Peggy Guggenheim, la dernière dogaresse de Venise. Voici comment est née sa collection et quels étaient ses centres d'intérêt

“On a toujours pensé que Venise était la ville idéale pour une lune de miel, mais c’est une grave erreur. Venir à Venise, ou simplement la visiter, c’est en tomber amoureux, et dans le cœur il n’y a plus de place pour rien d’autre”, peut-on lire dans Una vita per l’arte, l’autobiographie de Peggy Guggenheim (New York, 1898 - Camposampiero, 1979) publiée en 1979, l’année de sa mort. Et Peggy connaissait certainement très bien ce sentiment: un lien correspondant avec sa ville d’adoption, dans laquelle elle a passé les trente dernières années de sa vie, de 1949 à 1979.

Lorsqu’elle est arrivée sur la lagune, Peggy était déjà bien connue dans le monde de l’art contemporain en tant que galeriste et collectionneuse: sa carrière dans ce domaine a commencé en 1938, alors qu’elle n’avait que trente-neuf ans, avec l’ouverture de sa première galerie d’art à Londres, à laquelle elle a donné le nom de Guggenheim Jeune; ses amitiés appartenaient elles aussi pleinement au monde de l’art: Elle se lie d’amitié avec Brancusi, Duchamp et l’écrivain Samuel Beckett, qui l’encouragent à se consacrer à l’art contemporain en tant que “chose vivante” et l’aident à s’intégrer de plus en plus dans ce milieu. Après son expérience londonienne et l’achat d’un tableau par jour pour enrichir sa collection, elle ouvre une autre galerie à New York en 1942, qu’elle choisit d’appeler Art of This Century. De même, aux États-Unis, elle s’entoure d’artistes, même inconnus jusqu’alors, auxquels elle consacre des expositions temporaires, parmi lesquels Mark Rothko, Robert Motherwell et Jackson Pollock; en particulier, elle promeut activement ce dernier, en vendant ses œuvres et en lui consacrant la première exposition personnelle de la galerie à la fin de l’année 1943. Et c’est grâce à Peggy que Jackson Pollock lui-même (Cody, 1912 - Long Island, 1956) a pu exposer ses œuvres en Europe pour la première fois, à l’occasion de la Biennale de Venise de 1948, à laquelle elle a participé en apportant des chefs-d’œuvre de sa collection au pavillon grec. Cette expérience l’a rendue amoureuse de la ville de Venise, à tel point qu’elle a décidé de déménager entre gondoles et canaux en 1949 avec sa collection complète, en achetant le splendide Palazzo Venier dei Leoni, où l’on peut encore voir aujourd’hui la collection Peggy Guggenheim. Conçu par l’architecte Lorenzo Boschetti, la construction du palais a commencé en 1748, mais pour des raisons encore obscures, il est resté inachevé. Cependant, Peggy Guggenheim a été enchantée par son caractère unique et sa luminosité, et encore aujourd’hui ses vitraux et sa terrasse directement sur le canal en font l’un des palais les plus frappants de Venise.

C’est à partir de ces hypothèses que la galerie-musée d’aujourd’hui a décidé de monter une exposition-hommage qui retrace l’ histoire vénitienne de Peggy Guggenheim et de sa collection après 1948, c’est-à-dire depuis la fermeture de la galerie new-yorkaise Art of This Century et son déménagement à Venise jusqu’à la mort de la mécène en 1979. Une période de trente ans qui a vu une succession d’expositions, d’événements et de rencontres qui ont influencé le lien personnel de Peggy avec Venise, mais aussi sa vision du monde de l’art en tant que femme et en tant que collectionneuse. Ce n’est pas un hasard si le titre de l’exposition, ouverte au public jusqu’au 27 janvier 2020, est Peggy Guggenheim. The Last Dogaressa, soulignant le rôle prépondérant qu’elle a exercé dans ces années-là dans la lagune et son héritage en tant qu’icône encore visible aujourd’hui.

Peggy Guggenheim dans le jardin du Palazzo Venier dei Leoni, Venise, années 1950. Derrière elle, Karel Appel, The Crying Crocodile Tries to Catch the Sun, 1956. Photo Roloff Beny / avec l’aimable autorisation des Archives et des Archives nationales du Canada.

Peggy Guggenheim au Palazzo Venier dei Leoni, Venise, début des années 1960. Derrière elle, Fernand Léger, Les Hommes dans la ville, 1919. Fondation Solomon R. Guggenheim. Archives photographiques Cameraphoto Epoche. Donation, Cassa di Risparmio di Venezia, 2005.

Peggy Guggenheim avec son terrier Lhasa Apsos sur la terrasse du Palazzo Venier dei Leoni, Venise, fin des années 1960. Fondation Solomon R. Guggenheim. Archives photographiques Cameraphoto Epoche. Donation, Cassa di Risparmio di Venezia, 2005.

