Musique noire et sens de la communauté. Voici à quoi ressemble le pavillon britannique, lauréat du Lion d'or

Le pavillon de la Grande-Bretagne est certainement l’un des pavillons les plus visités des Giardini della Biennale di Venezia, avec peut-être celui de la France voisine: la longue file d’attente à laquelle vous devez généralement faire face ne doit pas vous effrayer et ne doit surtout pas vous faire renoncer à l’entreprise, car, de l’avis de cet auteur, elle en vaut vraiment la peine. En s’approchant de l’escalier flanqué de deux grands arbres par lequel on entre dans le pavillon britannique, encore à l’extérieur donc, on entend des vocalisations féminines aiguës qui vous feront vous demander ce qui vous attend à l’intérieur, curieux de le découvrir. Une fois à l’intérieur, dans la première salle, vous êtes catapulté dans un environnement que je qualifierais de moderne et de pop: la sensation est celle d’être spectateur dans un studio d’enregistrement musical; de petits cubes réfléchissants sont placés en guise de sièges devant un grand mur coloré et géométrique qui occupe pratiquement toute la salle, invitant les visiteurs à s’asseoir pour regarder et écouter sur quatre écrans juxtaposés des vidéos d’autant de chanteurs en train d’enregistrer leurs voix (celles entendues à l’extérieur du pavillon) dans un studio d’enregistrement. Le spectateur assiste ainsi à une scène chorale: les voix individuelles des chanteurs s’entremêlent et improvisent a cappella pour créer un événement et une interaction collectifs. L’installation devient également, à mon avis, un espace de partage et de rencontre pour le public, puisque le visiteur/spectateur est invité à s’arrêter et à s’asseoir pour profiter de cette expérience chorale avec d’autres personnes et peut-être commenter avec ceux qui sont assis à proximité. “Je voulais réunir les deux communautés différentes, le public et les chanteurs, dans un même espace, car c’est grâce au public que les musiciens se font connaître”, a déclaré M. Boyce.

Lauréat du Lion d’or de la meilleure participation nationale, le pavillon de la Grande-Bretagne est un mélange d’art visuel et de musique , et l’on peut dire qu’une partie de sa force réside dans cette union. Aujourd’hui, peut-être, en ce qui concerne l’art contemporain, le spectateur aime se sentir comme un spectateur complet, dans une expérience de visite qui inclut non seulement la vue mais aussi d’autres sens, tels que l’ouïe ou le toucher, et le pavillon britannique s’inscrit pleinement dans cette tendance. La motivation de cette importante récompense est la suivante: "Sonia Boyce propose une autre lecture des histoires à travers le son. Travaillant en collaboration avec d’autres femmes noires, elle révèle une multitude d’histoires qui restent inaudibles. Boyce propose un langage très contemporain dans les formes fragmentées que le spectateur reconstruit à travers son expérience dans le pavillon. D’importantes questions de répétition sont posées par opposition à l’harmonie parfaite, tout comme les relations entre les voix sous forme de chœur, à distance et à différents moments de l’exposition’ ; son, coopération, accord, liberté, contemporanéité: des éléments qui émergent clairement et puissamment de l’exposition commandée par le British Council et organisée par Emma Ridgway, qui s’intitule Feeling her way (sentir sa voie).

Pavillon de la Grande-Bretagne à la Biennale de Venise 2022orte

Pavillon de la Grande-Bretagne à la Biennale de Venise 2022,de Cristiano Corte

Pavillon de la Grande-Bretagne à la Biennale de Venise 2022,, photo de Cristiano Corte

Pavillon de la Grande-Bretagne à la Biennale de Venise 2022,de Cristiano Corte

La commissaire a choisi une seule artiste pour représenter la Grande-Bretagne, Sonia Boyce (Londres, 1962), mais elle a fait appel à cinq musiciennes noires pour aborder le thème de la musique féminine noire, ou plutôt la manière dont les musiciennes noires britanniques ont contribué à nos vies émotionnelles et à notre culture transnationale. Le titre, Feeling Her Way, comme l’explique la commissaire dans son essai dans le catalogue de l’exposition, met l’accent sur le processus créatif de l’artiste: “trouver son chemin instinctivement, laisser de côté les attentes et les changements, travailler avec d’autres, par étapes itératives, pour créer une nouvelle œuvre”. Le travail de Boyce se concentre sur les dynamiques interpersonnelles et l’improvisation; selon l’artiste, c’est à travers le mode performatif que l’identité d’une personne se révèle, en se produisant devant un public. Avec cette installation, Boyce souhaite amener les gens à découvrir de nouvelles formes d’expression, toujours par le biais d’interactions et de conversations ludiques.

