Im Mai wurde das Ballett Caravaggio des Choreographen Mauro Bigonzetti zum ersten Mal in Italien aufgeführt, siebzehn Jahre nach seiner Premiere 2008 in Berlin. Interpretiert wurde Caravaggio vom étoile Roberto Bolle, der das Stück im Teatro del Maggio Musicale Fiorentino (9. bis 11. Mai) und im TAM Teatro Arcimboldi in Mailand (15. bis 21. Mai) auf die Bühne brachte. Wir haben Roberto Bolle und Mauro Bigonzetti ein paar Fragen gestellt, damit sie uns von den Emotionen und Inspirationen erzählen, die hinter diesem Projekt stehen, und wie es ihnen gelungen ist, die komplexe Figur des Caravaggio und sein Gemälde in den Tanz zu übertragen. Das Interview stammt von Ilaria Baratta.
IB. Sie haben die Aufgabe, als der große Etoile, der Sie sind, einen der wohl beliebtesten und revolutionärsten Maler aller Zeiten zu interpretieren: Caravaggio. Was haben Sie versucht, um die Kraft der Werke von Merisi meisterhaft in Tanz umzusetzen? Qual und Genie sind die beiden Aspekte, die diesen Künstler am meisten charakterisieren: Wie viel Caravaggio steckt in Roberto Bolle?
Roberto Bolle. Caravaggio zu spielen, war eine wunderbare Erfahrung. Er ist ein brillanter, ikonischer Künstler, der die Geschichte der italienischen Kunst verändert hat und nicht nur, weil er die Geschichte der internationalen Kunst verändert hat. Er hat die eigene Kultur und die Vision des Künstlers tiefgreifend geprägt, einschließlich der Art und Weise, wie Figuren dargestellt werden. Es gab einen großen Bruch zwischen der Zeit vor Caravaggio und der Zeit nach Caravaggio. Er ist ein Künstler, der die Kunst jahrhundertelang beeinflusst hat und immer noch zu den meistgeliebten und bewunderten gehört. Für mich war es daher ein großes Privileg, diese Figur spielen zu können, ihr Gestalt zu geben, sie zum Leben zu erwecken und sicherlich sein Genie und seine Qualen auf die Bühne zu bringen. Er ist ein Künstler, der mir in Bezug auf die dramatischen, gequälten Teile, den Mord, das Blut, das in seinem Leben immer wieder vorkommt, ein Element, das sich im Ballett wiederfindet, mit dem roten Tuch, das am Ende des ersten Aktes auftaucht, und dann mit dem Blut, mit dem er seine Hände befleckt, wenn er andere Figuren in diesem Ballett tötet, die dann die Schönheit, der Schatten, das Licht sind, sehr fern ist. Alles Elemente, die in seiner Malerei wiederkehren. Er ist ein ganz anderer Künstler als ich, aber deshalb war es umso interessanter, ihn zu interpretieren; die Schlüssel in mir zu finden, die nicht von Natur aus Teil meiner Persönlichkeit sind, aber dennoch inhärent sind. Die Wahrheit von Empfindungen, von Gefühlen zu finden, die weit entfernt vom eigenen Wesen sind. Und dies auf die Bühne zu bringen, statt Gefühle und Emotionen, die ganz mit dem eigenen Wesen übereinstimmen, ist für einen Künstler noch anregender.
Sind Sie ein Ausstellungsbesucher? Wie ist Ihr Verhältnis zur bildenden Kunst? Tanz ist eine außergewöhnliche Kunstform, und ich finde, sie hat viel mit der Malerei gemeinsam.
Ich besuche aber auch sehr gerne Ausstellungen, die sich von der Malerei unterscheiden. Im Bereich der Fotografie habe ich zum Beispiel kürzlich die Ausstellung von George Hoyningen-Huene im Palazzo Reale gesehen. Ebenfalls im Palazzo Reale hat mir die Ausstellung von Leonor Fini sehr gut gefallen, eine der schönsten Ausstellungen, die ich in letzter Zeit gesehen habe. Hier ist sie sehr wichtig. Ich denke, es ist sehr gut für mich, die Visionen anderer Künstler aufzusaugen, die Art und Weise, wie bestimmte Ausstellungen aufgebaut sind, die Farben, das Licht, wie sie präsentiert werden. Dann war da noch die Installation von Nico Vascellari im Palazzo Reale. Das sind alles Anregungen, die man braucht und von denen man zunächst vielleicht gar nicht merkt, wie sehr sie den eigenen Geschmack, die eigene Kreativität beeinflussen können, aber dann kommt alles wieder zurück. Um auf die Frage zurückzukommen, wie man Caravaggio auf die Bühne bringen kann: Er ist ein sehr theatralischer Künstler, daher eignet er sich besonders gut, um auf die Bühne gebracht zu werden. Wir haben schneidende Lichter und andere Lichter, die Körper beleuchten und sie formen können. Wir haben einige Momente mit wirklich Caravaggio-ähnlichen Lichtern. Es ist eine sehr gute Kombination aus Ballett, Tanz, dem Körper des Tänzers und Caravaggio, seinen Gemälden, seinem Licht.
