Antonio Fontanesi, el último romántico. Y su legado de Pellizza da Volpedo a Burri

Artista dotado de una fuerte sensibilidad pictórica y a veces poética, Antonio Fontanesi (Reggio Emilia, 1818 - Turín, 1882) pasó los últimos años de su vida totalmente desanimado tras elresultado negativo, o mejor dicho, un verdadero rechazo que sufrió al presentar uno de sus últimos y más ambiciosos cuadros, Las nubes, en laExposición Nacional de Bellas Artes de Turín de 1880. El gran cuadro no recibió la más mínima consideración por parte del jurado que, evidentemente, desconocía o no apreciaba los cambios que había experimentado el paisajismo en los últimos tiempos. La obra ponía de relieve la manera sumamente poética en que el artista había representado la naturaleza y las influencias artísticas de la tradición, empezando por el paisaje clásico e ideal del siglo XVII de Claude Lorrain (Champaña, 1600 - Roma, 1682) y terminando por el paisaje holandés y, por último, el paisaje del romanticismo inglés.

La exposición Antonio Fontanesi y su legado, que el Palazzo dei Musei de Reggio Emilia dedica a Antonio Fontanesi en el 200 aniversario de su nacimiento hasta el 14 de julio de 2019, toma su punto de partida precisamente de este cuadro, injustamente pasado por alto, testimonio de la “hora más oscura” de su producción, entre 1880 y 1882.

Nubes data de 1880 y representa “un gran cielo y una inmensa llanura”, según el propio Fontanesi: Las referencias al paisajismo transalpino son evidentes aquí, en particular a Corot (París, 1796 - 1875) y Poussin (Les Andelys, 1594 - Roma, 1665), y a Constable (East Bergholt, 1776 - Londres, 1837), sobre todo en lo que se refiere a la luz cercana a la realidad, las combinaciones cromáticas y la materialidad del color. Junto a este gran lienzo se encuentra uno de los numerosos bocetos que el artista realizó para Las nubes, ambas obras conservadas en la GAM - Galleria Civica d’Arte Moderna e Contemporanea de Turín. Característico de su manera de pintar era, en efecto, el hábito de dibujar impresiones del natural, en contacto directo con la naturaleza, que posteriormente repensaba y remodelaba, incluso en los temas, en la tranquilidad de su estudio, generalmente con mayores dimensiones. Una especie de"emoción recogida en la tranquilidad" de William Wordsworth. El escenario de las dos obras parece sustancialmente especular: la posición de los árboles y las casas está invertida; en la obra final, las figuras humanas y animales son distintas, pero en ambas las nubes protagonistas revelan toda su corporeidad y dominan el agradable paisaje inferior.

Sala de la exposición Antonio Fontanesi y su legado en Reggio Emilia, Palacio de los Museos

Sala de la exposición Antonio Fontanesi y su legado en Reggio Emilia, Palazzo dei Musei

Sala de la exposición Antonio Fontanesi y su legado en Reggio Emilia, Palacio de los Museos

Antonio Fontanesi, Las nubes (1880; óleo sobre lienzo, 200 x 300 cm; Turín, GAM - Galleria Civica d’Arte Moderna e Contemporanea)

Antonio Fontanesi, Estudio para Las nubes (1879-1880; óleo sobre cartón, 51,7 x 75 cm; Turín, GAM - Galleria Civica d’Arte Moderna e Contemporanea)

