Milan, une grande exposition sur Andy Warhol à l'automne sous la direction de Bonito Oliva

Du 22 octobre 2022 au 26 mars 2023, la Fabbrica del Vapore de Milan accueillera une grande exposition consacrée à Andy Warhol (Pittsburgh, 1928 - New York, 1987), intitulée Andy Warhol. Advertising in Form, qui présente plus de trois cents objets répartis en sept espaces thématiques et treize sections, et retrace la carrière de Warhol, de ses débuts dans les années 1950 comme illustrateur commercial à sa dernière décennie d’activité dans les années 1980, marquée par son rapport au sacré. L’exposition est promue et produite par la Comune di Milano-Cultura et Navigare, sous la direction d’Achille Bonito Oliva et d’Edoardo Falcioni pour Art Motors, Partner BMW.

“Warhol, explique Bonito Oliva, est le Raphaël de la société de masse américaine qui donne de la surface à chaque profondeur de l’image, la rendant ainsi immédiatement utilisable, prête à être consommée comme tous les produits qui encombrent notre vie quotidienne. Il développe ainsi un classicisme sans précédent dans sa transformation esthétique. C’est ainsi que la publicité de la forme crée l’épiphanie, c’est-à-dire l’apparition, de l’image”.

Né Andrew Warhola en 1928, à Pittsburgh, de parents slovaques (Ondrej Warhola et Júlia Justína Zavacká), il s’installe à New York après avoir obtenu son diplôme en 1949, change son nom d’origine slovaque en Warhol et, au début des années 1960, est un jeune publicitaire à succès, travaillant pour des magazines tels que New Yorker, Vogue et Glamour. L’intuition qui le rendra célèbre et riche“, écrit Falcioni dans le texte du catalogue, ”est celle de répéter une image encore et encore, pour qu’elle entre à jamais dans l’esprit du public". Thirty Are Better Than One, sa première Joconde répétée pas moins de trente fois, se transforme d’une œuvre d’art célèbre et exclusive en une œuvre de tous et pour tous, transformant le langage de la publicité en art. Dans Green Coca-Cola Bottles, on comprend immédiatement que pour l’artiste, c’est la quantité qui prime sur l’originalité du sujet représenté: c’est en effet en répétant la même image qu’il parvient à faire entrer et à mettre en scène le panorama consumériste dans le monde de l’art: la tâche de l’artiste n’est plus de créer, mais de reproduire.

Pour ce faire, Warhol adopte une technique particulière de sérialisation, à l’aide d’une machine à sérigraphier, qui facilite la création d’œuvres et réduit considérablement le temps de production. Sur de grandes toiles, il reproduit plusieurs fois la même image en en modifiant les couleurs: en utilisant des images publicitaires de grandes marques commerciales ou des images chocs comme des accidents de la route ou des chaises électriques, il parvient à les vider de leur sens originel. L’art doit être “consommé” comme n’importe quel autre produit. La technique de la sérigraphie a été utilisée par Warhol dès 1962 pour créer la série Campbell’s Soup Cans, composée de trente-deux petites toiles de taille identique représentant les emblématiques boîtes de soupe Campbell’s, exposée la même année à la Ferus Gallery de Los Angeles. Il fait de même avec les portraits des célébrités de l’époque: Marilyn Monroe, Mao Zedong, Che Guevara, Michael Jackson, Elvis Presley, Elizabeth Taylor, Brigitte Bardot, Marlon Brando, Liza Minnelli, Gianni et Marella Agnelli, les reines Elizabeth II du Royaume-Uni, Margaret II du Danemark, Beatrix des Pays-Bas, l’impératrice iranienne Farah Pahlavi, la princesse Grace Kelly de Monaco, la princesse Diana Spencer du Pays de Galles. Pour ces personnalités, se faire portraiturer par Wahrol est devenu un impératif pour confirmer leur statut social. Le Gold Marilyn Monroe, exposé au MoMA de New York, est emblématique: l’une des femmes les plus fascinantes de l’histoire américaine moderne y est représentée sur un fond d’or, exactement comme s’il s’agissait d’un panneau du XIVe siècle représentant la Madone.

Les critiques ont d’abord rejeté ces œuvres, ne comprenant ni leur originalité ni la volonté de Warhol de communiquer l’idée de répétition et d’abondance, en accord avec la philosophie consumériste de l’ époque. Son travail est perçu comme un outrage à l’expressionnisme abstrait, mouvement artistique alors dominant aux États-Unis. Le célèbre marchand d’art Leo Castelli lui-même n’a d’abord pas compris le génie novateur de l’œuvre de Warhol et a cédé à la demande de Jasper Johns de ne pas l’admettre dans son écurie. En réalité, en adhérant à la culture de masse et en la faisant entrer dans le monde conceptuel de l’art figuratif, Warhol a exalté la patrie de la consommation et tout ce que les États-Unis symbolisaient depuis l’après-guerre jusqu’aux années 1980.

