Francisco Goya, la vie et l'œuvre du grand peintre espagnol du 18e au 18e siècle

Francisco José de Goya y Lucientes (Fuendetodos, 1746 - Bordeaux, 1828) est l’un des plus importants peintres et graveurs espagnols. De même que sa vie a chevauché deux siècles, sa production artistique s’est développée à un moment de l’histoire de l’art où l’on assiste à une transition progressive entre deux époques différentes, vers un art qui présente les points de vue personnels des artistes et des thèmes introspectifs. Goya lui-même est considéré comme l’un des premiers peintres de l’époque “contemporaine”, car ses œuvres ne se rattachent pas strictement à un genre parmi ceux que l’on trouve à la fin du XVIIIe siècle et au début du XIXe siècle, mais peuvent plutôt être regroupées en fonction de thèmes récurrents. En effet, sa première production picturale s’articule autour du portrait, tandis que dans sa maturité, il se concentre sur des thèmes très proches du romantisme, introduisant des scènes, des situations et des allégories aux tonalités oniriques et irrationnelles. Certaines gravures, comme Le sommeil de la nature engendre des monstres, sont devenues des icônes qui ont traversé les années en conservant leur impact émotionnel et leur capacité à provoquer des réflexions existentielles chez le spectateur.

On remarque dans sa production des tournants stylistiques qui ne suivent pas un parcours linéaire, mais qui apparaissent presque à l’improviste. Ils sont étroitement liés aux expériences directes de l’artiste, qui a été témoin de nombreux changements historiques cruciaux en Espagne et qui a dû faire face, à l’âge adulte, à l’apparition d’une maladie invalidante qui lui a fait perdre définitivement l’ouïe.

Vie et œuvre de Goya

Francisco José de Goya y Lucientes est né le 30 mars 1746 à Fuendetodos, une petite ville près de Saragosse. Son père, José Benito de Goya Franque, était maître doreur, ce qui l’amena probablement à remarquer très tôt le talent de dessinateur de Francisco et à le faire entrer dans l’atelier de José Luzán y Martínez à l’âge de 14 ans. C’est là que Goya entre en contact avec de nombreux chefs-d’œuvre de la Renaissance et du Baroque italiens (le maître lui-même imite Luca Giordano et Pietro da Cortona), étudie et copie les œuvres et améliore de plus en plus rapidement sa technique. Dans l’atelier de Martínez, Goya fait la connaissance de nombreux autres élèves, dont Francisco Bauyeu. C’est avec lui que Goya, âgé de dix-sept ans, s’installe en 1763 à Madrid, ville férue d’art grâce aux activités de mécénat du roi Charles III. Goya souhaitait ardemment devenir le peintre du roi, et Madrid était l’endroit idéal pour atteindre son objectif : quelques années auparavant, en 1752, la Real Academia de San Fernando, commandée par Ferdinand VI sur le modèle de l’Academia française, y avait été inaugurée. L’académie a contribué à la formation de jeunes gens qui ont diffusé un goût espagnol renouvelé, imprégné des influences de l’art italien. Ce n’est pas un hasard si deux grands maîtres gravitèrent à Madrid, appelés d’Italie par Charles III pour la construction du Palacio Real: le néoclassique Anton Raphael Mengs et le maître du rococo Giovanni Battista Tiepolo, très différents l’un de l’autre mais explicitement voulus ensemble par le souverain comme deux des artistes les plus célèbres de l’époque. Goya est fasciné par la diversité de ces deux styles, préférant celui de Tiepolo.

C’est donc dans ce contexte que Goya a passé trois ans de sa jeunesse. Les chroniques nous présentent un garçon au tempérament entreprenant et impétueux, qui ne recule devant rien, qu’il s’agisse d’une nouvelle expérience ou d’un refus. Comme celui qu’il reçut lorsqu’il tenta à deux reprises d’entrer à l’Académie, en étant notamment battu lors de la deuxième tentative par le frère de son ami Bauyeu. La vie de Goya fut assez étroitement liée à celle des frères Bauyeu, car tous deux atteignirent les mêmes objectifs que Goya - entrer à l’académie et devenir peintre de la cour - et devinrent beaux-frères. Goya épousa Josefa “Pepa” Bayeu, une union qui n’eut cependant que peu d’importance pour l’artiste, qui s’entourait souvent d’amants.