A partir de este primer paso, la exposición de Reggio Emilia ha recreado deliberadamente, de forma excelente e inteligente, la sala que, diecinueve años después de la muerte del artista, devolvió la gloria a Fontanesi: el punto de inflexión que marcó el verdadero reconocimiento por parte de la crítica y del público italiano y extranjero se produjo de hecho en 1901 con la participación póstuma del pintor de Reggio Emilia en la IV Exposición Internacional de Arte de Venecia, aunque se tratara de una retrospectiva sobre un artista por entonces desconocido y no de una exposición que pretendiera rendirle homenaje a través de sus obras más apreciadas. Los partidarios de este paso decisivo fueron sus más fieles admiradores, que nunca le abandonaron, sobre todo después de su muerte. En primer lugar, el turinés Marco Calderini que, desde 1886, había proyectado y escrito la biografía del maestro, que se publicó el mismo año del giro decisivo. La retrospectiva Fontanesi veneciano se instaló en la sala de honor dedicada a Umberto I y Margherita di Savoia, y Marco Calderini, a quien se había confiado la tarea de ordenar la sala, quiso exponer sesenta y ocho obras, entre pinturas, dibujos y estudios. Como se ha dicho, la exposición ha conseguido reunir de nuevo algunas de las obras que protagonizaron aquella sala en 1901, las más representativas de su producción de gran calidad: Mañana y quietud de la GAM de Turín, Campo con rebaño de los Uffizi; Tormenta inminente de la colección Giorgio Zamboni de Reggio Emilia; Soledad, Entrada a un templo en Japón y Marina en tormenta de los Museos Cívicos de Reggio Emilia. Y de nuevo, L’abbeveratoio de la Pinacoteca de Bolonia, Alla fontana de la Galleria Nazionale d’Arte Moderna de Roma y Altacomba de Aosta. Se trata en todos los casos de obras de tema paisajístico, en su mayoría ambientadas en plena naturaleza boscosa o rural; obras que reflejan la expresión acuñada por el propio Fontanesi:"la poesía de la verdad", para indicar la combinación de una sensibilidad romántica capaz de dar a sus lienzos un trazo lírico y una luz sin igual y una fidelidad a la verdad documentada por estudios al aire libre.

En L’Abbeveratoio, en Campagna con gregge y en Bufera inminente, son vacas las que, a la sombra del follaje, pasean, se refrescan en un pequeño charco de agua o comen hierba en los prados: situaciones de calma y tranquilidad que acogen al espectador transmitiendo profundamente esas sensaciones; Bufera inminente, sin embargo, infunde una sensación de suspensión y concentración dramática a través de las dos vacas del primer plano, en una calma que precede a la tormenta. Una situación tormentosa se repite en Marina in burrasca: aquí los tonos se vuelven más oscuros y terrosos, las velas se doblan con el viento, el mar ondula, las nubes oscuras avanzan impetuosas y, gracias a los evocadores efectos del contraluz, todo se carga de una fuerte expresividad. Los otros cuadros citados, como Il mattino (La mañana), La quiete (La quietud), Altacomba, Alla fontana (En la fuente), presentan de nuevo una naturaleza que transmite serenidad, como serenas son las personas representadas en ellos: paisajes soleados o sombreados por la vegetación con frecuente presencia delelemento agua, con el que interactúan los sujetos, reproponiendo también el tema de la doncella en la fuente. Es el caso de Soledad: aquí se representa a una muchacha sentada en el centro de la escena absorta en sus pensamientos; es un cuadro que transmite cierta melancolía al observador, pero sin duda representativo del sentido poético que el artista da a sus cuadros. Cuadros que evocan estados de ánimo, como era la intención del propio artista.

Además, son obras que atestiguan un planteamiento innovador con respecto a la época: La mañana está influida por la investigación de los paisajistas franceses, y en particular remite al cuadro del museo de Orsay de Constant Troyon (Sèvres, 1810 - París, 1865), Boeufs allant au labour: effet de matin, sobre todo por el intenso efecto de contraluz, la pureza formal y el equilibrio compositivo. La quietud tiene elementos en común con el arte de Corot, tanto en su refinado lirismo como en la repetición del motivo de la figura de pie que intenta doblar las ramas del árbol, como elemento que une el cielo y la tierra. El bebedero, en cambio, se vio influido por el estudio de los paisajistas ingleses, en particular por los efectos de luz de los románticos, como William Turner (Londres, 1775 - Chelsea, 1851) y Constable, mientras que Bufera imminente recibió influencias de la pintura holandesa del siglo XVII y del paisajismo francés e inglés.

Antonio Fontanesi, Il mattino (1855-1858; óleo sobre papel aplicado a cartón, 20,1 x 31,1 cm; Turín, GAM - Galleria Civica d’Arte Moderna e Contemporanea)

Antonio Fontanesi, La quietud (c. 1860; óleo sobre lienzo, 81,5 x 119 cm; Turín, GAM - Galleria Civica d’Arte Moderna e Contemporanea)

Antonio Fontanesi, El abrevadero (c. 1867; óleo sobre lienzo, 112 x 134 cm; Bolonia, Pinacoteca Nazionale)

Antonio Fontanesi, Campo con rebaño (1867-1868; óleo sobre lienzo, 151 x 192 cm; Florencia, Galería de los Uffizi, Galería Palatina del Palacio Pitti)