Pendant la réalisation de Feeling Her Way, toutes les restrictions dues à la pandémie, en particulier la distance sociale, étaient encore en place, et les chanteurs ne pouvaient pas se produire en direct devant un public. À l’invitation de Sonia Boyce, les chanteurs présentés dans les premières vidéos en salle, tous primés et issus de générations différentes, se sont réunis pour la première fois aux studios Abbey Road de Londres (les studios des Beatles, pour être clair) pour une improvisation a cappella afin de démontrer, à travers leurs belles voix influencées par le jazz et la soul, les grandes possibilités d’improvisation ludique, d’interaction et de coopération comme moyen de créer quelque chose de nouveau. L’improvisation fait référence au sentiment d’être libre d’apporter sa propre contribution de la manière qui nous convient le mieux, révélant ainsi notre identité. L’intention de Boyce est d’inviter le public à réfléchir à la manière dont notre voix révèle notre identité et de célébrer le processus libérateur de la performance et de la musique. L’artiste utilise la musique pour réduire la distance entre les gens, car il sait qu’elle crée un sentiment de communauté entre les individus. Dans l’installation, Boyce a voulu utiliser une musique sans paroles, composée uniquement de voix, à titre expérimental, afin de renverser l’effet rassurant de la prévisibilité pour le public. Chanter de cette manière, de façon ludique, sans signification, subvertit également les dynamiques interpersonnelles.

Tout cela part du principe que notre voix dit qui nous sommes; c’est le son de la voix qui révèle notre subjectivité, notre langage, nos accents, nos rythmes, nos tonalités et nos sentiments.

Pavillon de la Grande-Bretagne à la Biennale de Venise 2022,

Pavillon de la Grande-Bretagne à la Biennale de Venise 2022,, photo de Cristiano Corte.

Photo de Cristiano

Photo de Cristiano

Après la première salle, le public traverse cinq autres salles, dont l’agencement reprend celui de la salle initiale, avec notamment la présence de papiers peints colorés et géométriques et de vidéos montrant des chanteurs individuels, tantôt à travers un écran, tantôt à travers deux écrans côte à côte (dans la troisième salle, les deux écrans sont également surmontés d’une structure dorée en forme de nuage). Complètement différente de cette disposition générale (il n’y a pas d’écrans), la quatrième salle rassemble de nombreux souvenirs de la Devotional Collection, notamment des CD, des vinyles, des pochettes d’album, des affiches et des photographies liées à la musique des femmes noires, afin de célébrer la contribution culturelle des femmes noires britanniques à une musique qui fait depuis longtemps partie de la vie publique. Des chanteuses de différentes générations et de différents genres musicaux, de Dame Shirley Bassey au groupe de ska-pop Amazulu, de Tamsin Archer à Shingai du groupe de rock indépendant Noisettes. Les souvenirs sont également soutenus par des supports qui rappellent la pyrite, également connue sous le nom d’“or des fous” parce qu’elle crée des surfaces réfléchissantes semblables à l’or ; Boyce utilise la référence à ce matériau pour réfléchir au jugement social et au consensus en termes de valeur. Face à ce mur, le visiteur est invité à contempler les reliques présentes et à remarquer sa propre silhouette reflétée dans les structures dorées, comme faisant partie d’un public d’auditeurs non identifiables. Par ce stratagème, l’artiste entend déplorer le fait que les voix des femmes noires britanniques font partie de la bande sonore de la vie de millions de personnes, mais que ces femmes et leur identité sont souvent oubliées.

La principale caractéristique de l’activité créatrice de Boyce est le collage , qu’il utilise également dans Feeling Her Way : des images et des vidéos de chanteuses noires sont combinées à des papiers peints excentriques aux formes géométriques et ressemblant presque à des carreaux dessinés par l’artiste. Chaque chanteur est ensuite différencié des autres par le filtre de couleur de l’écran: Poppy Ajudha (1995) en bleu, Jacqui Dankworth (1963) en violet, Sofia Jernberg (1963) en orange, Tanita Tikaram (1969) en rouge et le compositeur Errollyn Wallen (1958) en jaune-vert ; l’artiste met l’accent sur la couleur dans chaque élément de son installation afin de rejeter les préjugés occidentaux sur “l’autre” et de se concentrer plutôt sur la voix. Pour cette utilisation de la couleur, elle a été influencée par le livre d’artiste d’Adrian Piper (New York, 1948), Coloured People, dans lequel chaque page contenant une photographie en noir et blanc d’un collaborateur a été coloriée par Piper en une seule couleur. Le motif géométrique, quant à lui, fait référence aux affinités de Boyce avec l’artiste brésilienne Lygia Clark (Belo Horizonte, 1920 - Rio de Janeiro, 1988), cofondatrice du Grupo Frente, un mouvement brésilien qui exprimait son optimisme à l’égard d’un avenir d’égalité sociale par le biais de l’abstractionnisme géométrique. Des photographies en couleur placées sur les papiers peints montrent également des fragments de la rencontre entre les chanteurs lors des enregistrements projetés dans les vidéos, ainsi que des outils de production tels que des perches de microphone, des câbles et des lumières.

Pourquoi le pavillon britannique à l’exposition 59. Exposition internationale d’art de la Biennale de Venise vaut la peine d’être visité ? L’installation de Sonia Boyce aborde des thèmes universels tels que l’inclusion, l’interaction, la liberté d’expression, la sociabilité, la lutte contre les préjugés à l’égard de l’autre, l’égalité sociale, la mémoire et l’expression de sa propre identité, d’une manière apparemment ludique, colorée, pop et amusante, mais en réalité très actuelle. Le mélange de l’art sonore et de l’art visuel amène également à réfléchir sur la tendance vers laquelle l’art d’aujourd’hui se dirige probablement, en proposant uneimmersion à 360° impliquant plusieurs sens et accompagnée d’un langage universel par excellence, la musique.

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