Peggy Guggenheim à l’entrée du Palazzo Venier dei Leoni, Venise, 1967. Avec l’aimable autorisation de la Solomon R. Guggenheim Foundation.

Peggy Guggenheim dans une gondole, Venise, 1968. Photo de Tony Vaccaro / Archives Tony Vaccaro

Peggy Guggenheim assise sur un trône dans le jardin du Palazzo Venier dei Leoni, Venise, années 1960. Photo Roloff Beny / avec l’aimable autorisation des Archives et des Archives nationales du Canada

Peggy Guggenheim dans une gondole sur le Grand Canal, Venise, 1975. © Gianfranco Tagliapietra Interpress Photo.

Peggy Guggenheim au Palais Gritti à l’occasion de son 80e anniversaire, Venise, 26 août 1978. © Gianfranco Tagliapietra Interpress Photo.

Comme nous l’avons déjà dit, le lien d’estime mutuelle entre Peggy et Pollock avant leur installation à Venise culmine lors de la Biennale de 1948, au cours de laquelle la collectionneuse se fait un nom dans la lagune en organisant la première riche et vaste exposition d’art moderne en Italie après le régime, et Jackson Pollock fait ses débuts en Europe. Une exposition lui est consacrée deux ans plus tard, la première exposition personnelle de l’artiste en dehors des États-Unis, avec vingt-trois œuvres dans l’aile napoléonienne du musée Correr, dont dix de ses drip paintings (peintures au goutte-à-goutte). The Last Dogaressa s’inspire précisément des œuvres de l’artiste américain, dont The Moon Woman et Alchemy , réalisées entre 1942 et 1947. Cette dernière, en particulier, est l’une des premières à avoir été réalisées avec la technique du dripping: des marques primitives réalisées en pressant de la peinture blanche directement du tube sont réparties de manière irrégulière sur la toile. Cependant, si Pollock est le cas le plus frappant, il ne faut pas oublier que la Biennale de 1948 a présenté d’autres peintres américains sur la scène européenne, tels que Mark Rothko (Daugavpils, 1903 - New York, 1970), Robert Motherwell (Aberdeen, 1915 - Provincetown, 1991), Arshile Gorky (Khorkom, 1904 - Sherman, 1948) et Clyfford Still (Grandin, 1904 - Baltimore, 1980), qui étaient également présents avec des œuvres de cette période à l’exposition d’aujourd’hui à Venise.

En septembre 1949, alors que Peggy est déjà devenue citoyenne vénitienne, elle décide d’ouvrir au public le jardin de sa nouvelle demeure, et elle le fait avec un autre événement banal: l’Exposition de Sculpture Contemporaine, à travers laquelle elle prévoit de présenter des acquisitions de sa collection qui visent à concrétiser les différents langages de la sculpture moderne et à manifester son intérêt pour l’avant-garde européenne. Ainsi, vingt sculptures de Jean Arp (Strasbourg, 1887 - Bâle, 1966), Constantin Brancusi (Pestisani, 1876 - Paris, 1957), Alberto Giacometti (Borgonovo di Stampa, 1901 - Coire, 1966) et d’autres représentants du XXe siècle ont été exposées: entre autres, Tête et coquille d’Arp, première œuvre à entrer dans la collection Guggenheim en 1938 et petit chef-d’œuvre parmi les pièces les plus significatives de la récente rétrospective consacrée à l’artiste strasbourgeois ; Oiseau dans l’espace de Brancusi, où l’idée du vol est représentée par une forme aérodynamique en acier inoxydable et en acier inoxydable. L’oiseau dans l’espace de Brancusi, où l’idée du vol est représentée par une forme aérodynamique en laiton poli, et Piazza de Giacometti, une œuvre en bronze dans laquelle cinq personnages élancés semblent marcher sur une grande place sans jamais se rencontrer, signifiant ainsi que chacun vit son individualité sans accorder d’importance à la socialité et à la communauté.

En s’installant à Venise, Peggy a également participé pleinement à l’art italien, en soutenant un certain nombre d’artistes italiens locaux et en achetant leurs œuvres: parmi eux, Emilio Vedova (Venise, 1919 - 2006), qui avait commencé à se consacrer à l’art abstrait etinformel après la Seconde Guerre mondiale. Son œuvre est Image du temps (Sbarramento), tempera à l’œuf sur toile où le noir domine avec des éclaboussures de rouge et de jaune, à travers laquelle l’artiste exprime des thèmes de son temps d’une manière similaire à celle de l’Américain Pollock. En outre, le collectionneur a contribué à la diffusion de l’art des représentants du Spatialisme, comme Edmondo Bacci (Venise, 1913 - 1978) qui, dans son Avvenimento #247, une huile avec sable sur toile de 1956, représente les origines de la matière dans des régions extraterrestres ; des formes colorées bleues, rouges et jaunes jaillissent d’une éruption cosmique et s’apprêtent à leur tour à engendrer la vie. Les formes colorées abstraites sont également présentes dans Above White, une œuvre de 1960 de l’artiste japonais Kenzo Okada (Yokohama, 1902 - Tokyo, 1982), un représentant de l’abstractionnisme lyrique typique du Japon, qui représente le soi-disant paysage de l’esprit.