Antonio Fontanesi, En la fuente (1867-1869; óleo sobre lienzo, 103 x 78 cm; Roma, Galleria Nazionale d’Arte Moderna e Contemporanea)

Antonio Fontanesi, Tormenta inminente (1874; óleo sobre lienzo, 102 x 141 cm; Reggio Emilia, Colección Giorgio Zamboni)

Antonio Fontanesi, Soledad (1875; óleo sobre lienzo, 115 x 150 cm; Reggio Emilia, Musei Civici)

Antonio Fontanesi, Entrada a un templo en Japón (1878-1880; preparación en claroscuro sobre lienzo, 114 x 145 cm; Reggio Emilia, Musei Civici)

Antonio Fontanesi, Marina en tormenta (1878-1880; óleo sobre lienzo, 80 x 110 cm; Reggio Emilia, Musei Civici)

La idea de celebrar una retrospectiva dedicada a Fontanesi casi veinte años después de su muerte fue bien acogida por Antonio Fradeletto, Secretario General de la Exposición de Venecia desde su primera edición, gracias a una especie de coincidencia: los franceses querían presentar en su sala cuadros de la colección privada de Alexander Young, que incluía muchas obras maestras de laÉcole de Barbizon, escuela desarrollada en Francia que se presentaba como una corriente paisajista del realismo. Exponentes de esta última fueron Corot, Troyon y Daubigny (París, 1817 - 1878), con quienes Fontanesi había mantenido relaciones directas de estima y amistad: el proyecto fue por tanto óptimo y obtuvo grandes elogios, haciendo que uno de los paisajistas italianos más significativos del siglo XIX fuera redescubierto por el público. Gracias a la retrospectiva veneciana y a la publicación de la biografía del maestro de Reggio Emilia, Fontanesi recibió esa revalorización tan esperada, atestiguada por una declaración del poeta y escritor Giovanni Cena: “Han pasado veinte años desde su muerte. Ahora amanece el alba de Fontanesi”.

Las secciones siguientes ofrecen una panorámica de la fortuna crítica de Fontanesi tras su muerte: entre 1892 y 1915, los Divisionistas lo consideraron uno de sus precursores, en 1924 Carlo Carrà (Quargnento, 1881 - Milán, 1966) propuso una reinterpretación del artista en la monografía que le dedicó, sin olvidar la estima que el Grupo Novecento sentía por el pintor, y finalmente entre 1952 y 1954 Fontanesi fue objeto de estudio y lecturas críticas por parte de Roberto Longhi y Francesco Arcangeli. Por lo tanto, el visitante vive la actual exposición de Reggio Emilia en un crescendo de elogios y juicios positivos hacia el artista, aunque él mismo no pudiera haberlos conocido, ya que eran póstumos. A este respecto, es inevitable reflexionar sobre las tristes consecuencias de una crítica, que en este caso causó al pintor una gran angustia en los últimos años de su vida. Un artista que trasladó su alma sensible al lienzo y que, tras su muerte y a pesar de la consideración de la que gozó durante los periodos más felices de su carrera, fue totalmente olvidado durante años, pero sólo consiguió redimirse tras su muerte (por lo que nunca fue conocido) gracias a un grupo de fieles amigos y admiradores.

