Artiste pluridisciplinaire d’origine texane, Rachel Lee Hovnanian (Parkersburg, 1959) explore avec audace les questions les plus pressantes et souvent inconfortables de la vie contemporaine : de l’addiction au numérique à l’obsession de la perfection esthétique. Sa sculpture Poor Teddy in Repose - un ours en peluche transpercé en plein cœur par un couteau - a récemment suscité un débat intense, l’opinion publique étant partagée entre l’admiration et la consternation. Ses installations ne demandent pas de réponses simples, mais veulent inviter le public à une confrontation authentique avec les tensions de notre époque. La pratique de M. Hovnanian, qui se considère comme un artiste conceptuel, va de la sculpture à l’installation, de la peinture à la performance. Il est titulaire d’une licence en arts de l’université du Texas à Austin et a poursuivi des études supérieures à la Parsons School of Design de New York. Son travail a été exposé aux États-Unis, en Europe, en Asie et au Moyen-Orient, notamment à la 59e Biennale de Venise en 2022 (sa pièce Angels Listening faisait partie du programme officiel des événements collatéraux), à l’église et au cloître de Sant’Agostino à Pietrasanta et au Ann Norton Museum à West Palm Beach. Née à Parkersburg, en Virginie occidentale, et élevée à Houston, elle partage actuellement son temps entre Miami, New York et l’Italie. Nous nous sommes entretenus avec elle pour en savoir plus sur son art. L’interview est réalisée par Noemi Capoccia.
NC. Commençons par la sculpture Poor Teddy in Repose, qui représente un ours en peluche transpercé en plein cœur par un couteau, et qui a suscité de nombreuses discussions ces dernières semaines : initialement placée sur la Piazza del Duomo à Pietrasanta, elle a ensuite été déplacée à la sortie Versilia de l’autoroute A12 (Gênes - Livourne). Elle a suscité des réactions mitigées de la part du public : certains apprécient sa valeur symbolique, d’autres la jugent excessive ou déplacée. Comment réagissez-vous aux critiques qui qualifient votre œuvre de dérangeante et d’inadaptée au contexte touristique de la Versilia ?
RLH. Je ne fais pas de l’art pour juger ou expliquer, mais pour me confronter aux questions universelles de notre temps. Dans le cas de Poor Teddy in Repose, j’explore la déconnexion causée par notre dépendance à la technologie, en particulier en ce qui concerne les enfants. J’espère que les critiques s’arrêteront pour réfléchir et discuter du sens profond de l’œuvre. En fin de compte, je crois que l’art public devrait être aussi stimulant qu’inspirant, et je suis reconnaissant du soutien que j’ai reçu à Pietrasanta et au-delà.
Quel type de relation vouliez-vous établir entre l’art et la société avec une œuvre aussi puissante et provocante que Poor Teddy in Repose?
Mon rôle en tant qu’artiste est de stimuler la réflexion, pas d’apporter toutes les réponses. Poor Teddy in Repose est un signal d’alarme pour notre société ; un rappel de notre humanité et de l’importance de cultiver l’imagination et l’empathie en nous-mêmes et dans la prochaine génération. Que manquons-nous lorsque nous donnons à nos enfants des appareils électroniques au lieu de jouets ? À quoi renonçons-nous avec la commodité des écrans ?
Votre travail traite souvent de questions telles que l’addiction et la stigmatisation sociale. Comment parvenez-vous à rendre ces sujets complexes accessibles et attrayants pour un large public ?
Dans mon travail, je considère le spectateur comme un participant actif plutôt que comme un spectateur passif. L’interaction fait partie intégrante de mon art et c’est pourquoi je continue à accueillir et à mettre en contact des personnes du monde entier. Dans Angel’s Listening, qui a fait ses débuts à la Biennale de Venise en 2022, les visiteurs étaient invités à partager quelque chose qu’ils ne pouvaient pas ou n’avaient pas dit dans une exposition anonyme et confessionnelle. Cette expérience a permis de combler les fossés et de mettre en lumière nos luttes communes. Je pense toujours à ce qui nous unit dans notre humanité.
Comment définiriez-vous la relation entre l’art et l’activisme dans votre pratique, en particulier dans les œuvres qui abordent des questions sociales telles que la justice et l’identité ?
