Les préraphaélites comme on ne les a jamais vus. À quoi ressemble l'exposition de Forlì, la plus grande jamais organisée en Italie ?

Près de cinq ans se sont écoulés depuis ladernière exposition consacrée aux préraphaélites enItalie: en 2019, environ quatre-vingts œuvres de la Tate Britain de Londres sont arrivées à Milan, au Palazzo Reale, parmi lesquelles des chefs-d’œuvre tels que l’Ophélie de John Everett Millais, la Dame de Shalott de John William Waterhouse et certaines figures féminines sensuelles de Dante Gabriel Rossetti, comme Aurelia, Mona Vanna et Mona Pomona, pour raconter les principaux thèmes du mouvement britannique, une véritable confrérie née vers 1848 à la suite de la rébellion de sept étudiants contre l’Académie Royale. Toutefois, sans vouloir offenser l’exposition de Milan, elle n’a aucune comparaison avec le grand projet d’exposition Preraphaelites. Modern Renaissance actuellement en cours à Forlì, aux Musées San Domenico, jusqu’au 30 juin 2024 : plus de trois cents œuvres exposées, dont des peintures, des dessins, des sculptures, des tapisseries, des gravures, des photographies, des œuvres d’art décoratif, des meubles, des médailles, des livres et des bijoux, provenant de musées et de collections italiennes et internationales, y compris la collection royale, qui ont été placées dans tous les espaces d’exposition temporaire du complexe muséal, y compris dans les couloirs ; quatre conservateurs (Elizabeth Prettejohn, Peter Trippi, Cristina Acidini et Francesco Parisi) et les conseils de cinq autres experts ; une comparaison directe jamais présentée avec une telle quantité et une telle qualité avec les grands maîtres de l’art italien du passé, du XIVe au XVIe siècle. Il s’agit d’une immense exposition qui comprend les précurseurs, les représentants des trois générations et les héritiers du mouvement, et à laquelle il faut (avec mérite) consacrer environ une demi-journée de visite. Cela ne doit pas vous effrayer car la variété, la qualité et l’extraordinaire opportunité de pouvoir admirer tant de chefs-d’œuvre provenant de nombreuses institutions, même lointaines, feront passer le temps sans que vous vous en rendiez compte. Avec la satisfaction, une fois parti, d’avoir visité la plus grande exposition consacrée en Italie aux préraphaélites et d’avoir compris comment les anciens maîtres de l’art italien ont fortement influencé l’art britannique du milieu du XIXe siècle aux premières décennies du XXe siècle.

Parmi les œuvres exposées figurent des chefs-d’œuvre des grands maîtres de l’art italien, tels que la Madone trônant avec l’enfant et deux anges de Cimabue, la Lamentation sur le Christ mort de Beato Angelico, la Pallas et le Centaure de Botticelli, la Sainte Famille avec le saint d’Andrea, la Sainte Famille avec le saint d’Andrea, la Sainte Vierge et l’enfant de Cimabue, la Sainte Vierge et l’enfant de Cimabue, la Sainte Famille avec un saint d’Andrea Mantegna, la Vierge à l’enfant de Filippo Lippi, la Cortigiana de Jacopo Palma l’Ancien, la Madone Trivulzio de Giovanni Bellini, Judith et Holopherne de Véronèse, le Portrait d’un arbalétrier de Lorenzo Lotto, l’Ariane de Guido Reni, la Vierge à l’enfant et deux anges de Beato Angelico.Ariane de Guido Reni, le Christ ressuscité apparaissant à sa mère de Titien, ainsi que les tapisseries du Saint Graal réalisées par Morris & CO., Sidonia von Bork et la série Briar Rose d’Edward Burne-Jones, la Veuve romaine et la Femme à la fenêtre de Dante Gabriel Rossetti, les Danaïdes de John William Waterhouse et les Vierges sages et les Vierges folles de Giulio Aristide Sartorio. Mais il reste difficile de faire une sélection des œuvres les plus précieuses parmi les plus de trois cents œuvres exposées.