Les autres catégories, si l’on peut les définir ainsi, pour lesquelles Peggy Guggenheim avait un certain intérêt et souhaitait posséder une collection qui s’agrandissait progressivement, sont l’art britannique et l’art optique et cinétique. Le premier appartient aux peintures caractérisées par un fond monochrome sur lequel les personnages deviennent des protagonistes: Citons par exemple Study for a Chimpanzee (Dublin, 1909 - Madrid, 1992) de Francis Bacon , où un chimpanzé aux traits déformés est représenté presque comme sur un instantané sur un fond rouge, et Organic Form (Londres, 1903 - Menton, 1980) de Graham Sutherland, où une forme en forme d’autel se détache sur un fond vert. De même, les sculpteurs britanniques se caractérisent par une prédilection pour la figure humaine et animale et, dans de nombreux cas, par l’abandon de la méthode traditionnelle de la fonte du bronze au profit de la forge et de la soudure. Parmi ces artistes figurent Kenneth Armitage (Leeds, 1916 - Londres, 2002), Reg Butler (Buntingford 1913 - Berkhamsted, 1981), qui ont été largement appréciés à la Biennale de Venise de 1952, et Henry Moore (Castleford, 1898 - Much Hadham, 1986). Armitage a réalisé une sculpture particulière, People in the Wind: un groupe de personnages en bronze aux formes abstraites qui, avec leurs bras tendus vers le haut, expriment un mouvement ascendant ; au lieu de cela, Reg Butler a réalisé une sculpture aux formes plus stylisées, Woman Walking. Henry Moore représente un groupe familial avec des formes plus arrondies et le matériau semble plus solide, tandis que dans Lying Figure, une sculpture en bronze poli, les formes deviennent plus sinueuses dans un acte créatif libre.

L’entrée dans la collection Guggenheim de L’Empire de la lumière de René Magritte (Lessines, 1898 - Bruxelles, 1967) réalisée entre 1953 et 1954 en est un exemple: la toile représente une rue sombre éclairée seulement par la faible lumière d’un réverbère placé devant une maison ; au premier plan, un grand arbre recouvre partiellement la maison et le ciel parsemé de nuages est bleu et dégagé. Le jour et la nuit coexistent donc dans ce tableau, une coexistence qui provoque l’inquiétude, comme c’est le cas dans le surréalisme auquel l’œuvre appartient. D’autres exemples d’Empire of Light existent à New York et à Bruxelles.

Alors qu’Emilio Vedova exprimait dans ses tableaux les angoisses de son époque, dans les années 1950 et 1960, les artistes du groupe CoBrA, dont le nom est dérivé des initiales des villes de ses fondateurs, à savoir Copenhague, Bruxelles et Amsterdam, ont réagi aux tragédies de la guerre avec un style instinctif et révolutionnaire. Un style qui s’est maintenu même après la fin de l’activité du groupe, qui n’a duré que trois ans, à partir de 1948, comme en témoigne The weeping crocodile tries to catch the sun du Néerlandais Karel Appel (Amsterdam, 1921 - Zurich, 2006), l’un des fondateurs du groupe CoBrA: le crocodile est peint avec des couleurs épaisses appliquées frénétiquement et est bordé de lignes noires ; ce qui est frappant, c’est le fort contraste de couleurs donné par des tons très forts. Une caractéristique fondamentale est la spontanéité avec laquelle il peint comme un enfant, sans se soucier de la perspective et des proportions. La même couleur épaisse sur la toile et les lignes noires des contours des figures se retrouvent dans Sans titre du peintre danois Asger Jorn (Vejrum, 1914 - Aarhus, 1973), un autre fondateur du groupe: ici, les formes des figures représentées se distinguent à peine dans l’environnement général, mais on peut voir à droite une figure humaine debout et souriante et au centre un oiseau ; autour de lui, différents visages se fondent dans l’arrière-plan. Les couleurs sont plus sourdes chez l’artiste que chez Appel: le bleu clair, le jaune clair, le vert et le rose se combinent harmonieusement.

Jackson Pollock, Circoncision (janvier 1946 ; huile sur toile, 142,3 x 168 cm ; Venise, collection Peggy Guggenheim) © Pollock-Krasner Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York.

