La Sainte Famille de Ludovico Mazzolino, entre singes et architecture classique

Pour Giovanni Morelli, Ludovico Mazzolino était “der Glühwurm unter den Malern”, comme il l’a appelé dans ses Kunstkritische Studien über italienische Malerei: la “luciole des peintres”. La raison en est simple: ses couleurs “merveilleusement brillantes”, qui ont fait de lui l’un des peintres les plus recherchés par les collectionneurs romains au XVIIe siècle, période au cours de laquelle un grand nombre de ses tableaux, après la Dévolution de Ferrare, ville dont Mazzolino était originaire, ont afflué dans la capitale de l’État pontifical. Au cours de sa vie, il travailla principalement pour des mécènes privés, réalisant de petits tableaux pour la dévotion intime de sa clientèle. Parmi ses clients, pour n’en citer qu’un, figurait Lucrèce Borgia.

Mazzolino était un Ferrarais qui s’était désaltéré à la fontaine de Cosmè Turas, d’Ercole de’ Roberti et de Lorenzo Costa, au point d’en arriver à un trait stylistique très particulier, avec des traits d’originalité marqués, qui le rendaient facilement reconnaissable: il n’était pas un innovateur, certes, mais il était certainement un artiste doté d’une admirable capacité narrative, lumineux, surprenant et enclin à des intonations inattendues et bizarres, comme tous les grands peintres de Ferrare. Bref, “un talent inquiet et excentrique”, comme le décrit Silla Zamboni dans la première monographie qui lui a été consacrée.

On a dit que Mazzolino travaillait surtout pour des clients particuliers, et en effet il est aussi célèbre parce qu’il était un peintre extrêmement rare dans les grandes entreprises publiques. Il n’est pas non plus très fréquent de le voir représenté dans un musée: ses œuvres connues sont au nombre d’une centaine et, pour les voir en direct, il faut presque toujours se rendre dans une grande institution. Les Offices, la Galleria Borghese, la Pinacoteca Nazionale de Bologne, à l’étranger la National Gallery de Londres, le Kunsthistorisches Museum de Vienne, l’Alte Pinakothek de Munich. On peut aussi s’intéresser à des musées plus modestes issus de collections privées, comme le musée Lia de La Spezia, où se trouve l’un des tableaux les plus intéressants de toute la production de Mazzolino. Il s’agit d’une Sainte Famille avec saint Jean et sainte Élisabeth qui s’offre au spectateur selon un schéma tout à fait typique de l’art de cet artiste ferrarais peu connu du grand public: une toile de fond architecturale (avec un relief classique, dans ce cas) comme cadre, les personnages au premier plan, une composition qui se développe très profondément malgré l’architecture, le signe qui rappelle les expériences nordiques de Dürer, et quelques insertions étranges, voire bizarres.

La verve narrative de Mazzolino est très évidente: tous les personnages masculins, c’est-à-dire les enfants et saint Joseph, semblent à la fois attirés et inquiétés par l’irruption du singe dans la scène, qui se dirige vers l’Enfant. Saint Joseph, en particulier, fronce les sourcils, déjà sur la défensive. Les enfants, en revanche, sont plus curieux, même si la pose de saint Jean trahit une certaine peur enfantine de l’animal, motivée par le fait que la bête est attirée par les fruits qu’il tient serrés dans sa tunique. Les femmes, en revanche, ne semblent pas s’inquiéter de la présence du primate. La Vierge a le regard perdu devant elle, et sa cousine se tourne vers elle, les mains jointes, pour vénérer l’enfant.

Mazzolino, dont la signature figure sur le sol en bois du portique, immédiatement sous les bordures dorées de la robe de sainte Élisabeth, est un peintre d’un raffinement suprême, qui a peu d’égaux dans ce domaine. Parmi les poses et les attitudes que nous avons déjà mentionnées, seul un peintre extrêmement imaginatif pouvait être capable de rendre une scène de dévotion aussi vivante. Mais Ludovico Mazzolino va plus loin, et la finesse de sa touche investit chaque détail. Les auras des personnages sont des halos de lumière vacillants construits avec de petites marques laissées par la pointe du plus fin de ses pinceaux: c’était sa façon à lui de peindre les nimbes des saints. L’arc classique est décoré de grotesques dorés, et les chapiteaux eux-mêmes sont animés par des dorures qui font également briller l’architecture. Derrière, au-delà de la voûte de l’arc, le peintre a construit en quelques centimètres un paysage d’une grande force magnétique: des montagnes qui se perdent dans le lointain, une tour de guet sur le fleuve, la végétation qui prend possession des berges, le ciel au crépuscule.

Puis il y a la bataille qui orne le relief reposant sur les tablettes de l’arc. C’est, comme le singe, une présence que l’on retrouve dans d’autres tableaux de Ludovico Mazzolino: à la National Gallery de Londres, par exemple, une autre de ses Saintes Familles est peinte sous un bas-relief antique beaucoup plus volumineux, avec la même bataille de chevaliers qui est incluse dans le panneau de La Spezia et qui, comme Carl Robert l’a suggéré dans son étude de 1890 Die antiken Sarkophagreliefs , pourrait provenir d’un sarcophage qui se trouvait autrefois dans l’église des Saints Cosmas et Damien à Rome (un fragment subsiste au Palazzo Salviati). La signification symbolique de la bataille semble assez claire: elle fait allusion aux bouleversements de l’ère païenne définitivement surmontés par la naissance du Christ et son sacrifice, auxquels la présence de saint Jean fait allusion. Un petit saint Jean qui est ici dépourvu de son typique agneau, symbole du sacrifice de Jésus: il a peut-être été remplacé par les fruits rouges, que le petit tente de défendre contre l’éventuel assaut du singe. Les fruits rouges font allusion au péché originel, dont le Christ est le rédempteur: ils ont donc la même fonction allégorique que l’agneau “qui tollit peccata mundi”. Le singe, auquel le diable et le mal étaient associés dans l’Antiquité, pourrait être l’incarnation la plus évidente de la tentation. Pour Zamboni, cependant, l’animal, tiré du répertoire d’Ercole de’ Roberti et plus précisément des fresques du Palazzo Schifanoia de Ferrare, serait “vidé de tout symbolisme”, une “insertion fantaisiste dans les peintures sacrées”.

Nous ne connaissons pas l’histoire de ce panneau avant le XIXe siècle. En 1888, Wilhlem Bode le signale à la Gemäldegalerie d’Oldenburg, puis, dans les années 1930, Berenson l’enregistre dans une collection privée à Amsterdam. Remise sur le marché, elle a finalement été achetée par le grand collectionneur Amedeo Lia et est aujourd’hui exposée au public dans le musée issu de la donation de la collection à la municipalité de La Spezia. À l’époque où Lia a acheté cette œuvre de Mazzolino sur le marché (aujourd’hui, un tableau similaire se vend entre deux et trois cent mille euros), le peintre ferrarais était particulièrement recherché par les amateurs d’art ancien. C’est donc grâce au bon goût de l’ingénieur collectionneur que l’on peut aujourd’hui admirer ce panneau rare et délicieux dans un musée public.

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