"L'art doit déranger et laisser perplexe, sinon il n'a pas de sens". Entretien avec Roberto Chiabrera

Roberto Chiabrera (Gênes, 1970) est, à notre avis, l’un des artistes les plus intéressants de la scène italienne contemporaine, et peut-être trop sous-estimé: il s’agit d’un art hors des sentiers battus (du moins hors des sentiers battus italiens, car il n’a rien d’italien), qui ne laisse pas indifférents ceux qui observent ses toiles. Tourmenté et fruit d’une sensibilité hors du commun, l’art de Roberto Chiabrera est global et ses références vont de la musique à la littérature, de la peinture à la vie quotidienne. Il nous a parlé directement de certaines de ses œuvres et a tenté d’approfondir notre compréhension de l’art en général. Entretien réalisé par Federico Giannini.

FG. Commençons par votre dernière exposition, “Hello there”, qui s’est tenue cet été à la galerie Ricci de Carrare.
RC. C’est une exposition dans laquelle j’ai présenté des peintures figuratives, des œuvres où j’ai essayé d’être plus libre, de raconter une partie de moi. Je donne quelques exemples. Dans l’une de ces peintures, que j’ai appelée Hawaiian Chemistry, je suis parti de l’idée de la peur du requin, une phobie que j’ai toujours eue et que je traîne depuis longtemps. Le protagoniste de l’œuvre est une personne qui ressemble presque à un extraterrestre, qui semble prier, un peu à contre-jour, et qui a, dans la poitrine et l’abdomen, des organes presque stylisés, qui sont cependant inventés, ils ne correspondent pas à des organes réels. Les mains sont en prière, séparées mais tournées vers le ciel, et le personnage est immergé dans l’eau jusqu’aux hanches et entouré d’ailerons de requin. C’est comme s’il priait pour que ces animaux soient inoffensifs. Derrière lui se trouve un paysage insulaire catastrophique, avec des palmiers d’une île tropicale, mais ils sont déformés, courbés, noirs, ils semblent presque brûlés, et dans le ciel apparaissent ces oiseaux qui se dispersent à contre-jour, car ils sont bleus par rapport à la base bleue du ciel. Je n’ai pas voulu encadrer le tableau: bien qu’il s’agisse d’une toile, j’ai voulu peindre un cadre ovale avec des décorations de fleurs hawaïennes sur les quatre côtés de la toile. Et en haut, il y a une date que j’ai voulu mettre comme date de début du tableau, le 7 juillet 2018: c’est parce que je voulais donner une date précise à l’événement, comme si le protagoniste était une sorte de saint sorti de l’eau comme un Christ, capable de finir par vaincre les requins. Ensuite, je continue à travailler sur des tableaux plus petits et caricaturaux: à Hello There, j’en ai exposé un dans lequel j’ai voulu créer une scène un peu plus malsaine, inspirée par la musique, qui est, avec le surf, l’une de mes deux grandes passions. Presque toutes mes œuvres partent de la musique: bien que je connaisse bien la scène artistique contemporaine (l’internet et les réseaux sociaux m’y aident beaucoup, car ils permettent de visiter des galeries dans le monde entier, et je vois des centaines, voire des milliers d’images en permanence), la musique reste pour moi le principal point de référence. Dans le tableau, les protagonistes sont des agriculteurs qui vont vénérer la figure peinte à la bombe derrière eux. Ils sont tournés vers cette sorte de divinité: et je les ai imaginés malveillants, méchants (à tel point qu’ils sont tous armés) tout simplement parce que je les ai aussi imaginés ignorants. Il y a l’ignorance à la base de la méchanceté de ces gens. Un autre tableau qui me tient à cœur est Metal Boy, un retour à ma passion pour le rock et la musique métal. Ici, nous voyons une personne qui essaie de jeter dans l’eau de la piscine une créature qui semble maléfique, mais qui en réalité ne l’est peut-être pas, parce qu’en fin de compte, nous ne savons pas clairement où se trouve le mal et où se trouve le bien: un sentiment renforcé également par le fait que les personnages à l’arrière-plan sont presque indifférents à la scène, ils sont indifférents à la violence. J’aime créer des choses qui restent en suspens, aussi parce qu’à la fin... elles ne sont pas très claires pour moi non plus !