Goya commence à envisager de quitter Madrid à la mort de Tiepolo en 1770, ce qui met fin à la “rivalité” entre lui et Mengs qui avait tant captivé le jeune artiste. C’est ce qui semble avoir motivé Goya à entreprendre un voyage à Rome, à ses frais. Grâce à la découverte d’un écrit autographe intitulé Cuaderno Italiano, il est désormais possible de retracer de nombreuses informations sur ce voyage, comme les dates précises de son séjour, de mars-avril 1770 à juin 1771. En outre, nous sommes accompagnés dans son immersion prolifique dans le milieu artistique romain, entre les rencontres avec Giovani Battista Piranesi, dont le style est resté fermement ancré dans l’imaginaire de Goya et repérable dans les gravures à venir, les contacts avec les œuvres de Füssli, en plein romantisme imminent, et l’étude en direct des chefs-d’œuvre des siècles précédents. Parmi ceux-ci, Goya est fasciné par les Stanze de Raphaël, la voûte du Palais Farnèse d’Annibale Carracci et le retable de l’église de la Sainte-Trinité des Espagnols de Corrado Giaquinto, un peintre que Goya avait déjà rencontré en personne en Espagne. Le voyage italien de Goya fut également décisif lors de son retour dans son pays natal, car cette seule expérience lui ouvrit de nombreuses portes : il reçut la commande des fresques de la basilique Notre-Dame du Pilar à Saragosse, ainsi que d’autres commandes prestigieuses qui contribuèrent à consolider sa renommée.

C’est également grâce à Francisco Bauyeu qu’en 1774, Goya reçoit une commande très importante de Mengs, surintendant des beaux-arts de l’époque, à savoir la réalisation d’une série de cartons pour les tapisseries de la Real Fabrica de Santa Barbara. L’intention de Mengs était de faire appel à de jeunes peintres espagnols capables de rendre le goût local, car les tapisseries avaient toujours été réalisées dans le style flamand jusqu’alors, ce qui n’était plus le cas depuis que la Flandre n’était plus une domination espagnole à la suite de la paix d’Utrecht en 1713. Les cartons de Goya, dans lesquels les personnages représentent des sujets populaires (les majos et majas espagnols, voir L’ombrelle, 1777), des fêtes et des divertissements, étaient considérés comme d’un excellent niveau, voire d’une complexité picturale telle qu’ils ont suscité des critiques de la part des tisserands en raison de la difficulté objective à reproduire les détails. Les caricatures ont encore accru la renommée de Goya, au point qu’il a finalement été appelé à l’Académie en 1780 pour ses mérites reconnus.

Après son entrée à l’Académie, Goya commença à se consacrer au portrait, produisant des œuvres d’une grande interprétation psychologique. C’est grâce à cette capacité qu’il est impliqué dans une mission délicate, celle de faire le portrait du frère du roi, Don Luis, qui a été renvoyé de la cour parce qu’il voulait à tout prix prendre pour épouse une jeune fille qui n’était pas noble. La femme, beaucoup plus jeune que son mari, souffrait d’un isolement forcé. Goya s’est donc retrouvé dans un climat familial agité. Plusieurs artistes avaient tenté et abandonné la commande avant lui, mais Goya, avec sa sensibilité unique, a réussi à terminer les portraits et à rendre sur la toile la complexité des sentiments des protagonistes. Voir La famille de l’infant Don Luis de Bourbon (1783). Grâce à cette commande, Goya commença à se faire un certain nom parmi la noblesse et reçut de nombreuses demandes en tant que portraitiste, voir par exemple Les ducs d’Osuna avec leurs enfants (1788) et, entre-temps, il devint finalement Pintor del Rey en 1786. On dit que Goya a voulu faire étalage de ses réalisations en s’achetant un carrosse, ce qui témoigne d’un caractère plutôt effronté.

