Comment se porte la photographie aujourd’hui ? Nous en parlons avec Federico Rui, un galeriste qui a traversé plus de trente ans de transformations dans le système de l’art contemporain, tout en conservant un regard lucide et indépendant. Rui a commencé son activité dans le monde de l’art en 1995, au sein d’une galerie milanaise, où il était chargé de l’organisation des expositions et de la gestion des relations avec les collectionneurs. En 1996, il a participé à la conception de l’un des premiers portails en ligne consacrés à l’art et, peu après, il a collaboré avec une maison d’édition, contribuant à la naissance de l’une des premières plates-formes italiennes d’achat numérique. Il rejoint ensuite le département administratif de l’Académie des beaux-arts de Brera et, en 2002, il fonde la Galleria Pittura Italiana avec un associé. C’est en 2010 que Federico Rui Arte Contemporanea prend forme. L’activité de la galerie privilégie la promotion d’artistes émergents, avec un intérêt particulier pour la peinture. Depuis 2004, elle participe aux principales foires en Italie et à l’étranger et collabore avec d’importantes maisons de vente aux enchères italiennes. Dans cet entretien, Rui, que nous avons rencontré à l’occasion de sa participation à la MIA Photo Fair BNP Paribas 2026 à Milan, réfléchit aux dynamiques qui régissent le système de l’art aujourd’hui, entre l’autonomie des auteurs et les pressions commerciales. Au centre, le travail de Nicolò Quirico et d’Alex Trusty, deux artistes qui explorent des langages différents mais complémentaires. Il en ressort une réflexion plus large sur le sens de l’œuvre, sa réalisation et le risque d’une spectacularisation croissante. Dans une époque dominée par la vitesse et l’image, Rui nous invite à retrouver la profondeur et l’attention critique.
NC. Federico Rui est présent à MIA Photo Fair BNP Paribas 2026 avec des œuvres de Nicolò Quirico et Alex Trusty. Dans un contexte d’exposition de plus en plus orienté vers la construction de récits et de positionnements, comment la recherche s’inscrit-elle dans le système de la photographie contemporaine et quelles dynamiques redéfinissent, selon vous, la relation entre l’auteur, la galerie et le marché aujourd’hui ?
FR. Nicolò Quirico et Alex Trusty ont une recherche très particulière qu’ils mènent depuis près de dix ans, de manière totalement autonome et indépendante. Le regard de Nicolò Quirico interroge l’architecture en s’attardant sur les différents styles, époques et fonctions pour lesquels ils ont été conçus. Et il leur redonne une voix propre faite de présences, dans laquelle l’homme n’apparaît cependant jamais. Les éléments fondateurs de l’œuvre sont au nombre de deux : la ville, avec ses géométries et ses volumes architecturaux, et les livres, condensation des souvenirs, des expériences et des connaissances de l’homme qui construit et habite la ville. Ainsi, d’une part les prises de vue sont étudiées et élaborées pour restituer un aspect formel, parfois idéal, d’autre part les textes qui constituent la texture de fond restituent le brouhaha de ce qui s’est passé au cours de leur existence. Le support devient partie intégrante de l’œuvre : un collage de pages de livres anciens est en fait le fond d’un tirage photographique, qui devient ainsi unique. D’autre part, la figure humaine est centrale dans le travail d’Alex Trusty, qui met en relation le visiteur avec l’œuvre et le musée, l’architecture avec l’usager. Cela donne lieu à des prises de vue où l’interaction occasionnelle (les photographies ne sont pas posées) crée des instants uniques, dans lesquels le spectateur devient à son tour une œuvre d’art, et l’œuvre d’art devient une mémoire collective. Les musées sont créés pour préserver, conserver et promouvoir les traditions des civilisations. Chaque visiteur entre en dialogue avec les œuvres, entame un dialogue et une relation personnelle avec elles : Alex Trusty photographie les gens qui observent, se déplacent, s’arrêtent devant les chefs-d’œuvre. Il s’intéresse à ce qui se passe autour de l’œuvre d’art, plutôt qu’à l’œuvre elle-même. Ses photographies capturent le moment suspendu entre contemplation et distraction, entre attention et absence, dans lequel chaque spectateur fait partie de la scène, même si c’est de manière inconsciente. Du point de vue de la dynamique, les auteurs sont totalement libres dans leur recherche, qu’ils poursuivent indépendamment des influences et des exigences du marché. Dans ce sens, la relation avec la galerie est de plus en plus importante, car elle devient le pont nécessaire et irremplaçable entre la production et la réalisation et dans lequel les impressions commerciales ne sont pas les seules à être rassemblées et à converger. J’aime à penser que les ventes sont une conséquence naturelle du travail effectué par plusieurs personnes, avec une stabilité et une continuité dans le temps.
Lorsque deux langages artistiques différents se rencontrent, comme c’est le cas ici entre les œuvres de Quirico et de Trusty (présentes à MIA Photo Fair BNP Paribas 2026), qu’advient-il du sens originel de l’œuvre ? Est-il élargi ou transformé ?
