La peinture est un processus de connaissance". Conversation avec Letizia Galli

Letizia Galli (Rome, 1957) est l’une des principales artistes abstraites italiennes. Après avoir obtenu un diplôme en mathématiques appliquées à Gênes et enseigné les statistiques à l’université de Londres, elle a abandonné sa carrière universitaire en 1984 pour se consacrer à l’art. Ses œuvres sont fortement influencées par ses études scientifiques et mathématiques. Il a exposé dans de nombreux musées importants, notamment le Pecci à Prato, le Macro à Rome et la Whitechapel Gallery à Londres. Aujourd’hui, il vit et travaille près de Pise. Dans cette conversation avec Gabriele Landi, il nous parle de son art.

GL. Letizia, votre formation s’est déroulée dans le domaine scientifique et mathématique. Comment êtes-vous venue à l’art ?

LG. Dès mon plus jeune âge, j’ai été entourée de peintures et de livres d’art car mon grand-père florentin était très ami avec les peintres Macchiaioli et les portraitistes. Ils m’ont dit que j’étais très douée pour l’art, j’aimais beaucoup dessiner, à l’âge de dix ans je copiais Modigliani et Lautrec, je voulais être une artiste. Mais pour mon père, c’était impensable, alors j’ai été formé à des études scientifiques qui m’auraient permis d’avoir un emploi stable et bien rémunéré. Puis, à 28 ans, j’étais à Londres, j’avais terminé ma bourse de mathématiques, j’étais dans un moment d’insatisfaction et d’incertitude, et j’ai tout plaqué, en m’inscrivant dans une école d’art, en choisissant de faire ce que je voulais vraiment faire de ma vie.

Inévitablement, comme toujours, on reprend là où on s’est arrêté. Qu’est-ce qui est passé du monde mathématique et scientifique à votre travail d’artiste ?

Ma formation mathématique a été la source initiale de mes recherches, qui ont commencé vers le milieu des années 1980. J’ai apporté avec moi des éléments qui sont devenus des thèmes récurrents: la géométrie fractale, le chiffre 2, les algorithmes et les processus récursifs, et surtout l’arbre binaire. Je pense que ma formation scientifique a également influencé mon approche de la “peinture”: pour moi, la peinture est un processus de connaissance. Je fais des expériences (parfois infructueuses), je suis des procédures, j’observe et j’essaie de comprendre le comportement chimique et physique de certains matériaux et de la gravité afin d’exploiter leurs effets. Il y a un équilibre entre le contrôle que j’essaie d’appliquer et ce qui est ensuite généré sur la toile (que l’on pourrait croire dû au hasard, mais je ne crois pas que le hasard existe dans la nature). À l’exception de la série Piscine (2002) réalisée à l’aérographe, tous mes tableaux sont peints à l’aide de techniques expérimentales de ma propre invention. En ce qui concerne les expériences qui ne fonctionnent pas: j’ai beaucoup de déchets et c’est frustrant parce que tant de travail et aussi tant d’argent partent en fumée lorsque je jette une toile qui ne fonctionne pas pour moi. Mais pour moi, la peinture est un processus d’apprentissage et les expériences qui ne fonctionnent pas servent toujours à me faire comprendre ce que je ne devrais pas faire et à accroître mon expérience. C’est en quelque sorte une métaphore de la vie: il y a longtemps, j’ai été frappée par une phrase qu’un thérapeute m’a dite : “Soit vous gagnez, soit vous apprenez” et il est très important d’apprendre de ses erreurs, cela nous fait grandir. Ne peignant pas de manière traditionnelle, ces micro-macro-formes auto-générées sont intrinsèquement fractales, la géométrie fractale étant la géométrie de la nature. La géométrie fractale m’intrigue beaucoup: ces dernières années, j’ai réalisé beaucoup de travaux de petit format basés sur le concept de la grille moderniste emblématique. Les grilles des peintres historiques tels que Malevic et Mondrian ou les grilles des abstractionnistes géométriques des années 1950 à 1970, comme certaines œuvres de Josef Albers, Ad Reinhardt, (et tous ceux qui utilisent encore du ruban adhésif) sont toujours des grilles euclidiennes aux contours bien définis et nets. Les grilles d’autres peintres abstraits comme Rothko ou Scully, par exemple, n’ont pas de contours nets mais sont toujours des carrés euclidiens et sont peintes de manière traditionnelle. Dans mon cas, en revanche, la grille est organique et intrinsèquement fractale parce que je ne peins pas de manière traditionnelle: le matériau pictural est initialement disposé sur une grille, mais il peut ensuite se déplacer sur la surface de la toile sous l’effet de la gravité, créant ainsi des formes organiques. Il s’agit donc de grilles où il y a un ordre, mais aussi des degrés de liberté, ce que j’aime en général. Je n’aime pas le chaos total, mais je n’aime pas non plus être trop contraint, j’aime qu’il y ait un ordre mais aussi que je sois libre.