Photo : Emanuele

L’exposition commence comme d’habitude dans l’église Saint-Jacques, où les visiteurs sont immédiatement confrontés à l’un des principaux objectifs de cette grande exposition, à savoir nous faire réaliser à quel point les préraphaélites rêvaient de l’art des maîtres anciens, des grands de l’Italie des XIVe et XVe siècles, en particulier de la Toscane et notamment de Botticelli, et à quel point “l’amour de la Renaissance italienne”, comme l’indique Elizabeth Prettejohn dans son essai, “a inspiré les artistes britanniques à créer des œuvres novatrices. Ce faisant, les artistes ont regardé l’art italien du passé avec un œil neuf et de nouvelles perspectives”. C’est dans cet esprit, sorte de déclaration d’intention pour l’ensemble de l’exposition, que la première section comprend des œuvres des années deux, trois, quatre cents (de Cimabue à Botticelli), du dix-neuvième siècle (Frederic Leighton) et même du vingtième siècle (Frederick Cayley Robinson). L’esquisse en couleur de la célèbre Madone de Cimabue portée en procession dans les rues de Florence par Leighton, dans laquelle l’artiste, qui a fait ses débuts à la Royal Academy de Londres en 1855, associe la procession triomphale des Florentins portant le retable de Cimabue (nous savons aujourd’hui que la Maestà est en fait de Duccio et non de Cimabue), est particulièrement significative et déclarative : il s’agit de la Madonna Rucellai qui se trouve actuellement aux Offices) vers l’église Santa Maria Novella et la visite du roi Charles d’Anjou, à cheval sur la droite. Cimabue lui-même participe à la procession, tenant la main de son élève Giotto entouré d’autres artistes comme Nicola Pisano, Buffalmacco et Gaddo Gaddi, pour célébrer l’art italien, et dans le coin le plus à droite de la composition, il insère également Dante Alighieri qui observe la scène avec détachement( Dante et sa Comédie ont joué un rôle très important dans l’imaginaire préraphaélite, en particulier pour Dante Gabriel Rossetti , à qui il doit également son nom). Comme nous l’avons déjà mentionné, le tableau de Cimabue est le suivant Madone trônant avec l’enfant et deux anges, en compagnie d’un triptyque de Bernardo Daddi, d’un retable de Taddeo di Bartolo, puis de Beato Angelico, Benozzo Gozzoli, Cosimo Rosselli, Andrea della Robbia, Filippo Lippi, Andrea del Verrocchio avec Lorenzo di Credi, Luca Signorelli, et Botticelli avec Pallas et le Centaure (John Ruskin, grand connaisseur et amoureux de l’Italie, ainsi que mentor et porte-parole de la Botticelli-mania en Grande-Bretagne, a joué un rôle fondamental dans l’histoire de l’art italien). mentor et porte-parole du mouvement préraphaélite : Il a présenté son travail à une génération d’étudiants à Oxford et à un public plus large par le biais de ses écrits). Cette première section présente également quatre peintures murales monumentales du XXe siècle de Frederick Cayley Robinson, considéré comme un adepte du préraphaélisme, influencé surtout par Burne-Jones. Son art et son style ont été fortement influencés par son long séjour en Italie de 1898 à 1902, au cours duquel il a eu l’occasion d’étudier les techniques de la peinture à la détrempe et de la fresque dans les œuvres d’artistes tels que Giotto, Mantegna et Piero della Francesca. Les quatre scènes divisées en paires(Les orphelins et Le docteur) s’inspirent des fresques de la Renaissance, mais il y a aussi des références au préraphaélisme, comme l’Escalier d’or de Burne-Jones dans les orphelins descendant un escalier en colimaçon sur la gauche ou le Printemps de Millais dans la femme versant du lait dans un bol. Dans l’abside, en revanche, se trouvent les étonnantes tapisseries de laine et de soie racontant la légende du Saint Graal, conçues par Burne-Jones et tissées par la manufacture Morris and CO., résultat de la longue collaboration entre Burne-Jones et William Morris qui a abouti à la réécriture visuelle de la plus grande légende arthurienne.