Plutôt que d’exiger une action immédiate, le pouvoir de ma pratique réside dans l’émotion qu’elle suscite chez les gens. Les idées et les questions explorées dans mon travail incitent les gens à réfléchir ; je n’appelle pas toujours à un changement direct. Mon art n’a pas pour but de moraliser ou de critiquer, mais plutôt de créer une prise de conscience et, ce faisant, il a le pouvoir d’inspirer un changement durable et une transformation générale au niveau personnel et sociétal.
Comment vos installations tentent-elles de transformer l’aliénation contemporaine en un éveil collectif et partagé à travers l’art ?
En tant qu’artiste pluridisciplinaire, j’observe la vie de très près, voyant et entendant des choses que d’autres n’entendent pas. Cette façon de voir devient pour moi une mission. Je travaille avec des formes familières (un ange, des fleurs ou une femme, par exemple) en faisant appel à la beauté pour révéler des couches de sens. L’année dernière, j’ai présenté une série de peintures et d’œuvres mixtes intitulée Beyond the Hedges, qui explorait la façade du perfectionnisme et l’isolement créé par les divisions sociales. Dans ces œuvres, l’eau de la piscine, les haies du jardin et le ciel sans nuages suggèrent la sérénité, tandis que les expressions des personnages font allusion à la déconnexion. Les débuts de cette exposition à la County Gallery de Palm Beach ont stimulé un dialogue sur les thèmes explorés dans mon travail qui a duré bien au-delà du vernissage. Cette réflexion et ce débat prolongés sont en fin de compte ce que j’espère que les gens retiendront de cette exposition.
Parlons des anges et de la spiritualité. Dans Angels Listening, les anges ont la bouche scellée avec du ruban adhésif, ce qui les rend silencieux mais les oblige à écouter. Quel message souhaitez-vous faire passer sur le silence et la censure dans la société actuelle ?
Dans Angels Listening, les bouches scellées représentent le fait que le silence est souvent quelque chose que nous intériorisons, plutôt que quelque chose qui nous est imposé. Les gens dissimulent leurs émotions, leurs besoins ou leur identité pour de nombreuses raisons : pour se protéger, pour éviter les conflits ou parce qu’ils se sentent invisibles. J’explore la tension entre ce que nous sommes autorisés à dire, ce que nous gardons à l’intérieur et ce que l’on attend de nous. Angels Listening est une réflexion sur le pouvoir de l’écoute profonde. C’est un espace méditatif dans lequel des centaines de voix silencieuses deviennent un chœur partagé de confessions, révélant la liberté que l’on peut trouver grâce à la catharsis.
Le corps humain, souvent partiellement caché ou fragmenté, est un élément récurrent de votre travail. Comment interprétez-vous le corps, en tant que vecteur de sens, dans votre langage artistique ?
Ayant grandi à Houston, au Texas, j’ai observé la nature compétitive de la culture des concours de beauté, qui célèbre l’apogée de la féminité traditionnelle. C’est à partir de là que j’ai créé des œuvres telles que The Power and Burden of Beauty et Body Armor, qui explorent la ritualisation des idéaux de beauté. Je considère le corps, et plus particulièrement la forme féminine, comme un contenant d’identité, de mémoire, de vulnérabilité et de force. Dans ma pratique, c’est un symbole puissant de nos expériences et défis communs en tant que femmes, au-delà de la surface visible.
Comment votre réflexion sur l’impact de la technologie et de la médecine esthétique sur la perception de la beauté et la mémoire des formes naturelles s’exprime-t-elle dans votre représentation du corps fragmenté ?
Je m’inspire de voix féministes telles que Naomi Wolf, qui a étudié l’obsession de la société pour la beauté comme une forme de contrôle social. Dans ma série Body Armor, j’ai créé des sculptures de maillots de bain en bronze plus grandes que nature, en forme de corps féminins idéalisés. Les courbes exagérées reflètent les pressions exercées sur les femmes pour qu’elles répondent à des normes de beauté impossibles à atteindre, tandis que l’armure symbolise la force inhérente que nous incarnons. À travers ce travail, je me suis interrogée sur ce que nous perdons dans la poursuite sans fin de la perfection physique, et sur la manière dont nous pouvons récupérer notre pouvoir au sein de systèmes qui cherchent à nous contenir.
Quels sont les thèmes que vous avez l’intention d’explorer à l’avenir pour élargir votre langage artistique ?
En tant qu’artiste, je me concentre sur ce que je remarque dans la vie, la tension entre ce qui est naturel et ce qui est artificiel, ce qui est réel et ce qui est hyperréel. Ce fil conducteur ne cesse de se déployer de manière inattendue pour moi, et cette imprévisibilité fait partie du langage lui-même.
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