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Letizia Galli

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Letizia Galli, Pool 2002

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Votre manière de travailler peut-elle être comparée à ce que l’on appelle le process painting?

Je dirais que non, à l’exception du concept qui consiste à essayer de comprendre intimement certains matériaux picturaux, l’interaction entre eux et avec la toile sous l’effet de la gravité et du temps. Cependant, je m’écarte du Process Art parce que le processus n’est pas particulièrement évident et n’est pas le but ultime de l’œuvre. J’espère que l’œuvre est ouverte à d’autres significations que le processus, qu’elle va au-delà. Ayant été formée en Angleterre, ma peinture est du style anglais des années 1980-1990, ma thèse était un entretien avec Giuseppe Panza di Biumo sur le thème de la peinture abstraite. Je m’identifie davantage aux peintres qui, au lieu de peindre traditionnellement avec un pinceau, goutte à goutte, font bouger le support de peinture par gravité ou qui fabriquent leurs propres outils de peinture. S’il y a une gestuelle dans mon travail, elle n’est pas du tout expressionniste, ce n’est pas de l’Action comme Pollock, c’est une gestuelle contrôlée au compte-gouttes comme une expérience chimique, j’ai une approche procédurale du travail. Pour n’en citer que quelques-uns, je pense à des peintres comme Nicky May, Callum Innes, Ian Davenport, Ross Bleckner, Jason Martin, Bernard Frize, et plus tard Alexis Harding, et avant cela, à des expressionnistes abstraits comme Helen Frankenthaler et Morris Louis. Bien qu’ils aient été peints de manière traditionnelle, j’ai aimé les premiers travaux de Larry Poons, un peintre américain des années 1960 et 1970, tant il est vrai que lorsque tout le monde faisait des lignes, il faisait des “points”, de petits ronds. Je fais aussi des ronds, mais il les peignait avec un pinceau, donc ils étaient statiques, alors que je les peins en versant de la matière, donc ils sont dynamiques.

Quelle est l’importance de la couleur dans tout cela ?

Ma façon de travailler est plutôt cérébrale, cognitive, alors que c’est dans le choix des couleurs que mon côté émotionnel et spirituel apparaît. J’utilise la couleur de manière très intuitive et en fonction de l’humeur, de l’état d’esprit du moment ou de la période. Hormis quelques excursions avec des roses, les deux couleurs que j’utilise en général depuis des décennies sont le noir et le bleu clair. Je pense que le noir reflète un côté plus introspectif et souffrant de ma personnalité et le bleu clair un côté plus positif et avide de sérénité. Je suis très attirée par les fonds noirs d’où émergent des lumières et des formes, j’aime les paysages nocturnes avec les lumières de la ville. Je me souviens qu’en 1999, j’ai eu une exposition solo à la galerie Marabini avec des peintures entièrement noires. Dans la série de peintures vertes de 2014, j’ai été inspirée par les couleurs verdâtres des premiers ordinateurs. J’ai aussi beaucoup utilisé le bleu en raison de la valeur thérapeutique de cette couleur associée au ciel clair, à l’eau claire (par exemple la série Therapeutic Blue de 1996 et les piscines de (2002). Aujourd’hui, j’ai recommencé à utiliser le bleu clair dans mes peintures parce que j’ai besoin de légèreté en ce moment, mais en même temps, je constate que je reviens toujours au noir. J’entends constamment de mauvaises nouvelles sur les guerres, les catastrophes climatiques, les féminicides et les décès au travail. Je vois beaucoup de personnes proches de moi qui ont des difficultés financières, qui sont malades ou qui ont disparu. Les chaînes internationales (non grand public) que je suis dépeignent des scénarios stressants d’un avenir dystopique (pas vraiment futur) où il y aura de plus en plus de contrôles et de restrictions de nos libertés, encore plus de pauvreté pour 99 % de la population, des aliments et des technologies de plus en plus toxiques qui, s’ils ne sont pas réglementés à temps, ne feront que nous nuire. Je me rends compte que lorsque je peins, je peux temporairement me brancher sur un canal très particulier qui réduit mon anxiété de vivre dans un monde où il y a tant de mal, d’intolérance, de cupidité, de folie, de corruption et d’injustice. Il en va de même lorsque je vois une œuvre d’art qui me plaît. C’est un canal où je trouve l’originalité, l’intelligence, l’admiration, l’émerveillement, le mystère, l’émotion, la paix. J’aspire à la beauté et je l’apprécie: non pas la beauté de la décoration, mais celle de l’originalité, de l’intelligence, de l’empathie, de l’éthique.

Letizia Galli, Grid 22

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Pouvez-vous me parler de vos sculptures binaires ?