Roberto Chiabrera, Chimie hawaïenne (2018 ; huile sur toile, 195 x 230 cm).

Roberto Chiabrera au travail sur Hawaiian Chemistry

Roberto Chiabrera, Be aggressive harvester (2018 ; acrylique et huile sur toile, 165 x 215 cm).

Roberto Chiabrera, Metal Boy (2018 ; acrylique et huile sur toile, 167 x 230 cm)

Roberto Chiabrera au travail sur Metal Boy

Ces recherches viennent cependant après une carrière qui a traversé différentes phases: votre art subit des transformations tout le temps....
Je travaille surtout par périodes. Ces deux dernières années, j’ai travaillé sur des œuvres très instinctives: je dois dire que je suis quelqu’un d’assez confus, et les dernières œuvres ne sont pas très réfléchies. Auparavant, en revanche, je travaillais beaucoup sur des œuvres particulièrement élaborées, sur des “concepts”, dans le sens où un tableau était composé de plusieurs images, qui pouvaient être cinq ou six, la plupart du temps dans un petit format. Il s’agissait d’histoires courtes dans lesquelles j’essayais toujours d’insuffler cette spiritualité qui m’accompagne d’une certaine manière, où j’essayais de parler du mal et du bien. Par exemple, pour aborder ces thèmes, il y a une dizaine d’années, j’ai créé une série (à l’époque, je travaillais sur des séries, et toutes les peintures portaient le titre de la série, je ne donnais jamais de titres: aujourd’hui, je me concentre davantage sur les œuvres individuelles), intitulée Projema, où les protagonistes étaient des personnes désireuses de vénérer quelque chose ou simplement de se connaître, et leurs actions étaient accompagnées de bandes dessinées. Et puis il y avait toujours une personne chargée de sauver le monde des illusions. Mais je ne savais pas vraiment de qui il tenait cette mission: c’était toujours très confus, et j’avais imaginé l’histoire comme celle d’un nouveau Jésus, comme l’histoire d’une nouvelle résurrection. Et pourtant, en même temps, ce personnage avait un temps déterminé pour sa mission de salut, mais il échouait néanmoins dans sa tâche. J’ai passé de longues périodes à chercher des images de guérisseurs, d’ermites, de prédicateurs qui pourraient me guider dans la représentation de cette sorte de société dont les membres, en fin de compte, allaient toujours à l’encontre de cette personne qui était censée les sauver et qui, en fin de compte, était d’une certaine manière punie. C’étaient des peintures très élaborées, j’y passais beaucoup de temps, j’utilisais une technique à l’huile très méticuleuse, je faisais attention aux couleurs, aux ombres. J’utilisais des toiles en lin, des couleurs très chères. Plus tard, j’ai éprouvé une sorte de rejet de la technique, car je ne pouvais plus peindre des œuvres très détaillées. J’ai donc cherché l’anéantissement, j’ai cherché une sorte d’abstractionnisme avec des peintures où je me débarrassais de toute cette peinture laborieuse et précise. Et pour moi, ce fut une libération: j’ai tout effacé, j’ai commencé à utiliser les couleurs comme elles me venaient, sans me soucier du résultat. Pendant un certain temps, j’ai poursuivi cette forme particulière d’abstractionnisme, puis j’ai cherché une forme plus hybride, comme dans la série Vision, dans laquelle je suis parti de l’idée d’une personne perdant conscience, se levant un matin et commençant à vivre une vie différente, une vie parallèle. Une personne atteinte d’une forme de démence, une sorte d’Alzheimer, et qui commence une journée totalement différente de ce qu’elle était auparavant. Avec les dernières œuvres, je suis revenu à un art plus figuratif, celui que je poursuis actuellement, mais qui me semble plus libre, plus exécuté sur l’impulsion du moment, sans se préoccuper des mesures et des détails.