Goya resta à la cour même après la mort de Charles III et la proclamation de Charles IV, qui lui demanda d’interrompre les travaux qu’il menait et de se consacrer à de nouvelles tapisseries pour son atelier, avec des thèmes champêtres et joyeux. Dans des lettres envoyées à son ami fraternel Zapater, Goya exprime sa déception face à cet épisode, et ce n’est pas un hasard si les cartons qu’il réalisera par la suite dissimulent une critique de certaines dynamiques observées à la cour, comme les hypocrisies, les unions de complaisance et le climat d’incertitude généralisé qui suit la Révolution française. L’époque de la gaieté et de l’apparat aristocratiques est désormais trop éloignée de la réalité. De plus, Goya ne voit pas dans la figure de Charles IV un souverain sur lequel il peut compter et commence à craindre pour son travail. Après avoir terminé les dessins commandés par le roi en 1792, il décide de quitter la cour et de se rendre en Andalousie. Cependant, à son arrivée à Séville, il tombe malade d’une maladie encore inconnue aujourd’hui (on parle alternativement de syphilis ou de saturnisme dû au plomb contenu dans les couleurs) qui l’oblige à rester paralysé dans son lit. Goya surmonte la maladie, mais reste sourd.

À la suite de cet événement, Goya modifie le style et les thèmes de sa peinture et introduit pour la première fois les thèmes qui feront sa renommée jusqu’à aujourd’hui, les plus oniriques, allégoriques et mystérieux. Les Capricci, une série de gravures publiées en 1799, qui furent retirées par l’Inquisition deux jours seulement après leur publication, sont la plus grande expression de ce changement. Entre-temps, en 1795, Goya était devenu directeur de la peinture à l’Academia, son beau-frère Bayeu était décédé et il avait fait la connaissance de la duchesse Maria Teresa Cayetana de Silva, dont il a peint un célèbre portrait. Entre-temps, le protecteur de Goya, Melchor de Jovellanos, qui nomme Goya Primero Pintor de Cámera, puis Manuel Godoy, amant de l’épouse de Charles IV, prennent la relève en tant que ministre. Parmi les tableaux appartenant à Godoy, deux toiles jumelles sont entrées dans l’histoire : la Maja vestida (1800-1808) et la Maja desnuda (1790-1800).

Entre-temps, le premier ministre avait été arrêté et démis de ses fonctions en 1808, à la suite de l’entrée des armées françaises en Espagne et de l’abdication de Charles IV en faveur de son fils Ferdinand VII, remplacé plus tard par Napoléon avec son frère Joseph Bonaparte. L’aristocratie espagnole n’accepte pas l’arrivée de Bonaparte et encourage la révolte du peuple espagnol. À la suite des affrontements, la Constitution est proclamée en 1812 et Bonaparte est chassé l’année suivante. Ferdinand VII revient sur le trône d’Espagne, mais il se montre intransigeant et annule la Constitution. Les bouleversements historiques décrits sont fortement présents chez Goya à travers les gravures du cycle des Désastres de la guerre (vers 1810-1820).) et plusieurs peintures réalisées entre 1812 et 1814 pour l’Académie, dans lesquelles les visions oniriques sont abandonnées au profit de scènes du soulèvement espagnol racontées d’un point de vue documentaire, dont deux toiles que Goya demanda en 1814 au Conseil des régences, organe gouvernemental actif entre l’éviction de Bonaparte et le retour de Ferdinand VII, de financer, sur lesquelles il représenterait le courage du peuple espagnol lors de la rébellion.

Ayant définitivement quitté la cour, Goya s’installe en 1819 dans une maison de la banlieue de Madrid, connue de tous sous le nom de “la Quinta del sordo” (la Quinta était le nom utilisé pour identifier les maisons de campagne) avec Leocadia Zorrilla, une très jeune fille qu’il avait rencontrée des années auparavant au mariage de son fils et qu’il retrouvait après plusieurs années d’éloignement. Ces années sont tourmentées par des querelles avec Leocadia et de nouveaux problèmes de santé. Cette situation entraîne un nouveau changement dans l’œuvre de Goya, visible dans les " peintures noires", des peintures à l’huile réalisées sur les murs de la Cinquième, dans lesquelles on retrouve des scènes sombres et énigmatiques dans lesquelles l’artiste réfléchit sur le mal en tant qu’entité omniprésente dans le monde. La plus connue est Saturne dévorant l’un de ses enfants (1821-1823). En 1823, cependant, Goya abandonne la Quinta pour échapper à la répression et la donne à son neveu. Vers la fin du XIXe siècle, la maison passe ensuite au baron d’Erlanger qui fait transférer les peintures sur toile et en fait don au musée du Prado. Elle fut finalement démolie en 1910. En 1824, profitant de l’amnistie générale décrétée par Ferdinand VII, Goya demande et obtient une licence pour aller se faire soigner à Plomières. En réalité, il se rend à Bordeaux pour rejoindre d’autres amis opposants au régime. Il y vécut quelques années dans la tranquillité, comme en témoignent ses dernières œuvres, beaucoup plus sereines que les Peintures noires. Il meurt à Bordeaux en 1828 des suites d’une nouvelle maladie, à l’âge de 82 ans. Ses restes sont aujourd’hui conservés dans l’ermitage de San Antonio de Florida, sous des fresques qu’il a peintes.