Un primer paso hacia el interés por su arte se produjo en 1892, con motivo de laExposición Retrospectiva del Promotrice de Turín, en la que se expusieron sesenta y ocho de sus obras, entre dibujos y pinturas. El responsable directo de la organización de la retrospectiva fue Leonardo Bistolfi (Casale Monferrato, 1859 - La Loggia, 1933), autor del busto de bronce de Fontanesi, expuesto en la primera sala de la presente exposición, realizado en 1883 y conservado en la Pinacoteca dell’Accademia Albertina di Belle Arti. En cuanto a la Retrospectiva de 1892, existen testimonios de las visitas de Vittore GrubicydeDragon (Milán, 1851 - Milán, 1920), Giuseppe Pellizza da Volpedo (Volpedo, 1868 - 1907) y Angelo Morbelli (Alessandria, 1853 - Milán, 1919), que fueron literalmente interpelados por el propio Bistolfi: "¡Os deseo a todos que vengáis a ver a Fontanesi! Estos últimos, entusiasmados por la retrospectiva turinesa, reconocieron en el maestro a un precursor de su propia manera de pintar, es decir, el Divisionismo; también vieron en su arte una nueva concepción del paisaje, según la cual en sus cuadros se representaba un estado de ánimo. En particular, Pellizza da Volpedo se reconoció en el arte del maestro y escribió en una carta a Morbelli: "algunos pequeños paisajes son los que más satisfacen mis aspiraciones pictóricas. Más tarde, seré más un pintor de paisajes. Fontanesi me ayuda a encontrarme a mí mismo; que no soy más que un amante solitario de la naturaleza virgen difuminada en luz’. La comparación propuesta entre el cuadro de Fontanesi titulado Novembre, fechado en 1864, y I due pastori nel prato di Mongini (Los dos pastores en el prado) (Novembre ) de Pellizza da Volpedo, pintado en 1901, es significativamente evidente. No es casualidad que Pellizza da Volpedo señalara el motivo de Novembre en el catálogo de su retrospectiva de Turín. Común en ambos es el tema de los niños inmersos en el silencio de la naturaleza, igualmente presente en Soledad. El protagonista de estos lienzos, sin embargo, es la emanación de luz sobre todo el cuadro, que hace resaltar las pinceladas de color. Grubicy veía en Fontanesi la ejemplificación de sus reflexiones sobre el proceso creativo: la sugestión sentida ante un paisaje implicaba, según él, tanto la fase creativa del artista como el momento de la recepción por parte del público, que, al observar la obra, evocaría las impresiones sentidas por el pintor. Merece una mención el cuadro de Angelo Morbelli titulado Amanecer del domingo: también aquí los sujetos, como en Fontanesi, están inmersos en la naturaleza, transmitiendo una especie de misticismo; presumiblemente las figuras caminan en silencio hacia el pueblo para asistir a la misa dominical. Esta sección reúne obras maestras que infunden una sensación de paz; son obras maestras del silencio.

Antonio Fontanesi, Noviembre (1864; óleo sobre lienzo, 103 x 153 cm; Turín, GAM - Galleria Civica d’Arte Moderna e Contemporanea)

Vittore Grubicy de Dragon, Invierno (1898; óleo sobre lienzo, 47,1 x 39,5 cm; Venecia, Galleria Internazionale d’Arte Moderna Ca’ Pesaro)

Giuseppe Pellizza da Volpedo, I due pastori nel prato di Mongini (Noviembre) (1901; óleo sobre lienzo, 45,3 x 62,2 cm; Turín, GAM - Galleria Civica d’Arte Moderna e Contemporanea)

Angelo Morbelli, Amanecer de domingo (1915; óleo sobre lienzo, 78 x 132 cm; Piacenza, Galleria d’Arte Moderna Ricci Oddi)

La siguiente sección lleva el evocador título de Número, Orden, Medida: términos representativos de los años veinte, colocados por Gino Severini (Cortona, 1883 - París, 1966) en el exergo del volumen Du cubisme au classicisme, utilizados más tarde por Felice Casorati (Novara, 1883 - Turín, 1963) para definir su arte y que Carlo Carrà consideró adecuados para su monografía ilustrada dedicada a Fontanesi, publicada en 1924. Se abrió así una nueva temporada de redescubrimiento del artista de Reggio Emilia que se extendió desde los años veinte hasta los treinta. Inspiraron estas reflexiones cuadros como Il mulino (El molino), pintado por Fontanesi entre 1858 y 1859, influido por la lección de Daubigny: sería sobre todo Carrà quien retomaría el esquema compositivo de este cuadro, claramente evidente en Capanni sul mare (1927) y en Pagliai (1929), donde en ambos vemos edificios solitarios inmersos en un paisaje, en el primer caso en la playa de Forte dei Marmi y en el segundo en una campiña. En Paisaje toscano de Casorati, las casitas iluminadas por la luz del sol se dispersan entre las laderas cultivadas, reinterpretando el vedutismo del siglo XIX en clave contemporánea. Arturo Tosi (Busto Arsizio, 1871 - Milán, 1956) figura aquí como coleccionista de obras de Fontanesi: entre las obras de su colección se encuentra una de las versiones de Solitudine, prestada en 1926 a la Mostra dei macchiaioli toscani e dei paesisti piemontesi (Exposición de los macchiaioli toscanos y de los paisajistas piamonteses).