Wie revolutionär ist und kann Ihrer Meinung nach der Tanz sein?
Tanz kann sehr revolutionär sein. Das war er schon immer, denken Sie nur an Isadora Duncan in den Anfängen oder Nižinsky, der den Rahmen sprengte. Duncan zeigte den weiblichen Körper, der sich unter Schleiern bewegte, sie war ein großer Durchbruch, eine große Avantgarde. Und auch heute noch ist der Tanz revolutionär, denn viele zeitgenössische Choreographen interpretieren die Gegenwart, aber auch die Zukunft und kombinieren sie mit neuen Technologien, die mit visuellen Effekten und innovativen Lichtspielen auf die Bühne gebracht werden.
Hier ist der Tanz ein Ausdruck, der aus der Vergangenheit kommt, aber immer sehr in die Zukunft blickt. Er ist eine kontinuierliche Schöpfung, mit einer Sprache, die sich immer wieder erneuert. Und er kann sehr inspirierend sein und die Zeit prägen.
Seit Jahren setzt er sich persönlich dafür ein, den Tanz für alle zugänglich zu machen, im Fernsehen und mit sehr erfolgreichen Veranstaltungen. Geht das Ballett Caravaggio auch in diese Richtung?
Das Caravaggio-Ballett natürlich auch, für mich ist es ein Weg, den Tanz zu verbreiten, diese Mission der Verbreitung fortzusetzen, die im Laufe der Jahre mit den Rai1-Shows, mit OnDance, das im September nach Mailand zurückkehren wird, fortgesetzt wurde. Jetzt auch mit der Stiftung [Anm. d. Red.: die Roberto Bolle Stiftung, “die den Tanz in Italien und in der Welt unterstützen will, mit dem Ziel, die künstlerischen, kulturellen und menschlichen Werte, die der Tanz in sich trägt, zu verbreiten”], mit der ich diesen Weg fortsetze. Aber auch mit dem Ballett Caravaggio, das in die Theater gebracht wurde, und der Kombination, die wir anlässlich des Programms Rai1 und der Ausstellung im Palazzo Barberini geschaffen haben. Alles dient dazu, diese Botschaften leichter an die Öffentlichkeit zu bringen, das Publikum zu erweitern, mehr Menschen in die Ausstellungen und ins Theater zu bringen, und das ist sehr wichtig. Diese meine Reise in die Schönheit, die mit Caravaggio begann, wird diesen Sommer im Juli mit drei wunderbaren Terminen an wunderbaren Orten wie den Caracalla-Thermen, dem Griechischen Theater von Taormina und der Arena von Verona fortgesetzt. Zwei Vorstellungen in Caracalla am 15. und 16. Juli, in Taormina am 18. Juli und am 22. und 23. Juli in der magischen Arena di Verona. Selbst das Tanzen mit all dieser Geschichte, dieses Wunder, das hinter uns liegt, ist etwas, das einen großen Einfluss darauf hat, den Tanz für alle zugänglich zu machen.
IB. Siebzehn Jahre nach seiner Uraufführung in Berlin kam das Ballett Caravaggio dieses Jahr im Mai endlich nach Italien. Was bedeutet es für Sie, dass Sie es zum ersten Mal in unser Land gebracht haben?