Le style de Francisco Goya

La particularité de Goya en tant que peintre réside dans l’impossibilité de le classer dans un courant ou un style spécifique, étant donné son exploration tout à fait personnelle de thèmes qui varient en fonction des événements particuliers de sa vie. Il s’est également essayé à diverses techniques : cartons préparatoires pour tapisseries, fresques, peintures sur toile, gravures et même œuvres réalisées à l’huile sur les murs de sa maison de campagne. Sa sensibilité peut en tout cas être considérée comme celle d’un artiste qui anticipe le romantisme à bien des égards, se positionnant comme une figure de transition vers cette époque de par ses expériences artistiques et la proximité des thèmes qu’il aborde.

Nous pouvons constater que la première partie de son activité de peintre est caractérisée par une prédominance de tons clairs et lumineux et de thèmes légers et frivoles. Ce sont les années de sa formation et de sa fréquentation des milieux aristocratiques et de leurs “caprices”. Cependant, Goya se distingue clairement des peintres plus académiques en faisant preuve d’une aisance très personnelle dans l’utilisation des couleurs et des coups de pinceau qui confèrent aux tableaux des vibrations très vitales et expressives. Dans le domaine du portrait, il se distingue également par sa capacité à aller au-delà de la reproduction fidèle du sujet et à rendre sa caractérisation psychologique. Par ailleurs, la première partie de la carrière de l’artiste, illustrée par un tableau de jeunesse comme L’ombrelle, exécuté alors que l’artiste n’a que vingt-neuf ans et exemple frappant des sujets frivoles qui abondent dans sa production de l’époque, est caractérisée par les modèles de Tiepolo, auxquels l’œuvre du Prado se réfère ouvertement : aérée et lumineuse, elle laisse aussi une grande liberté dans la rédaction picturale, si spontanée qu’elle s’apparente presque à une esquisse. Durant cette phase de sa carrière, l’artiste se consacre surtout à l’observation de la société espagnole et de ses coutumes.

La maladie contractée en 1792 marque le premier changement radical dans sa production picturale. Les thèmes deviennent sombres et introspectifs, explorant des questions existentielles. Les premières expériences se retrouvent dans une série de petits tableaux représentant des scènes dramatiques et tragiques, telles que des naufrages, des incendies, des intérieurs d’asile. Le point culminant est atteint avec les Capriccios de 1799, une série de quatre-vingts gravures dans lesquelles Goya présente des vices, des superstitions, des abus, de la sorcellerie et d’obscurs rituels magiques, expliqués en détail dans les légendes qui accompagnent les images(lire également l’étude approfondie sur le Cuaderno C). Initialement, la couverture de Capricci devait comporter le célèbre “Le sommeil de la raison engendre des monstres”, qui symbolise précisément la fin des Lumières post-Révolution française et imagine une nouvelle réalité dans laquelle les frontières morales n’existent plus et où le chaos prolifère sans être dérangé.

L’un des tableaux de “transition” entre la période de jeunesse et la période de maturité est la célèbre Maja desnuda, une œuvre qui pousse à l’extrême l’intérêt de Francisco Goya pour ses contemporains. Les circonstances de la commande sont inconnues, mais on dit que le sujet représenté était soit la duchesse Cayetana, soit, ce qui est beaucoup plus plausible, la maîtresse de Manuel Godoy. Godoy a probablement demandé les deux tableaux pour son cabinet privé, car ils ont été réalisés de manière à ce qu’en soulevant le tableau avec la “vestida”, la “desnuda” apparaisse en dessous, et parce que les traits des deux femmes sont différents, ce qui permet de garder l’identité de sa maîtresse quelque peu secrète. La "Maja desnuda " représente le premier exemple dans l’art européen où une femme sans voile n’est pas représentative d’un personnage mythologique mais est un véritable objet de plaisir. L’audace de ces peintures a valu à Goya de comparaître devant le tribunal de l’Inquisition en 1811, lorsqu’elles ont été retrouvées parmi les biens de Godoy à sa mort. Il s’agit en fait d’une peinture déconcertante en raison de l’érotisme affiché d’une femme qui, comme on l’a dit, n’a même pas été sauvée d’une justification mythologique.