Margherita Sarfatti también escribió sobre Fontanesi en Popolo d’Italia en 1922, describiéndolo como “uno de esos hombres providenciales que la naturaleza crea de vez en cuando y la sociedad perfecciona para que sirvan de puente, de vínculo con la generación siguiente”. Su legado, fruto de una vida errante, alimentada por pasiones, encuentros y muchas ciudades (Ginebra, París, Londres, Turín, Tokio), es una herencia prolífica, el resultado de un viaje fecundo: el artista emiliano como la abeja llevó el polen".

Antonio Fontanesi, El molino (1858-1859; óleo sobre lienzo, 46,3 x 57,4 cm; Turín, GAM - Galleria Civica d’Arte Moderna e Contemporanea)

Carlo Carrà, Cabañas junto al mar (1927; óleo sobre lienzo aplicado a cartón, 44 x 63 cm; Turín, GAM - Galleria Civica d’Arte Moderna e Contemporanea)

Carlo Carrà, Pagliai (1929; óleo sobre lienzo, 69 x 90 cm; Piacenza, Galleria d’Arte Moderna Ricci Oddi)

Felice Casorati, Paisaje toscano (c. 1929; óleo sobre madera, 45 x 65,5 cm; Turín, GAM - Galleria Civica d’Arte Moderna e Contemporanea, Fondazione Guido ed Ettore De Fornaris)

La exposición concluye con una lectura crítica de Fontanesi realizada entre 1952 y 1954 por Roberto Longhi y Francesco Arcangeli. Este último escribió en el catálogo de la exposición Pittori Emiliani dell’Ottocento en el Palazzo dell’Archiginnasio de Bolonia que “sería engañoso querer incluir la pintura de Fontanesi dentro de los límites regionales, o incluso nacionales, porque pertenece por derecho propio al gran romanticismo europeo”. Arcangeli veía, pues, en el arte del maestro de Reggio Emilia las influencias de los románticos ingleses, como Constable y Turner. Como afirmaba en su texto Lo spazio romantico (El espacio romántico), lainterpretación romántica de Fontanesi procedía de la toma de conciencia deotra idea de la naturaleza que venía desarrollándose desde la primera mitad de los años cincuenta. “La naturaleza ya no es sólo el objeto de la visión, de una percepción empírica que hay que plasmar en un lienzo. Es un nuevo pensamiento que parte de un estado de ánimo y al mismo tiempo lo amplifica”; el significado de la palabra naturaleza incluye “todos los elementos irracionales del corazón”. En sus ensayos posteriores, Arcangeli llegó a considerar el arte tanto de Constable como de Turner como una apertura hacia la modernidad, gracias a la aportación del arteinformal. Y en los llamados Últimos Naturalistas vislumbró, desde una perspectiva romántica, unamanifestación extrema de las raíces de la modernidad. Es el caso, por tanto, de Ennio Morlotti (Lecco, 1910 - Milán, 1992), Pompilio Mandelli (Luzzara, 1912 - Bolonia, 2006), Mattia Moreni (Pavía, 1920 - Brisighella, 1999), Sergio Romiti (Bolonia, 1928 - 2000) y también paraAlberto Burri (Città di Castello, 1915 - Niza, 1995), que aunque no perteneció a los últimos naturalistas, debe al crítico una interpretación existencial que se acerca al naturalismo romántico. Por otra parte, Roberto Longhi también situó el arte de Fontanesi junto al de los románticos ingleses en el catálogo de la XXVI Bienal de Venecia de 1952.

No es casualidad que el cuadro de Fontanesi titulado Tramonto sul Po a San Mauro (Puesta de sol sobre el Po en San Mauro), 1878-1881, haya sido elegido para esta última sección. Aquí, la atención a los efectos luminísticos y la intención de representar un espacio que tiende al infinito con un fuerte impacto emocional son claramente evidentes, pero sobre todo la tendencia a hacer predominar la función expresiva de la materia y del color, inspirándose en la lección de Turneri. Pintura matérica predominante en los años 50, ejemplificada en la exposición por obras como Paisaje sobre el río (Adda) o Estudio de desnudos (Bañistas) de Ennio Morlotti, Paisaje otoñal de Pompilio Mandelli, Composición de Sergio Romiti, Sol y zarza de Mattia Moreni, donde las capas de color parecen derramarse del lienzo tan espesas, densas y literalmente mezcladas, hasta el uso de diferentes materiales, como en este caso el yute desgarrado, en Abstracción con arpillera marrón (Sacco) de Alberto Burri.