Les quinze sections suivantes de l’exposition se déroulent à partir d’ici, à l’intérieur du monastère, en commençant par l’influence des artistes considérés comme les précurseurs des préraphaélites, les Nazaréens, des peintres germanophones de l’Académie de Vienne actifs à Rome qui se proposaient d’imiter les prédécesseurs de Raphaël en se tournant vers un passé “primitif” et caractérisés par l’utilisation de couleurs vives, un rendu brillant de la surface, des références naturelles et l’étude des détails, sur deux artistes en particulier : William Dyce et John Rogers Herbert. L’exposition présente plusieurs tableaux de ces deux artistes, dans lesquels on peut reconnaître un lien remarquable avec l’ art italien des anciens maîtres : La Lamentation sur le Christ mort et la Vierge à l’enfant de William Dyce en sont des exemples (c’est aussi le tableau qui représente Titien enfant contemplant une statue de la Madone entourée de plantes et de fleurs dont il tire une variété de couleurs naturelles), tandis que chez John Rogers Herbert, le tableau de la Vierge à l’enfant de William Dyce est un exemple de l’art italien. ), tandis que dans le Roi Lear et Cordélia de John Rogers Herbert, peinture de la fresque que l’artiste réalisa pour le nouveau palais de Westminster, l’influence nazaréenne est perceptible dans la monumentalité du roi, dont la pose rappelle les sibylles de la Sixtine, dans la patine picturale et dans la précision du dessin. Après une section consacrée à ce que l’on appelle le Gothic Revival qui caractérise toute l’ère victorienne, la période du long règne de la reine Victoria (ici avec le prince Albert dans un tableau d’Edwin Landseer) au cours de laquelle le mouvement préraphaélite est né et s’est développé Après la présentation du mouvement préraphaélite et une section rendant hommage à John Ruskin , déjà cité, avec ses dessins et aquarelles d’architecture, de monuments et d’œuvres qu’il a lui-même eu l’occasion de voir en Italie, nous passons aux petits focus présentant la naissance de la confrérie préraphaélite et de ses premiers protagonistes : Ford Madox Brown, Dante Gabriel Rossetti, John Everett Millais, William Holman Hunt. La Confraternité a été fondée en 1848 par sept étudiants de la Royal Academy qui, insatisfaits de l’enseignement trop académique dispensé par l’institution, se sont réunis pour discuter et étudier en profondeur l’art des vieux maîtres de l’art italien, c’est-à-dire ceux qui ont précédé Raphaël, dont l’excessive virtuosité, la pompe déplacée des personnages représentés et le manque d’adhésion à la vérité de la nature, traits que l’Urbain avait réunis de manière exemplaire dans sa Transfiguration. La peinture préraphaélite cherche ainsi à répondre au besoin de retour à l’honnêteté ancienne, ce que l’on appelle le primitivisme. C’est grâce à Ford Madox Brown que les préraphaélites connaissent et sont influencés par l’empreinte de la peinture des Nazaréens susmentionnés, tandis que l’intérêt pour la culture primitive se condense autour des gravures des fresques médiévales du Camposanto de Pise publiées par Carlo Lasinio en 1812. En revanche, l’idée de créer une véritable confrérie est due à Rossetti, fils d’un carbonaro italien exilé, ainsi qu’à la fondation de la revue The Germ, qui a rendu explicite l’aspect littéraire du mouvement. Des dessins et des peintures des premiers protagonistes sont exposés ici, comme Paolo et Francesca et Dante en méditation de Rossetti, aux côtés de dessins d’Elisabeth Siddal, sa muse et épouse, ainsi qu’artiste et poétesse, Lorenzo et Isabella de Millais, Claudio et Isabella de Hunt, pour n’en citer que quelques-uns. Elle se poursuit avec des peintres tels que Walter Howell Deverell, Charles Allston Collins, Joseph Noel Paton, qui ont adhéré au climat culturel et à la forme préraphaélite, même s’ils n’étaient pas directement impliqués dans la confrérie.

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Nous arrivons ensuite dans la salle des fresques, entièrement consacrée à Edward Burne-Jones et à son rapport avec l’Italie. L’artiste s’est rendu pour la première fois dans le Bel Paese en 1859 en compagnie de son amie peintre Valentine Cameron Prinsep, et il a eu l’occasion de voir beaucoup d’art italien, surtout à Florence, avec des incursions dans l’art de la Vénétie également, mais il est retourné plusieurs fois en Italie, y compris avec Ruskin. Il est fasciné par Botticelli, Mantegna et Michel-Ange. Parmi ces derniers, lors d’un de ses voyages en Italie, il a eu l’occasion d’admirer les fresques de la chapelle Sixtine, qu’il a étudiées en en faisant des copies fidèles. C’est pour cette raison que dans cette salle, outre les chefs-d’œuvre de Burne-Jones, on trouve également des dessins de Michel-Ange lui-même et de Pontormo, la Sainte Famille avec un saint d’Andrea Mantegna provenant du musée de Castelvecchio et des œuvres de Filippino Lippi, Cosimo Rosselli et Giovanni Bellini. Parmi les chefs-d’œuvre de l’artiste britannique, citons Sidonia von Bork , pour la robe de laquelle Burne-Jones s’est inspiré du Portrait de Margherita Paleologo de Giulio Romano, conservé au Royal Collection Trust de Londres, Le temple de l’amour et La chute de Lucifer, Lancelot à la chapelle du Saint-Graal, qui rappelle l’une des scènes des tapisseries sur le Saint-Graal de la première section de l’exposition, La tête balourde, L’amour parmi les ruines , qui, comme l’écrit Elizabeth Prettejohn dans son essai, est un résumé des influences que Burne-Jones a recueillies lors de ses rencontres avec la Renaissance italienne (le manteau bleu profond des madones de la Renaissance, l’architecture de Mantegna, Crivelli ou Piero della Francesca, la frise avec des putti enjoués qui rappelle Donatello). Et surtout la série Briar Rose du Museo de Arte de Ponce inspirée du conte de la Belle au bois dormant. En quittant la salle des fresques, on remarque le beau sol peint par Burne-Jones, commandé par son ami William Graham comme cadeau d’anniversaire pour sa fille, et on s’engage dans le couloir vers l’escalier monumental qui mène à l’étage supérieur : le couloir est consacré aux arts appliqués liés à l’entreprise londonienne Morris & CO, qui a débuté en 1861 avec l’intention de réformer les arts appliqués en les intégrant à la “qualité ornementale que les hommes adoptent pour l’ajouter aux objets utilitaires”, c’est-à-dire de combler le fossé entre les arts purs et les arts appliqués. Ainsi, des chaises, des vases, des bols, des textiles, des assiettes, des carreaux liés à l’entreprise de fabrication sont exposés ici.

