haring, mort en 1990 à l’âge de trente et un ans à Greenwich Village des suites de complications liées au sida, la rétrospective offre au visiteur un panorama complet de l’activité artistique du célèbre écrivain, de sesdébuts à sa dernière série de dessins (The Blueprint Drawings), qu’il réalisa un mois avant sa mort . Àtravers les neuf sections qui composent l’exposition, le public découvre,en passant et sans approfondissement particulier, les thèmes et les différentes techniques d’expression qu’il a utilisés tout au long de sa production, de la peinture au dessin, de l’art public et commercial à la peinture murale et à la sculpture.

Les œuvres exposées sont principalement des lithographies et des sérigraphies sur papier, à l’exception de quelques sculptures en aluminium peint: Untitled (People), une grande acrylique sur mousseline de 1985 sur laquelle les petits hommes aux contours marqués de Keith Haring s’enchevêtrent dans des couleurs vives ; Untitled (Medusa), la plus grande estampe de l’artiste réalisée en 1986 représentant la créature mythologique à la tête pleine de serpents que Haring réinterprète avec sept longs cous enchevêtrés et aux extrémités desquels sont attachés des corps ; Untitled (Medusa), la plus grande estampe de l’artiste réalisée en 1986 représentant la créature mythologique à la tête pleine de serpents que Haring réinterprète avec sept longs cous enchevêtrés et aux extrémités desquels sont attachés des corps Sans titre de 1986, une acrylique sur toile qui fait référence au primitivisme de Picasso et à l’art africain, avec lequel l’artiste partage l’idée de donner forme au pouvoir de la peur, tout comme les sculptures des tribus africaines qui jouent le rôle de talismans protecteurs contre les puissances invisibles qui entourent l’homme ; et Pâturages secrets de 1984, également une acrylique sur toile.

Mais la rétrospective a surtout le mérite d’amener à Pise des œuvres moins connues et moins répandues qui vont au-delà des symboles iconiques créés par Haring lui-même et que l’on peut considérer aujourd’hui comme les prédécesseurs des emoji, tels que les visages souriants, l’enfant radieux, l’ange, le chien qui aboie, les personnages qui dansent, le visage à trois yeux, à travers lesquels il aborde des thèmes importants tels que la vie, l’amour et la mort. La salle la plus “iconique” de l’exposition est celle qui rassemble la série des Icônes, publiée en 1990, qui comprend ses personnages les plus typiques: l’enfant radieux représente l’innocence, la pureté, l’alter ego de Haring ; le chien qui aboie indique souvent la suspicion et, s’il est représenté en position debout, peut représenter un gouvernement autoritaire, un abus de pouvoir, un régime oppressif ; l’ange fait référence à la présence de créatures spirituelles ou de gardiens des êtres humains, mais aussi à la complexité de la vie, au pouvoir et au chaos ; s’il porte un X sur la poitrine, il peut s’agir d’un symbole sacré ou d’une allusion à l’accouplement ; enfin, le visage à trois yeux est souvent associé à l’avidité et à l’excès. Dans la même salle, Untitled (People), la série Retrospect de 1989 composée de vingt-quatre images tirées de la série Pop Shop de Keith Haring, dont chacune peut être perçue comme un moment précis de la vie de l’artiste. Chaque image peut être considérée comme un moment précis de sa vie, toujours en mouvement, et la série Andy Mouse (1986), synthèse de Mickey Mouse, personnage de Walt Disney que Haring a toujours aimé, et d’Andy Warhol, son ami et l’un des principaux représentants du pop art, dans laquelle Andy Mouse et les billets de banque deviennent une représentation ironique de la société capitaliste et, en fin de compte, de l’Amérique.

Outre ses icônes, l’exposition présente au public des séries moins connues, comme The Story of Red and Blue, créée spécialement pour les enfants en 1989: Haring peint des formes rouges et bleues autour desquelles il construit ensuite des personnages et des objets de toutes sortes avec des lignes noires, tels que des animaux, des portraits de personnes, des voitures, des jouets pour bébés, etc. Chaque image offre au spectateur la possibilité d’inventer sa propre histoire ou, mieux encore, de les utiliser toutes ; ce n’est d’ailleurs pas un hasard si de nombreuses écoles et musées aux États-Unis ont introduit cette série particulière dans leurs programmes éducatifs. Tout au long de sa vie, Keith Haring a travaillé avec des enfants de tous âges et de tous milieux, a publié divers livres à leur intention et a lancé divers projets les concernant. L’enfant radieux qui rampe sans jamais s’arrêter est l’un de ses symboles universels: il dégage des rayons de puissance, possède une énergie infinie, défie tous les dangers ; il est un pur message de joie.

