Der aus Texas stammende multidisziplinäre Künstler Rachel Lee Hovnanian (Parkersburg, 1959) setzt sich kühn mit den drängendsten und oft unbequemen Fragen des heutigen Lebens auseinander: von der digitalen Sucht bis zur Besessenheit von ästhetischer Perfektion. Seine Skulptur Poor Teddy in Repose - ein Teddybär, dem ein Messer das Herz durchbohrt - hat in jüngster Zeit eine intensive Debatte ausgelöst, bei der die öffentliche Meinung zwischen Bewunderung und Bestürzung schwankt. Seine Installationen verlangen nicht nach einfachen Antworten, sondern wollen das Publikum zu einer authentischen Auseinandersetzung mit den Spannungen unserer Zeit einladen. Die Praxis von Hovnanian, der sich selbst als Konzeptkünstler bezeichnet, reicht von der Skulptur bis zur Installation, von der Malerei bis zur Performance. Hovnanian erwarb einen Bachelor of Arts an der University of Texas in Austin und absolvierte ein Postgraduiertenstudium an der Parsons School of Design in New York. Ihre Arbeiten wurden international in den Vereinigten Staaten, Europa, Asien und dem Nahen Osten ausgestellt, unter anderem auf der 59. Biennale von Venedig 2022 (ihre Arbeit Angels Listening war Teil des offiziellen Rahmenprogramms), in der Kirche und im Kreuzgang von Sant’Agostino in Pietrasanta und im Ann Norton Museum in West Palm Beach. Geboren in Parkersburg, West Virginia, und aufgewachsen in Houston, lebt sie derzeit in Miami, New York und Italien. Wir haben mit ihr gesprochen, um mehr über ihre Kunst zu erfahren. Das Interview stammt von Noemi Capoccia.
NC. Beginnen wir mit der Skulptur Poor Teddy in Repose (Armer Teddy in Ruhe), die einen von einem Messer durchbohrten Teddybären darstellt und die in den letzten Wochen für viel Gesprächsstoff gesorgt hat: Sie wurde zunächst auf der Piazza del Duomo in Pietrasanta aufgestellt und später an die Ausfahrt Versilia der Autobahn A12 (Genua - Livorno) versetzt. Die Reaktionen der Öffentlichkeit waren unterschiedlich: Einige schätzen den symbolischen Wert des Denkmals, andere halten es für übertrieben oder deplatziert. Wie reagieren Sie auf die Kritik, die Ihr Werk als störend und unpassend für den touristischen Kontext der Versilia bezeichnet?
RLH. Ich schaffe Kunst nicht, um zu urteilen oder zu erklären, sondern um mich mit den universellen Fragen unserer Zeit auseinanderzusetzen. Im Fall von Poor Teddy in Repose erforsche ich die Trennung, die durch unsere Abhängigkeit von der Technologie verursacht wird, insbesondere in Bezug auf Kinder. Ich hoffe, dass die Kritiker innehalten, um über die tiefere Bedeutung nachzudenken und zu diskutieren. Letztendlich glaube ich, dass öffentliche Kunst ebenso herausfordernd wie inspirierend sein sollte, und ich bin dankbar für die Unterstützung, die ich in Pietrasanta und darüber hinaus erhalten habe.
Welche Art von Beziehung wollten Sie zwischen Kunst und Gesellschaft mit einem so kraftvollen und provokativen Werk wie Poor Teddy in Repose herstellen?
Meine Aufgabe als Künstlerin ist es, zum Nachdenken anzuregen, und nicht, alle Antworten zu geben. Poor Teddy in Repose ist ein Weckruf für unsere Gesellschaft; eine Erinnerung an unsere Menschlichkeit und daran, wie wichtig es ist, Fantasie und Empathie in uns selbst und in der nächsten Generation zu kultivieren. Was verpassen wir, wenn wir unseren Kindern elektronische Geräte anstelle von Spielzeug geben? Was geben wir mit der Bequemlichkeit von Bildschirmen auf?
In Ihrer Arbeit geht es oft um Themen wie Sucht und soziale Stigmatisierung. Wie gelingt es Ihnen, diese komplexen Themen einem breiten Publikum zugänglich zu machen und es zu begeistern?
In meiner Arbeit sehe ich den Betrachter als aktiven Teilnehmer und nicht als passiven Zuschauer. Interaktion ist ein wesentlicher Bestandteil meiner Kunst, und deshalb heiße ich auch weiterhin Menschen aus aller Welt willkommen und bringe sie miteinander in Kontakt. In Angel’s Listening, das 2022 auf der Biennale von Venedig uraufgeführt wurde, wurden die Besucher aufgefordert, etwas mitzuteilen, was sie in einer anonymen, bekenntnishaften Ausstellung nicht sagen konnten oder nicht gesagt hatten. Diese Erfahrung überbrückte Spaltungen und machte unsere gemeinsamen Kämpfe deutlich. Ich denke immer darüber nach, was uns in unserer Menschlichkeit eint.
Wie würden Sie die Beziehung zwischen Kunst und Aktivismus in Ihrer Praxis definieren, insbesondere in Werken, die sich mit sozialen Themen wie Gerechtigkeit und Identität befassen?