L’étage supérieur commence par une section consacrée à la fascination pour Botticelli, dont la peinture a été redécouverte dans l’Angleterre victorienne grâce à John Ruskin, qui l’a qualifié de plus grand peintre parmi les Florentins, mais aussi grâce à des expositions et des acquisitions en Italie par des musées londoniens, et plusieurs artistes de l’époque victorienne se sont inspirés de la peinture de Botticelli. En témoignent, comme le montre cette section qui comprend également la Vierge à l’Enfant du Stibbert Museum, Siméon Salomon avec son Amour en automne, œuvre probablement peinte lors d’un séjour que l’artiste fit à Florence en 1866 pour étudier les œuvres des artistes de la Renaissance et dans laquelle la vision mystique et idéalisante de son art est évidente, ou Walter Crane avec Diane et Endymion qui se réfère à Botticelli notamment dans les draperies. Cependant, les œuvres exposées ici par Evelyn De Morgan (présente avec une étude de la Naissance de Vénus) et Christiana Jane Herringham (présente avec la Tête de Marie Madeleine du Retable de Saint Ambroise aux Offices) sont particulièrement significatives de cette Botticelli-mania : les deux peintres ont copié et étudié de nombreuses œuvres du peintre florentin, contribuant ainsi de manière significative à la redécouverte de l’artiste italien et à la diffusion des traits caractéristiques de Botticelli.

Edward Burne-Jones,

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Edward Burne-Jones

Edward Burne-Jones,

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Nous poursuivons avec une section consacrée aux figures féminines représentées par Dante Gabriel Rossetti, à travers lesquelles il expérimente, comme dans Louisa Ruth Herbert, avec les peintres vénitiens, ou explore les possibilités expressives dans un jeu d’assonances littéraires, comme dans Bocca baciata, qui fait référence à une nouvelle du Décaméron de Boccace, expliquant ainsi ses deux grandes passions, la peinture et la littérature, et le travail de l’artiste. ses deux grandes passions, la peinture et la littérature; les femmes représentées par Rossetti sont également un concentré de sensualité, comme sa Veuve romaine, tout comme les femmes représentées par les maîtres italiens du passé, comme Palma il Vecchio. peintre de la Vénétie. Son amitié avec Jane Morris, ici représentée par Rossetti lui-même, deviendra une source d’inspiration pour des œuvres ultérieures comme La femme à la fenêtre, tirée de la Vita Nuova de Dante, mais qui a aussi une signification autobiographique: Jane regarde avec pitié le peintre désemparé par la mort d’Elizabeth Siddal, tout comme la femme de Dante tourne son regard consolateur vers Dante après la mort de Béatrice.

Suivent deux sections consacrées à Frederic Leighton et George Frederic Watts: fort de sa formation en Europe continentale et de sa connaissance de l’art italien, le premier a joué un rôle important dans la diffusion de la culture italienne en Grande-Bretagne (ses œuvres sont ici comparées à celles de Guido Reni, Lorenzo Lotto, les Véronèse) ; sa fascination particulière pour Michel-Ange se manifeste dans Michael Angelo soignant son serviteur mourant et dans le gage de Jonathan à David. Ce dernier a eu l’occasion de passer quatre années de formation en Italie, où il a été fasciné non seulement par Michel-Ange et Raphaël, mais surtout par les peintres de la Venise du XVIe siècle, en particulier Titien (le Christ ressuscité apparaît à la mère est exposé ici) et Véronèse.