Jackson Pollock, The Moon Woman (1942 ; huile sur toile, 175,2 x 109,3 cm ; Venise, Peggy Guggenheim Collection) © Pollock-Krasner Foundation / Artists Rights Society (ARS), New

Jackson Pollock, Eyes in the Heat (1946 ; huile - et émail? - sur toile, 137,2 x 109,2 cm ; Venise, collection Peggy Guggenheim) © Pollock-Krasner Foundation / Artists Rights Society (ARS), New

Arshile Gorky, Sans titre (été 1944 ; huile sur toile, 167 x 178,2 cm ; Venise, Peggy Guggenheim Collection)

Emilio Vedova, Image du temps (barrage) (1951 ; tempera à l’œuf sur toile, 130,5 x 170,4 cm ; Venise, collection Peggy Guggenheim). Fondation Emilio et Annabianca Vedova

Kenzo Okada, Above White (1960 ; huile sur toile, 127,3 x 96,7 cm ; Venise, Collection Peggy Guggenheim)

Francis Bacon, Study for Chimpanzee (mars 1957 ; huile et pastel sur toile, 152,4 x 117 cm ; Venise, Peggy Guggenheim Collection) © The Estate of Francis Bacon. Tous droits réservés, par le SIAE 2019

René Magritte, L’Empire des lumières (1953-54 ; huile sur toile, 195,4 x 131,2 cm ; Venise, Peggy Guggenheim Collection) © René Magritte, par le SIAE 2019

Pierre Alechinsky, Robe (1972 ; acrylique sur papier marouflé sur toile, 99,5 x 153,5 cm ; Venise, Peggy Guggenheim Collection) © Pierre Alechinsky, par le SIAE 2019

Asger Jorn, Sans titre (1956-57 ; huile sur toile, 141 x 110,1 cm ; Venise, Peggy Guggenheim Collection) © Donation Jorn, Silkeborg, by SIAE 2019

Marina Apollonio, Relief No. 505 (c. 1968 ; aluminium et peinture fluorescente sur Masonite, 49,9 x 49,8 cm ; Venise, Peggy Guggenheim Collection)

Parfaitement en phase avec l’époque contemporaine, Peggy a commencé à collectionner des œuvres de l’Op art, l’art optique et cinétique, dans les années 1960. Les géométries illusoires en noir et blanc et les effets optiques particuliers dominent alors la scène artistique et la mode ; les reflets et les transparences contribuent à modifier la perception des formes et des objets, grâce également à l’utilisation de matériaux inhabituels issus du monde industriel, tels que l’aluminium, le plastique et le verre.

Dans le sillage de cette tendance moderne, Peggy s’entoure d’œuvres en plexiglas, aluminium et PVC, comme Optical Structure de l’Argentine Martha Boto (Buenos Aires, 1925 - Paris, 2004), un jeu de figures géométriques, en l’occurrence des cercles, qui exploitent l’illusion du mouvement et des surfaces réfléchissantes pour rendre l’espace indéfini ; The Joy of Calvino de l’artiste allemand Heinz Mack (Lollar, 1931), fondateur en 1957-58 du Zero Group, qui se propose de remettre à zéro les expériences passées, en s’éloignant de la peinture et de la sculpture traditionnelles pour créer des peintures-objets et des assemblages, dans la droite ligne des recherches cinético-visuelles allemandes. Ou encore, JAK du franco-hongrois Victor Vasarely (Pécs, 1906 - Paris, 1997), où sont exaltées ses recherches graphiques sur les formes géométriques, les petits losanges et l’effet illusoire de la lumière au centre de l’œuvre. Parmi les représentants italiens de l’art cinétique qui ont suscité l’intérêt du mécénat américain, citons Franco Costalonga (Venise, 1933 -2019) et Marina Apollonio (Trieste, 1940): la sphère particulière du premier, en plexiglas et métal chromé, est l’une de ses sculptures-œuvres les plus intrigantes et suggestives ; l’artiste a décliné l’un de ses sujets favoris en de nombreuses variantes transparentes, réfléchissantes et colorées, en jouant beaucoup avec la tridimensionnalité. Marina Apollonio, en revanche, dans Rilievo n.505, une œuvre en aluminium et peinture fluorescente sur masonite, se concentre sur des reliefs métalliques avec des séquences élémentaires de couleurs alternées, en utilisant des matériaux industriels.

Grâce à cette succession d’œuvres de la collection Peggy Guggenheim, on comprend mieux comment la passion, un fort attachement à l’art et le désir d’apporter une contribution saine à des artistes particulièrement émergents ont été des facteurs décisifs dans la poursuite et la croissance d’une collection qui était déjà importante à New York, mais qui a atteint son apogée à Venise.

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