Une quinzaine d’années et de nombreuses vicissitudes historiques plus tard, le récit pictural de Goya s’oriente vers des épisodes de guerre que l’artiste reproduit dans une optique documentaire, comme quelqu’un qui a vécu de près ce qu’il raconte et qui nous amène au cœur des choses. Parmi ces œuvres, le 3 mai 1808 : Fusillade sur la montagne du prince Pie est un chef-d’œuvre brut et percutant. Il s’agit d’une scène à fort impact représentant l’exécution de quelques patriotes, sur un fond lugubre qui rappelle le côté sombre de Goya, celui qui est fasciné par les thèmes de l’occulte et de la sorcellerie (il existe en effet de nombreuses œuvres de Goya consacrées au thème de la sorcellerie, y compris des sabbats, des monstres et des apparitions de fantômes qui deviennent souvent des allégories de l’Espagne de l’époque). Un tableau empreint de tragédie, un drame également accentué par le geste du personnage vêtu d’une chemise blanche qui écarte les bras comme pour demander une grâce qui ne lui sera pas accordée. Le fait d’avoir vécu de près certains des pires épisodes de l’humanité au cours de sa vie est certainement à la base des Peintures noires de la Cinquième sourde, créées lorsque l’artiste était dans ses dernières années. On y trouve une nouvelle représentation du mal, protagoniste absolu de représentations où l’homme est pratiquement absent. Cette abondance d’œuvres dramatiques à ce stade de sa carrière a été interprétée comme une réaction à la défaite des Lumières et à la prévalence de ces “monstres” engendrés par le sommeil de la raison que Goya avait dénoncés dans son art.

Sa dernière œuvre connue est la Laitière de Bordeaux (1827-28), où les couleurs et les tons se détendent, ce qui correspond à la sérénité des dernières années de sa vie passées en France, loin des guerres et des régimes.

Où voir les œuvres de Goya

Le noyau le plus important de l’œuvre de Francisco Goya se trouve au musée du Prado à Madrid, où il est possible d’admirer des peintures et des dessins couvrant toute la carrière du peintre espagnol (du Parasol à la Maja desnuda et à la Maja vestida, des Moissons aux Fusillades du 3 mai 1808, du Sabbat des sorcières à Saturne dévorant ses enfants). En outre, le musée madrilène a récemment acquis la première œuvre connue de Francisco Goya, le tableau Aníbal vencedor, que por primera vez mira Italia desde los Alpes, datant de 1771.

D’autres œuvres importantes se trouvent dans plusieurs musées espagnols (notamment à la Real Academia de San Fernando à Madrid, et certaines œuvres se trouvent également au musée de Saragosse), à la National Gallery de Londres, au Nationalmuseum de Stockholm, au Metropolitan Museum de New York et dans plusieurs autres institutions. Une curiosité : dans la ville française de Castres, il existe un musée qui porte le nom de Goya, le Musée Goya, où certaines de ses œuvres, dont un autoportrait, sont rassemblées dans une seule salle. Il s’agit d’un musée entièrement consacré à l’art espagnol qui doit son nom au fait que le noyau qui a permis l’ouverture du musée, le légat Briguiboul, avait été constitué par un collectionneur passionné de peinture espagnole qui avait rassemblé trois œuvres de Goya, lequel occupe donc une place particulière dans le musée.

Des œuvres de Goya sont également présentes en Italie : La famille de l’infant Don Luis de Bourbon à la Fondation Magnani-Rocca à Traversetolo, le Portrait de Marie-Louise de Parme au Musée national de Capodimonte à Naples, le Portrait de Marie-Louise de Borbón y Vallabriga aux Offices de Florence.

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