“Le véritable coup de génie par lequel l’artiste a réussi à valoriser définitivement les années 60 et les nouvelles formes de communication de masse”, poursuit le texte de Falcioni, "a cependant été les Brillo Boxes: il s’agit de sculptures identiques aux boîtes de savon Brillo vendues dans les supermarchés. Elles ont été réalisées par un menuisier et les bords ont été sérigraphiés par Warhol et ses assistants comme les étiquettes originales. Ce sont ces œuvres qui ont déclenché chez Arthur Danto, le célèbre philosophe captivé par ces créations, sa conception de la philosophie de l’art, qui s’articule autour d’une question fondamentale: "Qu’est-ce que l’art? Cette question l’amènera à considérer ces boîtes en bois comme de véritables œuvres d’art, en vertu de leur capacité à évoquer et à représenter parfaitement un contexte historique spécifique, en l’occurrence les années 1960 et leurs innombrables innovations, dont l’artiste pop peut sans aucun doute être considéré comme le plus grand interprète. L’événement qui a rendu ces œuvres parmi les plus célèbres de toute l’histoire de l’art a été l’exposition personnelle de l’artiste à la Stable Gallery de New York, en 1964: ces sculptures étaient disposées à l’intérieur de l’espace d’exposition, toutes en rangées et les unes sur les autres, comme s’il s’agissait d’un supermarché plutôt que d’une galerie d’art. C’est en visitant cette exposition que Leo Castelli a reconsidéré et compris la pertinence de l’opération de Warhol, en faisant appel à son écurie.

À partir de ce moment, la carrière de Warhol connaît une déflagration. La fameuse Factory est née, à l’origine au 231 East 47th Street, où d’innombrables assistants créent frénétiquement ses œuvres en série: peintures, films, pochettes de musique, sculptures, couvertures de magazines et bien d’autres choses encore. C’est là que Warhol accueille des acteurs, des musiciens, des écrivains, tout le monde créatif new-yorkais, créant les premiers films tels que The Velvet Uderground & Nico, pour lequel il réalise également la pochette du célèbre 33 tours. De nombreux autres films y sont réalisés montrant des actions répétées et dilatées dans le temps, sortes d’images projetées sur un mur blanc, et les Screen Tests, portraits filmés de personnes visitant la Factory, filmés, dans le but d’entrer dans leur intimité, avec une caméra fixe sans bouger pendant trois minutes sur un fond noir. Certains de ces films consacrés à la culture gay new-yorkaise, dont Warhol faisait partie, ont été censurés, distribués de bouche à oreille et projetés trente ans après la date de leur réalisation lors d’expositions dans différents musées du monde. Le magazine Interview est également produit dans la Factory, avec le personnage du moment en couverture de chaque numéro. D’autres couvertures célèbres sont produites pour Time et Playboy. De nombreuses autres Factory verront le jour dans différents quartiers de la ville, ateliers des nombreux projets conçus en permanence par l’artiste aux multiples facettes. Entre-temps, une nouvelle génération d’artistes tels que Basquiat, Haring et Scharf est née et considère Warhol comme son père spirituel: en les accueillant dans son cercle, Warhol s’est imprégné de leur dynamisme et de leur créativité. Il réussit ainsi à se renouveler une fois de plus, en concevant les dernières expériences iconiques comme le célèbre Dollar Sign, emblème de la frénésie économique de ces années-là, en abandonnant l’utilisation de la sérigraphie et en se consacrant à la peinture pure, en réinterprétant certaines références artistiques du passé dans une tonalité pop.

L’exposition milanaise se propose de documenter ce parcours: des objets symbolisant la consommation de masse aux portraits du star system des années 60 ; de la série Ladies & Gentlemen des années 70 consacrée aux drag queens, les travestis, symbole de marginalisation par excellence et considérés à l’égal de stars comme Marilyn, jusqu’aux années 80 où son rapport au sacré devient prépondérant: catholique pratiquant, il en a en effet été imprégné toute sa vie. Dans l’exposition, le public trouvera une vingtaine de toiles, une cinquantaine d’œuvres uniques telles que des sérigraphies sur soie, coton, papier, mais aussi des dessins, des photographies, des disques originaux, des T-shirts, l’ordinateur Commodore Amiga 2000 avec ses illustrations numériques, la BMW Art Car peinte par Wahrol, la reconstitution fidèle de la première Factory et une partie multimédia avec des projections de films à voir avec des lunettes tridimensionnelles.

L’exposition est ouverte du lundi au vendredi de 9h30 à 19h30, les samedi, dimanche et jours fériés de 9h30 à 20h30. Dernière admission 30 minutes avant la fermeture. Billets: 12 euros plein tarif (14 euros les week-ends et jours fériés), 10 euros réduit (titulaires de la carte Musei Lombardia avec handicap et accompagnateurs, plus de 65 ans, titulaires de l’abonnement annuel ATM et Trenord, enseignants, jeunes jusqu’à 14 ans, employés de la municipalité de Milan (avec badge nominal), journalistes avec badge ODG pour l’année en cours, journalistes non accrédités et étudiants universitaires), 16 euros open ticket, 5 euros pour les écoles, 8 euros pour les groupes d’au moins 10 personnes, gratuit pour les enfants jusqu’à 5 ans.

Image: Andy Warhol, Untitled (Flowers) (v. 1983-1985 ; sérigraphie sur soie, 101,6 x 88,9 cm ; Collection privée)

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