Roberto Chiabrera, série Projema (2006 ; huile sur toile, 30 x 31 cm)

Roberto Chiabrera, Série Projema (2006 ; huile sur toile, 27 x 35 cm)

Roberto Chiabrera, Vision (2016 ; huile sur toile, 80 x 80 cm)

Roberto Chiabrera, Vision (2016 ; huile sur toile, 120 x 100 cm)

Roberto Chiabrera, Vision (2016 ; huile sur toile, 80 x 80 cm)

Roberto Chiabrera, Vision (2016 ; huile sur toile, 120 x 100 cm)

Roberto Chiabrera, Vision (2016 ; huile sur toile, 120 x 100 cm)

Roberto Chiabrera, Vision (2016 ; huile sur toile, 100 x 80 cm)

Quels effets ce voyage a-t-il eu sur votre technique? Comment travaillez-vous maintenant?
J’ai recommencé à utiliser beaucoup de couleurs, ce que j’avais mis de côté pendant un certain temps. J’utilise également de l’acrylique et des bases en aérosol, alors qu’auparavant, comme je l’ai dit, j’utilisais principalement de l’huile. J’aime les couleurs vives: quelques taches d’orange, de rose et de bleu, que je n’arrivais pas à obtenir avec l’huile comme je le faisais avec le spray. L’idée que je me fais d’un tableau me vient dès que je commence à griffonner une image, mais ensuite tout est toujours modifié au cours du processus, des détails apparaissent puis disparaissent, et ma technique est assez rapide aussi parce qu’une fois que j’ai fixé une idée pour moi, il est vraiment essentiel de la terminer, de l’achever le plus rapidement possible. Je ne peux pas rester trop longtemps sur le travail, en fait je veux me dépêcher, je dois travailler vite... Je me considère comme un perfectionniste, mais tout doit être fait rapidement: mon processus est très névrotique, et c’est pour cette raison que je dois agir vite. Et surtout, je voudrais dire que l’art est pour moi une nécessité. Je ressens le besoin de peindre et de réaliser... et c’est peut-être aussi pour cela que je ne me suis jamais attachée à mes œuvres: il y a quelque chose que je préfère, mais rien ne m’empêche de m’en détacher. Je répète que l’art est pour moi une nécessité, mais en même temps je dois m’en débarrasser: ce que je fais doit disparaître. C’est un peu exagéré, mais c’est comme ça que ça se passe pour moi.

Revenons à nos travaux récents. Cette année, à Pietrasanta, vous avez exposé l’une de vos dernières œuvres, Jimmy, au Banco BPM. Qui est Jimmy et en quoi est-il représentatif de votre art?
Ici aussi, il y a une référence à ma passion pour le surf. Ici aussi, on trouve un paysage dévasté, avec les résultats d’une explosion atomique, il y a une composante grotesque (on pense au film Dr Strangelove, mais aussi à Apocalypse Now), et j’ai appelé le tableau Jimmy parce que c’est le nom du personnage qui fait du surf, bien qu’il n’y ait pas de raison précise derrière le choix du nom, il m’est simplement venu à l’esprit de l’appeler comme ça. Derrière lui, c’est la catastrophe, c’est la fin du monde, mais il s’en sort en surfant simplement avec son ami, un chaton. Le sens de l’œuvre et sa représentativité de mon art sont résumés par l’inscription sous les deux protagonistes: “Jimmy et son ami se moquent de la fin”. Ce que j’ai vraiment pensé, c’est qu’une passion forte peut l’emporter sur la tragédie: Jimmy ne se dit pas vraiment “qui se soucie de la fin du monde”, il n’est pas indifférent à ce qui se passe derrière lui, mais il veut profiter de ce dernier moment pour attraper sa vague.

Roberto Chiabrera, Jimmy (2018 ; acrylique et huile sur toile, 167 x 235 cm).