Mauro Bigonzetti. Ich bin überglücklich, dieses Ballett nach siebzehn Jahren nach Italien gebracht zu haben, vor allem in dem Kontext, in dem wir es präsentiert haben, nämlich zunächst mit Roberto Bolle und dann mit dem Maggio Musicale Fiorentino und dem Teatro Arcimboldi in Mailand. Ich freue mich sehr, denn Roberto hat sowohl die Reife, die Sensibilität als auch die Körperlichkeit, um eine solche Rolle zu spielen. Meiner Meinung nach ist es der perfekte Zeitpunkt für Roberto, eine solche Rolle zu spielen, und er hat sie in der Tat perfekt gespielt. Ich bin so glücklich, denn es macht mich stolz, es gibt mir so viel Genugtuung; 60-70% meiner Arbeit habe ich im Ausland gemacht, in Italien ist es fast unbekannt. Dieses Ballett nach so vielen Jahren nach Italien zu bringen, war für mich eine enorme Genugtuung, und mit Roberto Bolle noch viel mehr.
Warum haben Sie sich entschieden, Caravaggio ein Ballett zu widmen? Haben Sie sich bei Ihrer Wahl von einer besonderen Leidenschaft für Merisi leiten lassen, oder spielte auch der klangvolle Name, der das Publikum fesselt, eine Rolle?
Dieses Werk habe ich vor siebzehn Jahren im Auftrag der Deutschen Oper Berlin mit dem Staatsballett Berlin erarbeitet. Man hat mich damals nach einem Thema gefragt, das mit der italienischen Kultur und Kunst zu tun hat, und ich habe Caravaggio gewählt. Und warum? Weil ich ohnehin das Art Institute besuchte und meine Jugendjahre in der figurativen Kunst verbrachte. Logischerweise war Caravaggio einer der vielen Maler, die ich liebte, vielleicht derjenige, den ich am meisten liebte, also sagen wir, ich trug es in mir und grübelte viele Jahre darüber nach. Caravaggio ist eine Figur, die ich in der Vergangenheit so sehr geliebt habe, und zum richtigen Zeitpunkt kam er mit dieser Anfrage des Berliner Theaters zurück, etwas mit einer stark italienischen Note zu machen.
Was fasziniert Sie an diesem Künstler?
Alles fasziniert mich an Caravaggio: sein Leben, sein künstlerisches Schaffen und vor allem das Geheimnis, das diese Figur umgibt. Er war für mich immer ein Mythos, sowohl sein Schaffen als auch sein Leben, auch wenn es, wie gesagt, ein Leben voller Geheimnisse und voller Unbekannter ist, aber es ist genau dieses Geheimnis, dieser Zauber, der diese Figur umgibt, der mich immer fasziniert hat.
Wie ist es Ihnen gelungen, die Kunst Caravaggios in Tanz zu verwandeln? Auf welche Elemente oder Aspekte haben Sie sich dabei besonders konzentriert?
Ich weiß nicht, ob es mir gelungen ist, Caravaggios Kunst in Tanz umzuwandeln, denn das ist ein, sagen wir mal, gigantisches Unterfangen. Aber die Aspekte, an denen ich gearbeitet habe, waren sicherlich die Schwingungen, die von Caravaggios Körpern ausgehen, die Spannungen der Körper, der Muskeln und der Haut der Protagonisten in Caravaggios Gemälden. Die Spannungen der Körper sind es, die mich am meisten inspiriert haben. Logischerweise sind wir nicht dazu übergegangen, Caravaggios Gemälde oder Kompositionen auf symbolische oder figurative Weise zu reproduzieren, aber es sind genau diese Spannungen der Körper, die meine Kreativität angetrieben haben, eine bestimmte Art von Arbeit zu machen. Diese Spannung ist die Flamme und auch die Hauptstoßrichtung des Werks.
Was ist mit der Musik, welche Stücke wurden ausgewählt?
Was die Musik betrifft, so hatten wir mit Maestro Bruno Moretti von Anfang an die Idee, etwas zu machen, das mit der historischen Periode Caravaggios zu tun hat, und genau in dieser Periode, zur gleichen Zeit, in der Caravaggio geboren wurde, vier Jahre früher, wurde auch Claudio Monteverdi geboren, sie lebten also in der gleichen historischen Periode, also schien es eine gute Idee zu sein, auch eine Parallele zur Musik zu ziehen, zwischen Musik und Malerei. Maestro Bruno Moretti nahm Klone von Claudio Monteverdis berühmtesten und wichtigsten Werken und machte daraus symphonische Musik, symphonische Musik für großes Orchester, was, kurz gesagt, ziemlich ungewöhnlich ist, weil alle Musik in dieser historischen Periode für sehr kleine Ensembles geschrieben wurde; das Konzept des Symphonismus gab es noch nicht. Moretti schuf diese symphonische Musik, indem er einige kleine Themen oder kleine Klone nahm und sie auf eine symphonische Weise des 20.
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