Schwarze Musik und ein Gefühl der Gemeinschaft. So sieht der mit dem Goldenen Löwen ausgezeichnete britische Pavillon aus

Der britische Pavillon ist sicherlich einer der meistbesuchten Pavillons der Giardini della Biennale di Venezia, vielleicht zusammen mit dem benachbarten Frankreich: die lange Warteschlange, die man normalerweise in Kauf nehmen muss, sollte einen nicht abschrecken und vor allem nicht dazu führen, dass man das Unternehmen aufgibt, denn nach Meinung dieses Verfassers ist es das wirklich wert. Wenn man sich der Treppe nähert, die von zwei großen Bäumen flankiert wird und durch die man den britischen Pavillon betritt, hört man, noch im Freien, hohe Frauenstimmen , die einen neugierig machen, was einen drinnen erwartet. Drinnen, in der ersten Halle, wird man in eine Umgebung katapultiert, die ich als modern und poppig beschreiben würde: Man hat das Gefühl, Zuschauer in einem Aufnahmestudio zu sein; kleine spiegelnde Würfel sind als Sitzgelegenheiten vor einer großen farbigen und geometrischen Wand platziert, die praktisch den gesamten Raum einnimmt und die Besucher einlädt, sich zu setzen und auf vier nebeneinander stehenden Bildschirmen Videos von ebenso vielen Sängern zu sehen und zu hören, die in einem Aufnahmestudio ihre Stimmen aufnehmen (die außerhalb des Pavillons zu hören sind). Der Betrachter wird so Zeuge einer Chorszene: Die einzelnen Stimmen der Sängerinnen und Sänger verflechten sich und improvisieren a cappella, um ein kollektives Ereignis und eine Interaktion zu schaffen. Der Aufbau wird meiner Meinung nach auch zu einem Raum des Austauschs und der Begegnung für das Publikum, da der Besucher/Zuschauer eingeladen ist, innezuhalten und sich zu setzen, um dieses Chorerlebnis gemeinsam mit anderen Menschen zu genießen und vielleicht mit denen, die in der Nähe sitzen, zu kommentieren. “Ich wollte die beiden unterschiedlichen Gemeinschaften, das Publikum und die Sänger, in einen Raum bringen, denn durch das Publikum werden die Musiker bekannt”, so Boyce.

Der Pavillon Großbritanniens, der mit dem Goldenen Löwen für die beste nationale Beteiligung ausgezeichnet wurde, ist eine Mischung aus bildender Kunst und Musik , und ein Teil seiner Stärke liegt wohl in dieser Verbindung. Was die zeitgenössische Kunst betrifft, so möchte sich der Betrachter heute vielleicht wie ein Allround-Zuschauer fühlen, in einem Besuchererlebnis, das nicht nur das Sehen, sondern auch andere Sinne wie das Hören oder den Tastsinn einschließt, und der britische Pavillon liegt voll in diesem Trend. In der Begründung für die bedeutende Auszeichnung heißt es: “Sonia Boyce schlägt eine andere Lesart von Geschichten durch Klang vor. In Zusammenarbeit mit anderen schwarzen Frauen deckt sie eine Vielzahl von Geschichten auf, die ungehört bleiben. Boyce schlägt eine sehr zeitgenössische Sprache in den fragmentierten Formen vor, die der Betrachter durch seine Erfahrung im Pavillon rekonstruiert. Im Gegensatz zur perfekten Harmonie werden wichtige Fragen der Probe aufgeworfen, ebenso wie die Beziehungen zwischen den Stimmen in Form eines Chors, aus der Ferne und an verschiedenen Punkten der Ausstellung”; Klang, Zusammenarbeit, Einstimmung, Freiheit, Zeitgenossenschaft: Elemente, die in der vom British Council in Auftrag gegebenen und von Emma Ridgway kuratierten Ausstellung, die den Titel Feeling Her Way trägt, deutlich und kraftvoll hervortreten.