Jimmy exposé au Banco BPM à Pietrasanta.

En remontant un peu plus loin dans le temps, on a dit de votre projet 12 Hours qu’il “ était né d’une expérience dramatique, de l’agonie et de la mort ”, et qu’il s’agissait d’un projet “ dans lequel la peinture devient une protestation contre la douleur et un moyen de la retravailler ”. Pouvez-vous nous parler plus en détail de ce projet et de ce qui l’a fait naître?
Il n’est pas très facile pour moi de parler de cette exposition, parce qu’à l’époque j’avais effacé tout ce qui était la figure pour moi: je voulais m’en extraire, même s’il y avait toujours la figure dans le processus de peinture, dans ma tête. 12 Hours était inhérent à un événement tragique de ma vie, que j’ai maintenant traité. Les figures qui apparaissent dans les tableaux de la série sont des figures presque anémiques, blanches, des figures de rebut, certaines angulaires, géométriques, tendant vers le construit, vers l’architecture, vers la machinerie, et d’autres rondes. Les formes angulaires représentaient les machines, l’architecture. Les formes plus douces, plus rondes, en revanche, donnaient l’idée de la douceur et de la fragilité du corps, mais aussi de la fragilité de l’humanité et de notre pensée, et représentaient la déchéance psychophysique. Et dans certains passages, ces traits se brouillent. Ce sont toutes des toiles monochromes, dans des tons de blanc, de gris et de noir, avec le fond de la toile laissé blanc. Ce sont des toiles faites presque sur le moment, plus raisonnées au niveau de l’esquisse et ensuite fixées sur la toile très rapidement. Dans cette série, j’ai voulu faire un effort pour accepter une réalité, j’ai essayé de me sentir à l’aise avec tout ce que je représentais, de ne pas me préoccuper des réactions que je recevrais du public: tout ce que je faisais, je devais m’y sentir à l’aise. Et c’est après cette exposition que je suis revenu à l’art figuratif.

Roberto Chiabrera, 12 heures (2014 ; 40 x 60 cm)

Roberto Chiabrera, 12 heures (2014 ; 50 x 70 cm)

Roberto Chiabrera, 12 heures (2014 ; 50 x 70 cm)

En effet, votre art est difficile, provoquant et quelque peu dérangeant. Y a-t-il une relation que votre travail recherche avec le spectateur?
Je ne crois pas. Cette tragédie que j’essaie d’extérioriser n’est pas facile à accepter pour le public, aussi parce qu’il s’agit de quelque chose de très intime, et pourtant dérangeant. Je pense qu’en Italie, nous avons un peu peur, nous n’osons pas, il n’y a pas de recherche qui nous pousse à essayer quelque chose de différent de ce que nous avons l’habitude de voir. Nous sommes un peu coincés en Italie: peut-être avons-nous trop d’histoire, peut-être nous sommes-nous arrêtés sur notre passé, nous nous sommes endormis sur le passé, oubliant de faire des pas importants en avant, vers une direction qui pourrait être... n’importe laquelle. Personnellement, je ne pense pas faire un art aussi puissant, mais en même temps je comprends que ce n’est pas facile, notamment parce que j’ai parfois du mal à présenter mes peintures. Et j’ai toujours ressenti cette réaction de la part du public, notamment parce que mon art est quelque chose qui m’implique. Mais je me rends compte qu’il y a aussi parfois une tendance à vouloir taire certains sujets: on aimerait toujours un art qui apaise.