Lorsque j’étais à l’université à Londres dans les années 1990, j’avais été finaliste d’un concours pour la réalisation d’une sculpture à grande échelle pour une grande entreprise de télécommunications. J’avais également réalisé d’autres travaux inspirés par le concept de l’arbre binaire, ce graphe qui a la propriété de bifurquer et de croître de manière exponentielle. Il y a une dizaine d’années, un collectionneur m’a incité à reprendre le concept de l’arbre binaire et, depuis, j’ai réalisé de nombreux arbres en trois et deux dimensions, de tailles et de niveaux de complexité différents. La sculpture tridimensionnelle part d’une feuille de fer qui est découpée au laser selon une logique binaire et qui subit ensuite environ 5/6 processus d’usinage par différentes entreprises toscanes. Dans le cas d’autres matériaux plus fins et plus ductiles, le processus de pliage est effectué par moi et non par une machine. Contrairement au travail de peinture que je fais dans l’isolement le plus complet, la chaîne de production des sculptures est un travail d’équipe et c’est un grand plaisir pour moi d’interagir avec ces talentueux spécialistes toscans de qui j’apprends beaucoup de choses intéressantes et avec qui j’ai établi, après la méfiance initiale, une relation de sympathie et d’estime mutuelles. L’arbre binaire peut être considéré comme l’arbre de la vie et comme une icône de l’informatique. L’arbre binaire a également une valeur éthique, ce qui est l’aspect le plus important pour moi. En effet, il peut être associé à l’interdépendance des phénomènes et à l’absence de hasard dans la nature. Bien que la réalité nous paraisse aléatoire ou chaotique, j’aime à croire que tout est interconnecté et que tout ce qui nous arrive découle de causes et de conditions. Si c’était vrai comme je le crois, nous aurions une responsabilité morale encore plus forte parce que chaque choix que nous faisons, chaque action que nous entreprenons aurait un impact et des conséquences sur nous-mêmes, sur les autres et sur l’environnement. Je m’intéresse désormais beaucoup à la possibilité de réaliser des interventions temporaires sur des sites spécifiques en créant des ramifications binaires. Celle de Bientina a été réalisée avec des rubans d’espacement pendant la pandémie, à l’extérieur du hangar où je faisais chromer mes sculptures. Cette installation avait une valeur politique de dissidence contre les restrictions que je ressentais, comme beaucoup d’autres, à ce moment précis de l’histoire. Ces dernières années, entre les pandémies, les fermetures, la faible mobilité et l’augmentation prohibitive des matériaux et de la fabrication, je n’ai plus produit de sculptures mais je me suis consacrée à la peinture, mon grand amour depuis toujours.

Letizia Galli,binaire

Letizia Galli

Letizia Galli.

Letizia Galli

Letizia

Letizia Galli, Algorithme

Letizia Galli, Algorithme

Letizia Galli, Algorithme

Letizia Galli, Algorithme 23.

Letizia, Algorithme 23.(2023 ; huile sur toile, 120 x

Pour en revenir à la peinture, que faites-vous en ce moment ?

En ce moment, en peinture, je fais des grilles avec des spirales, qui m’attirent beaucoup, à la fois parce que ce sont des fractales présentes dans la nature (parce que la nature est fractale) et parce que je les associe à des algorithmes. Cependant, je dois préciser que, bien que je sois parti de ces données, au fur et à mesure que j’avance dans le travail, je me rends compte que le point de départ n’a pas d’importance pour moi. Chaque nouvelle œuvre fournit des informations à la suivante et dans cette concaténation créative on perd tout sens, toute représentation, toute référence mais on entre dans un lieu mystérieux, dans un langage rétinien qu’il est inutile d’essayer d’exprimer verbalement ou de justifier conceptuellement: c’est de la peinture. J’ai passé l’année 2022 dans la tribulation: au cours des deux années précédentes, j’avais réalisé de nombreux petits travaux de 40 x 40 cm ou (50 x 70 cm au maximum) qui étaient très bien, j’étais satisfaite. Cependant, lorsque j’ai essayé de passer à des formats plus grands, tout ce que je faisais dans le petit format ne fonctionnait plus, ni du point de vue technique, ni du point de vue de la composition. C’est fou comme la taille affecte mon type de recherche, comme tout change dans le grand format. J’ai donc passé un an à faire beaucoup de travaux dont je n’étais pas satisfait et que j’ai jetés, en dépensant beaucoup d’argent, de temps et d’énergie et en éprouvant un grand sentiment de frustration. J’apprenais ce que je ne devais pas faire, mais cela fait aussi partie du processus d’apprentissage. Puis, lentement et avec patience, à partir du début de cette année, j’ai commencé à voir les fruits du travail des années précédentes. Il me semble donc qu’une voie de recherche intéressante s’est ouverte à moi.

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