Pavillon Großbritanniens auf der Biennale von Venedig 2022, Raumte

Pavillon Großbritanniens auf der Biennale von Venedig 2022, Raumte

Pavillon Großbritanniens auf der Biennale von Venedig 2022, Raumte

Pavillon Großbritanniens auf der Biennale von Venedig 2022, Raumte

Die Kuratorin hat eine einzige Künstlerin ausgewählt, um Großbritannien zu repräsentieren, Sonia Boyce (London, 1962), aber sie hat die Hilfe von fünf schwarzen Musikerinnen in Anspruch genommen, um das Thema der schwarzen weiblichen Musik zu behandeln, oder besser gesagt, wie schwarze britische Musikerinnen zu unserem Gefühlsleben und unserer transnationalen Kultur beigetragen haben. Wie die Kuratorin in ihrem Essay im Ausstellungskatalog erläutert, stellt der Titel " Feeling Her Way" den kreativen Prozess der Künstlerin in den Vordergrund: “sich instinktiv zurechtfinden, Erwartungen und Veränderungen hinter sich lassen und mit anderen zusammenarbeiten, um in iterativen Phasen ein neues Werk zu schaffen”. Boyces Arbeit konzentriert sich auf zwischenmenschliche Dynamik undImprovisation; nach Ansicht des Künstlers kommt die eigene Identität durch den performativen Modus zum Vorschein, indem man vor einem Publikum auftritt. Mit dieser Installation möchte Boyce die Menschen dazu bringen, neue Ausdrucksformen zu entdecken, und zwar stets durch spielerische Interaktionen und Gespräche.

Während der Entstehung von Feeling Her Way waren alle Einschränkungen aufgrund der Pandemie, insbesondere die soziale Distanz, noch in Kraft, und die Sänger konnten nicht live vor Publikum auftreten. Auf Einladung von Sonia Boyce trafen sich die Sängerinnen und Sänger der ersten Raumvideos, die alle preisgekrönt sind und verschiedenen Generationen angehören, zum ersten Mal in den Londoner Abbey Road Studios (den Studios der Beatles, um genau zu sein) zu einer A-cappella-Improvisation, um mit ihren wunderschönen , von Jazz und Soul beeinflussten Stimmen die großartigen Möglichkeiten der spielerischen Improvisation, der Interaktion und der Zusammenarbeit als Mittel zur Schaffung von etwas Neuem zu demonstrieren. Improvisation bezieht sich auf das Gefühl, frei zu sein, den eigenen Beitrag auf die Art und Weise zu leisten, die uns am besten passt, und so unsere Identität zu offenbaren. Boyce will das Publikum dazu einladen, darüber nachzudenken, wie unsere Stimme unsere Identität offenbart, und den befreienden Prozess von Performance und Musik feiern. Der Künstler setzt Musik ein, um die Distanz zwischen Menschen zu verringern, da er weiß, dass sie ein Gefühl der Gemeinschaft zwischen Individuen schafft. In der Installation wollte Boyce wortlose Musik, die nur aus Gesang besteht, als Experiment verwenden, um den beruhigenden Effekt der Vorhersehbarkeit für das Publikum zu untergraben. Das Singen auf diese Weise, spielerisch und ohne Bedeutung, unterläuft auch die zwischenmenschliche Dynamik.

All dies beruht auf dem Prinzip, dass unsere Stimme uns verrät, wer wir sind; es ist der Klang der Stimme, der unsere Subjektivität, Sprache, Akzente, Rhythmen, Töne und Gefühle offenbart.

Großbritanniens Pavillon auf der Biennale Venedig 2022te

Pavillon Großbritanniens auf der Biennale von Venedig 2022,Corte.