Nous présentons ensuite les artistes qui ont exposé à la Grosvenor Gallery, fondée en 1877 à Londres comme alternative à la Royal Academy ; la galerie est devenue un lieu à la mode, fréquenté par l’aristocratie et la haute bourgeoisie, où les œuvres sont placées individuellement pour faciliter la contemplation, et un lieu d’exposition qui encourage la présence des artistes qui y exposent régulièrement : parmi eux, Evelyn De Morgan, peintre récemment réévaluée parmi les femmes de la confrérie préraphaélite, qui tire de Botticelli des motifs bien reconnaissables comme dans Flora et imprègne certaines de ses œuvres du spiritualisme dont l’artiste était adepte.

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Nous terminons avec la dernière génération de préraphaélites, que certains critiques de l’époque ont qualifié de néo-préraphaélites, car ils ont conservé leur passion pour la peinture de la Renaissance italienne, qu’ils ont adoptée comme source d’inspiration pour refonder l’art moderne du XXe siècle sur les principes de la tradition. Parmi les noms de cette troisième génération figurent Charles Ricketts, Charles Shannon, Thomas Cooper Gotch et John William Waterhouse. Enfin, l’exposition se termine par des œuvres de Giovanni Costa, Lemmo Rossi-Scotti, Filadelfo Simi, Giulio Bargellini, Giulio Aristide Sartorio et Adolfo De Carolis, des peintres qui ont ressenti un certain intérêt pour la peinture préraphaélite à la fin du XIXe siècle et qui, sur le modèle de ce qui s’est passé en Angleterre, ont formé ou approché la société In Arte Libertas, un groupe fondé autour de l’idée d’un renouveau de l’art. L’élément fondamental des relations et des échanges avec le milieu préraphaélite, comme l’explique Francesco Parisi dans son essai dans le catalogue, est Giovanni Costa, qui entreprend plusieurs voyages en Angleterre, établissant ainsi des relations avec le milieu artistique londonien et en particulier avec Frederic Leighton. À son tour, Costa joue un rôle de liaison avec les artistes italiens qui commencent à regarder les leçons du passé par le biais de l’Outre-Manche. Giuseppe Cellini, présent dans l’exposition avec Fantasia, présentée à la revue annuelle de la Società degli Amatori e Cultori di Belle Arti à Rome, joue un rôle majeur au sein d’ In Arte Libertas, en le modelant sur l’ut pictura poësis déjà largement professé dans le milieu préraphaélite. Giulio Aristide Sartorio, qui ne fait pas partie des membres fondateurs de la société, en devient cependant rapidement le secrétaire, revendiquant la paternité de l’idée de constituer un groupe marqué par la rébellion contre les modèles de l’art officiel et académique et contre un style obscène qui s’était imposé à Rome avec Mariano Fortuny. C’est le comte Giuseppe Primoli qui lui commande Les vierges sages et les vierges folles, un chef-d’œuvre que l’on peut admirer dans l’exposition, avec lequel il l’encourage à plonger dans la culture préraphaélite: le choix du triptyque sur panneau et le cadre gothique sculpté sont des éléments qui renvoient à la tradition primitive de l’Italie des XIVe et XVe siècles, mais les figures féminines et l’atmosphère dépeinte rappellent clairement le style préraphaélite. À la fin du siècle, Adolfo De Carolis, qui rejoint l’association en 1896, renouvelle l’intérêt du mouvement pour l’esthétique préraphaélite: en témoignent ses Castalidi, également exposés ici, interprétés comme un symbole de la capacité transfiguratrice de l’art et de l’éternel renouvellement de l’inspiration poétique. La grande exposition de Forlì sur le mouvement britannique, né à l’époque victorienne et qui a influencé même les premières années du XXe siècle, se termine donc avec ces artistes qui ont apporté un nouveau renouveau à l’art italien en se référant au modèle préraphaélite.

Le catalogue qui accompagne l’exposition se présente lui aussi comme un gros volume qui rassemble toutes les œuvres exposées, accompagnées de fiches, et illustre tous les aspects du préraphaélisme, de sa naissance à ses thèmes, en passant par ses liens avec l’Italie et les arts graphiques, avec une dizaine d’essais rédigés par les commissaires et les experts. Une exposition qui sera donc certainement considérée comme un jalon dans la diffusion de la connaissance de l’ensemble du mouvement préraphaélite dans les années à venir.

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