Le sens de l’œuvre reste inchangé, mais c’est un moment important de confrontation avec les tendances actuelles. Il s’agit d’une transition délicate et importante, car il faut savoir qu’une exposition dans une galerie accueille quelques centaines de personnes, dans un musée quelques milliers, dans une foire quelques dizaines de milliers. C’est précisément pour cette raison que la foire devient un lieu non seulement d’échanges commerciaux, mais aussi de dialogue et d’échanges culturels.
Comment jugez-vous la scène photographique d’aujourd’hui ? Pensez-vous qu’elle est plus ouverte à l’expérimentation ou dominée par la logique du marché et les tendances ?
La photographie est aujourd’hui un terme galvaudé. Il englobe une telle variété de genres (mode, reportage, commercial, portrait, etc.) qu’il devrait être confiné au domaine qui nous intéresse : l’art. D’autant plus qu’aujourd’hui, avec l’avènement des médias sociaux et des smartphones, nous sommes tous des photographes. Mais combien sont des artistes ? Une prise de vue techniquement parfaite ne suffit pas, pas plus qu’une vision évocatrice. Il faut une idée, un sentiment, une recherche, ce petit plus qui rend l’artiste unique. Et l’artiste l’est quel que soit le médium qu’il utilise. Le risque, dans le scénario contemporain, est que le mot “expérimentation” soit confondu avec “spectacularisation”. Dépasser ses propres limites et celles des autres, techniques et créatives, ne signifie pas spectaculariser l’œuvre. L’effet est qu’il peut avoir l’effet inverse, celui de la banalisation.
Certains affirment que l’art risque de devenir un simple spectacle ou un produit. Que répondez-vous à ceux qui pensent que l’expérience de l’œuvre perd de sa profondeur ?
C’est vrai, même s’il faut reconnaître que les modes ont toujours existé. Mais dans cette période historique, nous perdons le contact direct avec l’opéra. Tout est image, tout est vitesse, tout est superficiel. Quand on parle d’art, on parle de plus en plus du marché de l’art, et peu de l’art. On a rarement le temps (ou l’envie) de s’y plonger. Dans ce sens, les œuvres spectaculaires, ou supposées nouvelles, sont mises en avant. Lea Vergine a déclaré, lors d’une interview à l’origine du livre Necessary is Only the Superfluous, qu’“aujourd’hui, il n’y a que des conservateurs, les critiques sont très rares. Et qui est le conservateur ? C’est une personne qui passe son temps dans les avions à chercher de nouvelles choses dans le monde entier sur commande. En d’autres termes, c’est un gestionnaire. C’est celui qui était un marchand animé par la passion. Ceux-ci sont motivés par le besoin des commandes qu’ils ont reçues, c’est-à-dire trouver la nouveauté, trouver une nouveauté avec laquelle ils peuvent faire un marché. Le nouveau. Mais le nouveau n’est jamais là”.
On parle souvent des nouvelles frontières de la photographie et de l’image : à votre avis, où se situe la recherche des artistes présents dans votre galerie dans un paysage en constante évolution ?
“Le présent, qui est au temps ce que la façade est à l’espace, nous empêche de voir les choses en profondeur”, écrivait Alberto Savinio (in Scritti dispersi 1943-1952). En ce sens, je trouve le travail de Nicolò Quirico très innovant et courageux, qui va au-delà de la photographie comme fin en soi, et interroge l’histoire et la mémoire représentées par les vieux livres. Les façades des architectures (le présent) cachent toute la charge de l’histoire et de l’expérience : chaque bâtiment est une vie qui s’écrit et chaque livre est une brique de notre culture. D’une manière différente, Alex Trusty se réfère non seulement à la memora, mais aussi au contenant de la mémoire. Les musées, déjà qualifiés de cathédrales de la contemporanéité (Angelo Crespi), sont le lieu sacré où les coutumes contemporaines, au sens large du terme (couleurs, vêtements, poses, comportements) sont confrontées à des œuvres d’art devenues publiques.
Comment voyez-vous le rôle de l’auteur aujourd’hui ? Qui dicte les règles de l’art contemporain, l’artiste ou le système qui l’entoure ?
L’artiste travaille seul, de plus en plus entouré de stimuli, mais de moins en moins accompagné d’échanges et de confrontations. Il n’a jamais été aussi libre qu’aujourd’hui, et l’art n’a jamais été aussi démocratique et à la portée de tous. Il n’y a donc pas de règles, sauf si l’on se réfère au marché de l’art... mais il serait bon de revenir à parler des œuvres, et non de leur environnement !
L'auteur de cet article: Noemi Capoccia
Originaria di Lecce, classe 1995, ha conseguito la laurea presso l'Accademia di Belle Arti di Carrara nel 2021. Le sue passioni sono l'arte antica e l'archeologia. Dal 2024 lavora in Finestre sull'Arte.Avertissement : la traduction en français de l'article original italien a été réalisée à l'aide d'outils automatiques. Nous nous engageons à réviser tous les articles, mais nous ne garantissons pas l'absence totale d'inexactitudes dans la traduction dues au programme. Vous pouvez trouver l'original en cliquant sur le bouton ITA. Si vous trouvez une erreur,veuillez nous contacter.
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