En mai, le ballet Caravaggio du chorégraphe Mauro Bigonzetti a été présenté pour la première fois en Italie, dix-sept ans après sa création en 2008 à Berlin. L’étoile Roberto Bolle a interprété Caravaggio sur les scènes du Teatro del Maggio Musicale Fiorentino (du 9 au 11 mai) et du TAM Teatro Arcimboldi à Milan (du 15 au 21 mai). Nous avons posé quelques questions à Roberto Bolle et à Mauro Bigonzetti pour qu’ils nous parlent des émotions et des inspirations qui se cachent derrière ce projet et de la manière dont ils sont parvenus à transposer dans la danse la figure complexe du Caravage et de sa peinture. L’interview est réalisée par Ilaria Baratta.
IB. Vous avez la tâche d’interpréter, en tant que grande star que vous êtes, probablement l’un des peintres les plus aimés et les plus révolutionnaires de tous les temps : Le Caravage. Qu’avez-vous tenté pour transformer magistralement la puissance des œuvres de Merisi en danse ? Le tourment et le génie sont les deux aspects qui caractérisent le plus cet artiste : quelle est la part de Caravage dans Roberto Bolle ?
Roberto Bolle. Jouer le Caravage a été une expérience merveilleuse. C’est un artiste brillant et emblématique qui a changé l’histoire de l’art italien et pas seulement, car il a changé l’histoire de l’art international. Il a profondément marqué la culture et la vision de l’artiste, y compris la manière de représenter les personnages. Il y a eu une grande rupture entre l’avant Caravage et l’après Caravage. C’est un artiste qui a influencé l’art pendant des siècles et qui est toujours l’un des plus aimés, des plus admirés, donc c’était un grand privilège pour moi de pouvoir jouer ce personnage, de lui donner forme, de le faire vivre et certainement de porter son génie et son tourment sur scène. C’est un artiste très éloigné de moi en ce qui concerne les parties dramatiques et tourmentées, le meurtre, le sang qui revient dans sa vie, un élément que l’on retrouve dans le ballet, avec le drapé rouge qui sort à la fin du premier acte et ensuite le sang avec lequel il se tache les mains lorsqu’il tue d’autres personnages dans ce ballet, qui sont alors la beauté, l’ombre, la lumière. Ce sont tous des éléments qui reviennent dans sa peinture. C’est un artiste très différent de moi, mais c’est pour cela qu’il était encore plus intéressant de l’interpréter ; de trouver ces clés en moi qui ne font pas naturellement partie de ma personnalité, mais qui sont pourtant inhérentes. Trouver la vérité de sensations, de sentiments très éloignés de son propre être. Et porter cela sur scène plutôt que des sentiments et des émotions complètement en phase avec son propre être est encore plus stimulant pour un artiste.
Fréquentez-vous les expositions ? Quelle est votre relation avec les arts visuels ? La danse est une forme d’art extraordinaire et je trouve qu’elle a beaucoup de points communs avec la peinture.
J’aime beaucoup aller voir des expositions qui sont aussi très différentes de la peinture. En ce qui concerne la photographie, par exemple, j’ai récemment vu l’exposition de George Hoyningen-Huene au Palazzo Reale. Toujours au Palazzo Reale, j’ai beaucoup aimé l’exposition Leonor Fini, qui est l’une des plus belles expositions que j’ai vues récemment. Ici, elle est très importante. Je pense qu’il est très bon pour moi de m’imprégner de la vision d’autres artistes, de la manière dont certaines expositions sont montées, des couleurs, des lumières, de la manière dont elles sont présentées. Ensuite, il y a eu l’installation de Nico Vascellari au Palazzo Reale. Ce sont toutes des suggestions dont vous avez besoin et dont vous ne vous rendez peut-être pas compte, au début, à quel point elles peuvent influencer votre goût, votre créativité, mais ensuite, tout revient. Pour en revenir à la question de la mise en scène du Caravage, il s’agit d’un artiste très théâtral, qui se prête donc particulièrement bien à la mise en scène. Nous avons des lumières de coupe et d’autres lumières qui peuvent éclairer les corps, les modeler. Il y a des moments où les lumières ressemblent vraiment à celles du Caravage. C’est une très bonne combinaison du ballet, de la danse, du corps du danseur et du Caravage, de ses peintures, de sa lumière.
À quel point pensez-vous que la danse est et peut être révolutionnaire ?
La danse peut être très révolutionnaire. Elle l’est depuis longtemps. Pensez à Isadora Duncan au début, ou à Nižinsky, qui a brisé le moule. Duncan a montré le corps féminin en mouvement sous des voiles, elle a été une grande avancée, une grande avant-garde. Et aujourd’hui encore, la danse continue d’être révolutionnaire avec tant de chorégraphes contemporains qui interprètent le présent, mais aussi le futur, en le combinant avec les nouvelles technologies portées sur scène avec des effets visuels, avec des jeux de lumière innovants.
Ici, la danse est une expression qui vient du passé, mais qui est toujours très tournée vers l’avenir. C’est une création continue, avec un langage qui ne cesse de se renouveler. Et cela peut être très inspirant et marquer le temps.
Depuis des années, il s’implique personnellement pour faire connaître la danse à tout le monde, à la télévision et dans le cadre d’événements très réussis. Le ballet Caravaggio va-t-il également dans ce sens ?
