Du 14 juin au 11 octobre 2026, le Kunsthaus Merano présente Animacies, un projet d’exposition collective sous la direction de Lucrezia Cippitelli et Simone Frangi qui aborde le thème des relations entre l’Europe et l’Asie à travers une réinterprétation critique des systèmes interprétatifs occidentaux et coloniaux. L’exposition, qui s’articule autour d’installations, de peintures, de sculptures et de photographies, rassemble des œuvres de sept artistes issus de contextes qui sont souvent restés en marge des récits occidentaux sur le continent asiatique, tels que le Bangladesh, l’Indonésie, la Mongolie, les Philippines et les îles Fidji.
Animacies constitue la troisième et dernière année de The Invention of Europe. A Tricontinental Narrative, un programme triennal développé au Kunsthaus sur la période 2024-2027 et dont les commissaires sont Lucrezia Cippitelli et Simone Frangi. Le projet vise à remettre en question une vision unitaire et monolithique de l’Europe, en proposant plutôt une réflexion sur les récits établis qui ont défini son histoire et son identité.
Le titre de l’exposition fait référence au concept d’“animacies”, théorisé en 2012 par la chercheuse queer sino-américaine Mel Y. Chen dans son livre Animacies : Biopolitics, Racial Mattering, and Queer Affect. Ce terme, difficilement traduisible en italien et en allemand, indique une condition partagée de capacité d’action, de vitalité, de mobilité et de conscience qui peut appartenir à différentes entités. Dans cette perspective, Chen a montré comment la matière, traditionnellement considérée comme inerte ou sans vie, peut au contraire exercer une influence pertinente sur les relations sociales, les structures de pouvoir et la dimension culturelle. L’exposition s’appuie sur cette approche pour remettre en question les oppositions binaires établies, telles que celles entre l’animé et l’inanimé ou le sujet et l’objet, en proposant un modèle relationnel dans lequel les êtres humains, les animaux et les objets sont impliqués dans des dynamiques communes.
Selon cette perspective, les textiles, les plantes et les aliments jouent un rôle actif et deviennent des outils capables de transmettre la mémoire, de générer des transformations et de créer des connexions. Les œuvres sélectionnées abordent ainsi les implications culturelles, politiques, symboliques et spirituelles de la matière, en l’utilisant comme clé d’observation des relations de pouvoir, des discriminations et des formes d’injustice.
L’exposition s’ouvre sur les œuvres de Shivanjani Lal, née à Fidji en 1982 et vivant à Sydney. L’artiste utilise des textiles et des objets du quotidien pour évoquer les vicissitudes des Girmitiya, des travailleurs déplacés de force de l’Inde vers diverses colonies britanniques, dont l’île Maurice, les Caraïbes et les Fidji, au cours du XIXe et du début du XXe siècle. Dans l’installation Mere Porvaj [Je me souviens] de 2024, Lal accorde une attention particulière au travail des femmes, qui est souvent exclu des récits officiels, ouvrant ainsi une réflexion sur la mémoire et les sujets auxquels on accorde le droit de se souvenir.
Les plantes occupent également une fonction centrale dans le travail du collectif Mai Ling, fondé à Vienne en 2019. L’installation Not Your Ornamentet la vidéo Becoming Stickiness, toutes deux de 2023, abordent les stéréotypes racistes et sexistes qui ont contribué à la construction d’une image de la féminité asiatique en tant qu’élément décoratif. Au centre des œuvres se trouve le kudzu, une plante originaire d’Asie de l’Est et du Sud-Est, traditionnellement utilisée dans les secteurs du textile, de l’alimentation et de la médecine. Introduite en Europe et aux États-Unis à la fin du XIXe siècle à des fins ornementales, l’espèce est aujourd’hui considérée comme nuisible dans de nombreuses régions occidentales. Le collectif valorise ses caractéristiques de résilience et de transformation, en l’interprétant comme un élément de connexion entre les expériences migratoires et les pratiques de soins partagées.
L’exposition présente également trois nouvelles œuvres de Chathuri Nissansala, née à Colombo en 1983 et vivant à Amsterdam. Ces œuvres sont réunies dans une installation environnementale unique qui aborde les questions du traumatisme intergénérationnel, de la violence coloniale et ethnographique et de l’identité de genre, en se référant particulièrement à l’histoire du Sri Lanka et aux héritages conflictuels qui en découlent. L’artiste présentera également une performance lors de l’inauguration d’Animacies.
Les plantes et la mémoire reviennent dans les œuvres de Jennifer Tee, née à Arnhem en 1973 et vivant à Amsterdam. L’exposition présente des sculptures, des installations et des collages. Dans la série Tampan Tulips de 2023, les pétales de tulipes sont transformés en éléments textiles à forte valeur symbolique. L’œuvre rappelle d’une part les origines asiatiques de la fleur, devenue un emblème des Pays-Bas depuis le XVIIe siècle, et d’autre part les motifs décoratifs des textiles cérémoniels indonésiens appelés “Tampan”, caractérisés par des bateaux qui se transforment en arbres de vie, symboles du voyage de l’âme. Le bateau et la tulipe évoquent également la route migratoire empruntée par la famille de l’artiste, qui est venue d’Indonésie aux Pays-Bas par la mer dans les années 1950, entremêlant ainsi la dimension privée et la mémoire collective. La participation de Jennifer Tee à l’exposition est soutenue par l’ambassade et le consulat général du Royaume des Pays-Bas.
Le troisième étage du Kunsthaus accueille Redeem, un projet initié en 2020 et toujours en cours par Ashfika Rahman, née en 1988 à Dhaka, où elle vit actuellement. L’installation consiste en une grande broderie sur tissu et découle d’une recherche menée à partir de documents d’archives et d’un projet collaboratif consacré aux conversions religieuses des communautés indigènes Santal et Oraon au Bangladesh. Par l’utilisation de la broderie, de matériaux collectés dans la région et de symboles chromatiques, l’œuvre aborde des thèmes liés à l’appartenance, aux processus de transformation et à la complexité des relations au sein des communautés concernées.
La Mongolie, en revanche, est le point de départ des sculptures zoomorphes de la série 15 Faces, créées depuis 2024 par Bekhbaatar Enkhtur, né à Oulan-Bator en 1994 et vivant à Turin. Les œuvres s’inspirent des mythes et des traditions du pays asiatique. L’artiste a lié l’origine de sa recherche au souvenir d’un autel domestique dédié à une divinité, une expérience qui l’a amené à s’interroger sur la possibilité qu’une sculpture puisse être considérée comme un être vivant doté d’une âme.
“Cette expérience”, a déclaré l’artiste, “a déclenché en moi une profonde réflexion sur la manière dont, dans ce contexte, une simple sculpture pouvait être traitée comme un être vivant, doté d’une âme”.
L’exposition se termine par une peinture murale in situ d’Elia Nurvista, né en 1983 à Yogyakarta et actif entre l’Indonésie et Berlin. L’œuvre appartient à la série Long Hanging Fruits, développée depuis 2020, et prend comme point de départ l’histoire de l’huile de palme, un produit largement présent dans l’alimentation contemporaine. L’artiste reconstitue l’histoire du palmier à huile, originaire d’Afrique et introduit en Indonésie pendant la période coloniale néerlandaise, pour réfléchir aux conséquences environnementales et sociales de la culture industrielle.
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| Merano, une exposition repense les relations Europe-Asie au-delà des lectures coloniales |
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