C’est pourquoi les références de votre art, si fort et si visionnaire, devraient probablement être recherchées en dehors de l’Italie. Personnellement, par exemple, je vous choisirais si je devais illustrer une œuvre de William Burroughs, et parmi vos figures, je crois voir des artistes comme Bacon, Basquiat, Condo, Anna Boghiguian, mais aussi la culture underground, une bonne dose de pop art... Mais je voudrais vous demander: quelles sont vos références artistiques et culturelles?
Je regarde tout, je stocke et je retravaille tout. En parlant de Bacon, j’ai ici devant moi deux livres géants sur son œuvre. Mais au bout du compte, lorsque je transfère les données sur la toile, je pense que Bacon est loin, même s’il reste dans mon esprit. Cela signifie également que mes références sont très variées et vont au-delà de l’art. Par exemple, je pourrais citer les livres de Bukowski, Kurt Vonnegut, qui est une référence importante pour moi (son ironie très amère est un trait qui m’a beaucoup inspiré), je pourrais citer la musique, du hardcore au punk en passant par le rock. La forme d’art que je mentionnerais peut-être le moins est la peinture, mais même là, il y a des œuvres que j’apprécie. Un artiste que j’aime beaucoup est Raymond Pettibon (qui, soit dit en passant, dessine aussi des surfeurs). Ensuite, j’aime beaucoup Michael Borremans, même s’il est très éloigné de ce que je fais, et de la même manière, j’apprécie ceux qui font de la peinture très instinctive, par exemple Tala Madani avec ses contre-jours réalisés à la bombe et à l’huile, ou Sanya Kantarovsky, auteur d’œuvres rapides et même un peu malades, parce qu’on y trouve souvent des personnages à la limite, comme l’homme qui peut être dans son lit en train d’observer la petite fille de manière ambiguë, ou qui prend la main d’un enfant pour l’emmener on ne sait où. Je me considère certainement très éloigné de l’art conceptuel: soyons clairs, j’apprécie beaucoup d’art conceptuel, mais je ne m’y retrouve pas. Et ce, surtout en ce qui concerne les noms les plus connus, à l’exception peut-être d’Urs Fischer, qui est un peu plus proche d’un art un peu plus punk. Mais les grands noms de l’art contemporain, comme Ai Weiwei, Damien Hirst, Jeff Koons, ne me disent pas grand-chose. Je préfère les peintures d’Alex Katz, je les trouve merveilleuses. Et plus généralement, je suis inspiré par la vie et la musique, je me sens toujours proche de l’univers des plus jeunes, j’aime le monde du skateboard et du surf par exemple. Même si je ne manque jamais de jeter un coup d’œil à tout. J’utilise beaucoup Instagram: je trouve que c’est un moyen utile de découvrir tout ce qui se passe dans le monde de l’art et des galeries.

Que pensez-vous plutôt de la peinture italienne contemporaine? Y a-t-il des collègues dont vous admirez le travail ou dont l’œuvre vous fascine?
À mon avis, nous sommes toujours embourbés, et je ne vois rien qui suscite en moi des sentiments particuliers. Je pourrais citer Alessandro Pessoli, mais il a une approche très américaine de l’art, ou un excellent artiste comme Thomas Braida. En Italie, nous accordons encore trop d’attention à la figure, il suffit de regarder les lauréats de tous les grands concours. C’est peut-être vrai, mais je ne vois rien de particulièrement innovant. Il y avait peut-être plus d’effervescence il y a quelques années, mais aujourd’hui, nous avons vraiment du mal à nous laisser aller, nous n’essayons pas. Bref, à mon avis, il n’y a rien qui puisse faire bouger les choses. On a tendance à peindre la réalité que l’on vit, à peindre ce que l’on connaît. Il y a un besoin de sortir, de faire quelque chose que l’on n’a pas vu, qui n’existe pas. On tombe alors souvent sur des œuvres qui peuvent être perçues comme laides, avec pour conséquence que le public, lorsqu’il les voit, pense qu’il a affaire à de l’art “dérangeant”... un terme que je déteste d’ailleurs: mais à mon avis, il est bon que l’art soit dérangeant, car, selon l’étymologie du terme, cela signifie qu’il perturbe la paix. Un champ de fleurs ou une nature morte ne gâchent guère le calme (ou plutôt, ils le gâchent pour moi, mais beaucoup d’autres personnes qui observent des œuvres similaires éprouvent des sentiments agréables). L’art doit nous laisser perplexes, sinon il n’a pas de sens. C’est ainsi qu’il en est pour moi.

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