La exposición se completa con dos paréntesis dedicados al ciclo de pinturas que Fontanesi realizó entre 1845 y 1847 para el Caffè degli Svizzeri de Reggio Emilia y a la obra A Parella , que pasó a formar parte de la colección de Giuseppe Ricci Oddi, en cuya Galería de Piacenza se conserva un importante núcleo de obras del artista. Se le encargaron cinco cuadros para el Caffè degli Svizzeri, destinados a las paredes del local: se trata de obras muy escenográficas, con vistas naturalistas, a las que se añade el elemento sublime romántico, claramente reconocible sobre todo en Eremo dopo il temporale (Ermita después de la tormenta) y en La cascata(La cascada). Sólo recientemente se ha puesto en tela de juicio el lienzo que representa la Vista del lago Constanza con la isla de Reichenau, hasta no hace mucho conocido como Terraza y jardín en el lago: En efecto, se ha confirmado que el lienzo procede de Suiza y es una vista del natural, ya que representa el lago de Constanza con la isla de Reichenau vista desde el castillo de Wolfsberg en Ermatingen; la identificación se hizo gracias a dos grabados ingleses del siglo XIX que reproducen el mismo tema y en los que está escrita la localidad.

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Ennio Morlotti, Paisaje sobre el río Adda (1955; óleo sobre lienzo, 55 x 80 cm; Parma, Colección Barilla de Arte Moderno)

Pompilio Mandelli, Paisaje (1952; óleo sobre lienzo, 75 x 80 cm; Colección particular)

Sergio Romiti, Composición (1954; óleo sobre lienzo, 55 x 75 cm; Bolonia, Colección de Arte UniCredit, Pinacoteca Palazzo Magnani)

Mattia Moreni, Sol y zarza (1956; óleo sobre lienzo, 170 x 100 cm; Colección particular)

Alberto Burri, Abstracción con arpillera marrón (Sacco) (1953; óleo, pintura, aplicaciones de seda sobre yute, 85,7 x 100 cm; Turín, GAM - Galleria Civica d’Arte Moderna e Contemporanea)

Antonio Fontanesi, Vista del lago de Constanza con la isla de Reichenau (c. 1850; óleo sobre lienzo, 179 x 192 cm; Reggio Emilia, Colección Fondazione Manodori)

Antonio Fontanesi, La cascada (c. 1850; óleo sobre lienzo, 179 x 192 cm; Reggio Emilia, Colección de la Fundación Manodori)

Antonio Fontanesi, Puente sobre el arroyo (c. 1850; óleo sobre lienzo, 179 x 192 cm; Reggio Emilia, Colección de la Fundación Manodori)

Antonio Fontanesi, Ermita después de la tormenta (c. 1850; óleo sobre lienzo, 179 x 192 cm; Reggio Emilia, Colección de la Fundación Manodori)

En cuanto a Ricci Oddi, el coleccionista, amante de la pintura paisajista del siglo XIX, conoció el arte de Fontanesi quizás gracias a la exposición de 1902 en Turín o a la presencia de obras del maestro en el Museo Civico de Turín en 1911. Sin embargo, en el palacio familiar se dedicó una sala entera con pinturas, dibujos y grabados al artista de Reggio Emilia, y en 1925 poseía más de ochenta de ellos.

Para delimitar claramente la vida y el arte del pintor, la exposición ofrece también una cronología y mapas geográficos, que incluyen sus numerosos traslados de una ciudad a otra, y un recorrido cronológico de su revalorización crítica a través de las exposiciones más significativas.

Antonio Fontanesi y su legado se propone como una exposición pequeña, pero bien pensada y articulada, detrás de la cual se ha llevado a cabo un cuidadoso y preciso trabajo de investigación compartido entre los Museos Cívicos de Reggio Emilia y la GAM - Galería Cívica de Arte Moderno de Turín. La subdivisión de las secciones definidas con títulos apropiados hace que la exposición sea accesible y comprensible para todos los visitantes, incluso los más jóvenes, para los que se ha diseñado un recorrido didáctico especial.

El catálogo que acompaña la exposición incluye ensayos en profundidad sobre todas las secciones de la exposición, las obras expuestas acompañadas de sus fichas relativas (sólo para las pinturas de Fontanesi) y una propuesta de antología crítica. Se trata de otros instrumentos útiles para ofrecer una visión completa de los objetivos de la exposición, ya bien presentados y compartidos durante la visita.

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