Die Kraft meiner Arbeit liegt eher darin, die Menschen emotional zu berühren, als dass sie ein unmittelbares Handeln erfordern. Die Ideen und Themen, die ich in meiner Arbeit untersuche, regen die Menschen zum Nachdenken an; ich rufe nicht immer zu direkten Veränderungen auf. Meine Kunst soll nicht moralisieren oder kritisieren, sondern vielmehr ein Bewusstsein schaffen und hat damit die Kraft, nachhaltige Veränderungen und einen allgemeinen Wandel auf persönlicher und gesellschaftlicher Ebene anzuregen.
Wie versuchen Sie mit Ihren Installationen, die zeitgenössische Entfremdung durch Kunst in ein kollektives und gemeinsames Erwachen zu verwandeln?
Als multidisziplinärer Künstler beobachte ich das Leben sehr genau und sehe und höre Dinge, die andere vielleicht nicht sehen. Diese Art des Sehens wird für mich zu einer Mission. Ich arbeite mit vertrauten Formen (z. B. einem Engel, Blumen oder einer Frau), die den Betrachter mit Schönheit ansprechen, um Bedeutungsebenen zu enthüllen. Letztes Jahr präsentierte ich eine Serie von Gemälden und Mischtechniken mit dem Titel Beyond the Hedges (Jenseits der Hecken), die sich mit der Fassade des Perfektionismus und der Isolation durch soziale Unterschiede befasste. Das Wasser des Teichs, die Gartenhecken und der wolkenlose Himmel in diesen Werken suggerieren Gelassenheit, während die Mimik der Figuren auf die Trennung anspielt. Das Debüt dieser Ausstellung in der County Gallery in Palm Beach regte einen Dialog über die in meiner Arbeit behandelten Themen an, der weit über die Eröffnung hinaus andauerte. Ich hoffe, dass die Menschen diese anhaltende Reflexion und Debatte mitnehmen werden.
Lassen Sie uns über Engel und Spiritualität sprechen. In Angels Listening sind die Münder der Engel mit Klebeband versiegelt, was sie zwar zum Schweigen bringt, sie aber auch zum Zuhören zwingt. Welche Botschaft wollen Sie über Schweigen und Zensur in der heutigen Gesellschaft vermitteln?
In Angels Listening stehen die versiegelten Münder dafür, dass Schweigen oft etwas ist, das wir verinnerlichen, und nicht etwas, das uns aufgezwungen wird. Menschen halten ihre Gefühle, Bedürfnisse oder Identität aus vielen Gründen zurück: um sich selbst zu schützen, um Konflikte zu vermeiden oder weil sie sich unsichtbar fühlen. Ich erforsche die Spannung zwischen dem, was wir sagen dürfen, was wir für uns behalten und dem, was von uns erwartet wird, zu ertragen. Angels Listening reflektiert über die Kraft des tiefen Zuhörens. Es ist ein meditativer Raum, in dem Hunderte von zum Schweigen gebrachten Stimmen zu einem gemeinsamen Chor von Bekenntnissen werden und die Freiheit offenbaren, die durch Katharsis gefunden werden kann.
Der menschliche Körper, oft teilweise verborgen oder fragmentiert, ist ein wiederkehrendes Element in Ihrem Werk. Wie interpretieren Sie den Körper als Träger von Bedeutung in Ihrer künstlerischen Sprache?
Als ich in Houston, Texas, aufwuchs, beobachtete ich den Wettbewerbscharakter der Schönheitswettbewerbe, die den Höhepunkt der traditionellen Weiblichkeit zelebrieren. Von diesem Ort aus schuf ich Werke wie The Power and Burden of Beauty und Body Armor, die die Ritualisierung von Schönheitsidealen untersuchen. Ich betrachte den Körper, und insbesondere die weibliche Form, als Träger von Identität, Erinnerung, Verletzlichkeit und Stärke. In meiner Praxis ist er ein kraftvolles Symbol für unsere gemeinsamen Erfahrungen und Herausforderungen als Frauen, die über die sichtbare Oberfläche hinausgehen.
Wie schlägt sich Ihre Reflexion über den Einfluss von Technologie und ästhetischer Medizin auf die Wahrnehmung von Schönheit und die Erinnerung an natürliche Formen in Ihrer Darstellung des fragmentierten Körpers nieder?
Ich lasse mich von feministischen Stimmen wie Naomi Wolf inspirieren, die die Besessenheit der Gesellschaft von Schönheit als eine Form der sozialen Kontrolle untersucht hat. In meiner Serie Body Armor schuf ich überlebensgroße Bronze-Skulpturen in Badeanzügen in Form idealisierter weiblicher Körper. Die übertriebenen Kurven spiegeln den Druck wider, dem Frauen ausgesetzt sind, um unmögliche Schönheitsstandards zu erfüllen, während die Rüstung die uns innewohnende Stärke symbolisiert, die wir verkörpern. Durch diese Arbeit habe ich mir die Frage gestellt: Was verlieren wir durch das endlose Streben nach körperlicher Perfektion, und wie können wir unsere Macht innerhalb von Systemen zurückgewinnen, die versuchen, uns zu kontrollieren?
Welche Themen wollen Sie in Zukunft erforschen, um Ihre künstlerische Sprache weiter auszubauen?
Als Künstlerin konzentriere ich mich auf das, was mir im Leben auffällt: die Spannung zwischen dem Natürlichen und dem Künstlichen, dem Realen und dem Hyperrealen. Dieser Faden entfaltet sich für mich immer wieder auf unerwartete Weise, und diese Unvorhersehbarkeit ist Teil der Sprache selbst.
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