Il y a ensuite Apocalypse, que Keith Haring a réalisé en collaboration avec William S. Boroughs, un important représentant de la Beat Generation, un mouvement qui s’est développé aux États-Unis dans les années 1950 contre le capitalisme et le pouvoir et qui était fondé sur la liberté d’expression dans tous les domaines littéraires et artistiques. Il s’agit de dix textes en prose composés par Boroughs sur le thème du chaos détruisant le monde; Haring interprète les textes de l’écrivain à travers des illustrations: chaque image est un collage combinant des publicités, des références à des œuvres d’art célèbres (dont la Joconde) et des références à la théologie catholique. La série est créée après que l’artiste a découvert sa séropositivité, après qu’on lui a diagnostiqué le sida et qu’il vit avec. À partir de ce moment, les thèmes tels que la peur ou les messages politiques liés au sida et aux drogues deviennent beaucoup plus fréquents, et Apocalypse offre au public une première démonstration de l’enfer personnel qu’il vit. Enfin, les dix-sept dessins qui clôturent la rétrospective (et son activité artistique, puisque l’artiste les a réalisés un mois avant sa mort) sont intéressants. Il s’agit d’images qui résument, parfois sous forme de bandes dessinées, ses symboles et figures les plus typiques combinés dans des scènes surréalistes: chiens, enfants rampants, serpents, pyramides, soucoupes volantes, extraterrestres, à travers lesquels sont abordés les côtés sombres de la société et où l’organe sexuel masculin devient souvent le protagoniste. Trois séries inconnues pour la plupart et que l’exposition de Pise donne l’occasion de connaître.

Les thèmes de son art se succèdent salle après salle, dans un cadre qui devient parfois évocateur et immersif, comme la première salle d’exposition qui catapulte le visiteur dans le tunnel d’un métro new-yorkais, au milieu des néons et des graffitis réalisés à la craie blanche sur la couche de papier noir qui recouvre les panneaux publicitaires inutilisés: c’est en effet dans ce contexte que les dessins de Keith Haring sont apparus pour la première fois dans les années quatre-vingt. Des œuvres qui feront partie de la série Untitled (Subway Drawing). Son intention est de créer un art accessible à tous, dans des espaces publics très fréquentés et faciles d’accès. “J’espère qu’un jour, les enfants qui passent leur temps dans la rue s’habitueront à être entourés d’œuvres d’art et qu’ils se sentiront à l’aise s’ils vont dans un musée”, a-t-il déclaré. Il ne voulait pas définir l’art qu’il créait, car cela signifiait “détruire son but” ; “L’art n’a pas de sens parce qu’il en a beaucoup, il a des significations infinies”. Il exprime des concepts universels tels que la naissance, la mort, l’amour, le sexe, la guerre à travers son monde d’enfants radieux, d’animaux et de personnages sans visage, parce qu’ils sont universels.

Dans les années 1980, la lumière noire était la lumière habituelle dans les clubs. Il a donc commencé à utiliser des couleurs fluorescentes qui brillent et semblent sortir des surfaces ; il était intéressé par les effets psychédéliques qui pouvaient être créés par ses images. Il s’agit de figures dansantes, de soucoupes volantes frappant des pyramides, de corps faisant allusion à la fertilité avec des figures de femmes enceintes.

Des photographies et des affiches retracent l’aventure pisane de la création de Tuttomondo, qui a ouvert ses portes en juin 1989. Certaines œuvres s’inspirent ensuite de l’art aztèque, africain et afro-américain, avec des pyramides, des totems, des masques, des peintures corporelles, pour représenter des pouvoirs mystérieux et des symboles mythologiques. Une section entière est ensuite consacrée à la musique: les images de ses affiches traitant de sujets importants tels que la prévention du SIDA, les droits des homosexuels, l’apartheid, le racisme, la guerre, la violence et bien d’autres sont souvent utilisées pour annoncer des événements musicaux et des concerts. Il collabore également avec des musiciens et des chanteurs pour créer des couvertures d’albums musicaux: par exemple, la couverture de Without you de David Bowie, qui représente deux personnages unis dans une étreinte.

Le public a donc l’occasion de retracer la vie et l’art de l’artiste américain dans ses étapes fondamentales et ses thèmes les plus significatifs. Partant des stations de métro de New York, il a atteint une renommée mondiale, donnant vie à l’art urbain et au street art. Un art universel, compréhensible et accessible à tous. Le catalogue qui accompagne l’exposition, par contre, n’est pas très utile: il repropose le parcours mais avec des coupures (comme la série Apocalypse qui a été drastiquement résumée) et sans l’ajout de textes approfondis ou d’essais, à l’exception d’une contribution du commissaire. Une exposition à promouvoir donc, mais avec quelques réserves.

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