Le ballet Caravaggio aussi, bien sûr, pour moi c’est une façon de diffuser la danse, de continuer cette mission de diffusion, qui s’est poursuivie au fil des ans avec les spectacles de Rai1, avec OnDance, qui reviendra à Milan en septembre. Maintenant aussi avec la Fondation [ndlr : la Fondation Roberto Bolle, “qui a pour but de soutenir la danse en Italie et dans le monde, avec l’objectif de diffuser les valeurs artistiques, culturelles et humaines que la danse porte en elle”], avec laquelle je poursuis ce chemin. Mais aussi avec le ballet Caravaggio porté au théâtre et la combinaison que nous avons réussi à créer à l’occasion du programme Rai1 et de l’exposition au Palazzo Barberini. Tout sert à faire passer ces messages plus facilement au public, à élargir l’audience, à faire venir plus de monde aux expositions et au théâtre et c’est très important. Ce voyage dans la beauté que j’ai commencé avec Caravaggio se poursuit cet été, en juillet, avec trois rendez-vous merveilleux dans des lieux merveilleux tels que les thermes de Caracalla, le théâtre grec de Taormine et les arènes de Vérone. Deux spectacles à Caracalla les 15 et 16 juillet, à Taormine le 18 juillet et les 22 et 23 juillet dans les magiques Arènes de Vérone. Même en dansant avec toute cette histoire, cette merveille derrière nous, c’est quelque chose qui a un grand impact sur la diffusion de la danse auprès de tous.
IB. Dix-sept ans après sa création à Berlin, le ballet Caravaggio est enfin arrivé en Italie cette année, au mois de mai. Que signifie pour vous le fait de l’avoir présenté pour la première fois dans notre pays ?
Mauro Bigonzetti. Je suis très heureux d’avoir ramené ce ballet en Italie après dix-sept ans, surtout dans le contexte dans lequel nous l’avons présenté, c’est-à-dire avec Roberto Bolle, d’abord, puis avec le Maggio Musicale Fiorentino et le Teatro Arcimboldi de Milan. Je suis ravi parce que Roberto a à la fois la maturité, la sensibilité et le physique pour interpréter un tel rôle. À mon avis, c’est le moment idéal pour Roberto de jouer un tel rôle, et il l’a d’ailleurs joué à la perfection. Je suis très heureux car cela me rend fier, cela me donne beaucoup de satisfaction ; 60 à 70 % de mon travail a été réalisé à l’étranger, en Italie, il est presque inconnu. C’est pourquoi amener ce ballet en Italie après tant d’années a été pour moi une énorme satisfaction, et je le répète, avec Roberto Bolle, encore plus.
Pourquoi avez-vous choisi de consacrer un ballet au Caravage ? Avez-vous suivi une passion particulière pour Merisi dans votre choix, ou le nom à forte consonance qui capte le public a-t-il également joué un rôle ?
Cette œuvre, il y a dix-sept ans, m’a été commandée par le Deutsche Oper Berlin avec le Berlin Staatsballett. Ils m’ont alors demandé un sujet en rapport avec la culture et l’art italiens et j’ai choisi Le Caravage. Pourquoi ? Parce que, de toute façon, j’ai fréquenté l’Institut d’art et que j’ai donc vécu ma jeunesse immergée dans les arts figuratifs. Logiquement, Le Caravage était l’un des nombreux peintres que j’aimais, peut-être même celui que j’aimais le plus, alors disons que je l’ai porté en moi et que je l’ai ruminé pendant de nombreuses années. Le Caravage est un personnage que j’ai beaucoup aimé par le passé et, au bon moment, il est revenu avec cette demande du théâtre de Berlin de faire quelque chose avec une forte empreinte italienne.
Qu’est-ce qui vous fascine chez cet artiste ?
Tout me fascine chez le Caravage : sa vie, sa production artistique et, plus que tout, le mystère qui entoure ce personnage. Il a toujours été un mythe pour moi, aussi bien sa production que sa vie, même si c’est une vie, comme je l’ai dit, pleine de mystères et pleine d’inconnues, mais c’est précisément ce mystère, cette magie qu’il y a autour de ce personnage qui m’a toujours fasciné.
Comment avez-vous réussi à transformer l’art du Caravage en danse ? Quels sont les éléments ou les aspects sur lesquels vous vous êtes le plus concentré ?
Je ne sais pas si j’ai réussi à transformer l’art du Caravage en danse, car il s’agit d’une opération, disons, titanesque. Mais les aspects sur lesquels j’ai travaillé sont certainement les vibrations qui émanent des corps du Caravage, les tensions des corps, les muscles et la peau des protagonistes des tableaux du Caravage. Ce sont les tensions des corps qui m’ont le plus inspiré. Logiquement, nous ne sommes pas allés reproduire les tableaux ou les compositions du Caravage de manière symbolique ou figurative, mais ce sont précisément ces tensions des corps qui ont poussé ma créativité à faire un certain type de travail. Cette tension est la flamme et l’axe principal de l’œuvre.
Qu’en est-il de la musique, quels morceaux ont été choisis ?
En ce qui concerne la musique, avec le maestro Bruno Moretti, nous avons eu dès le départ l’idée de faire quelque chose en rapport avec la période historique du Caravage, et c’est précisément à cette époque, en même temps que le Caravage est né, quatre ans plus tôt, qu’est né Claudio Monteverdi, ils ont donc vécu la même période historique, et il m’a semblé que c’était une bonne idée de faire un parallèle avec la musique aussi, entre la musique et la peinture. Le maestro Bruno Moretti a pris des clones des œuvres les plus célèbres et les plus importantes de Claudio Monteverdi et en a fait de la musique symphonique, de la musique symphonique pour grand orchestre, ce qui, en bref, est assez inhabituel, car toute la musique de cette période historique était écrite pour de très petits ensembles ; le concept de symphonisme n’existait pas encore. Moretti a créé cette musique symphonique en prenant de petits thèmes ou de petits clones et en les développant d’une manière plus symphonique, propre au XXe siècle.
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