Fotoiano Corte

Fotoiano Corte

Nach dem ersten Raum durchläuft das Publikum fünf weitere Räume, deren Gestaltung sich an die des ersten Raums anlehnt, einschließlich der farbenfrohen, geometrischen Tapeten und der Videos, die einzelne Sänger zeigen, manchmal über einen Bildschirm, manchmal über zwei nebeneinander (im dritten Raum werden die beiden Bildschirme auch von einer goldenen wolkenartigen Struktur gekrönt). Völlig abweichend von dieser allgemeinen Anordnung (es gibt keine Bildschirme) ist der vierte Raum, in dem zahlreiche Erinnerungsstücke aus der Devotionalien-Sammlung versammelt sind, darunter CDs, Schallplatten, Plattencover, Poster und Fotografien mit Bezug zur Musik schwarzer Frauen, um den kulturellen Beitrag schwarzer britischer Frauen in der Musik zu würdigen, die seit langem Teil des öffentlichen Lebens ist. Sängerinnen aus verschiedenen Generationen und Musikgenres, von Dame Shirley Bassey bis zur Ska-Pop-Gruppe Amazulu, von Tamsin Archer bis zu Shingai von der Indie-Rock-Gruppe Noisettes. Die Erinnerungsstücke werden auch von Medien unterstützt, die an Pyrit erinnern, der auch als “Narrengold” bekannt ist, weil er goldähnliche reflektierende Oberflächen erzeugt; Boyce nutzt den Verweis auf dieses Material, um über die gesellschaftliche Beurteilung und den Konsens in Bezug auf den Wert nachzudenken. Vor dieser Wand ist der Besucher eingeladen, die vorhandenen Reliquien zu betrachten und sich in den vergoldeten Strukturen zu spiegeln, als Teil einer nicht identifizierbaren Zuhörerschaft. Mit diesem Kunstgriff will der Künstler die Tatsache beklagen, dass die Stimmen schwarzer britischer Frauen zum Soundtrack des Lebens von Millionen von Menschen gehören, diese Frauen und ihre Identität aber oft vergessen werden.

Das Hauptmerkmal von Boyces kreativer Tätigkeit ist die Collage , die er auch in Feeling Her Way verwendet: Bilder und Videos schwarzer Sängerinnen werden mit exzentrischen Tapeten in geometrischen Formen und fast wie vom Künstler gezeichnete Kacheln kombiniert. Jede Sängerin wird dann durch den Farbfilter des Bildschirms von den anderen unterschieden: Poppy Ajudha (1995) in Blau, Jacqui Dankworth (1963) in Violett, Sofia Jernberg (1963) in Orange, Tanita Tikaram (1969) in Rot und der Komponist Errollyn Wallen (1958) in Gelb-Grün; die Künstlerin betont die Farbe in jedem Element ihrer Installation, um westliche Vorurteile über das “Andere” zurückzuweisen und sich stattdessen auf die Stimme zu konzentrieren. Bei der Verwendung von Farbe hat sie sich von dem Künstlerbuch Coloured People von Adrian Piper (New York, 1948) inspirieren lassen, in dem jede Seite mit einer Schwarzweißfotografie eines Mitarbeiters von Piper in einer einzigen Farbe koloriert wurde. Das geometrische Motiv wiederum verweist auf Boyces Affinität zu der brasilianischen Künstlerin Lygia Clark (Belo Horizonte, 1920 - Rio de Janeiro, 1988), Mitbegründerin der Grupo Frente, einer brasilianischen Bewegung, die mit geometrischem Abstraktionismus Optimismus für eine Zukunft der sozialen Gleichheit zum Ausdruck brachte. Farbfotografien auf den Tapeten zeigen auch Fragmente der Begegnung zwischen den Sängern während der Aufnahmen, die in den Videos projiziert werden, sowie Produktionsmittel wie Mikrofonstangen, Kabel und Lampen.

Warum der britische Pavillon auf der 59. Internationalen Kunstausstellung der Biennale von Venedig einen Besuch wert ist? Durch Sonia Boyces Installation werden universelle Themen wie Integration, Interaktion, freie Meinungsäußerung, Geselligkeit, der Kampf gegen Vorurteile gegenüber dem Anderen, soziale Gleichheit, Erinnerung und der Ausdruck der eigenen Identität auf eine Art und Weise angesprochen, die scheinbar spielerisch, farbenfroh, poppig und lustig, aber tatsächlich hochaktuell ist. Die Mischung aus Klang und visueller Kunst führt auch zu einer Reflexion über den Trend, auf den sich die heutige Kunst wahrscheinlich zubewegt, indem sie eine360°-Immersion vorschlägt, die mehrere Sinne einbezieht, begleitet von einer universellen Sprache par excellence, der Musik.

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