Judith décapitant Holopherne, le chef-d'œuvre d'Artemisia Gentileschi

Depuis les années 1570, la production d’Artemisia Gentileschi (Rome, 1593 - Naples, après 1653), fille du célèbre peintre Orazio, a toujours été associée dans une certaine mesure, notamment pour certains de ses sujets les plus récurrents, à la cause féministe, non seulement parce qu’elle fut une artiste de premier plan à une époque où la profession de peintre était essentiellement masculine (en 1616, elle fut la première femme à être admise à l’Académie des arts du dessin), mais aussi parce qu’elle fut la première femme à être admise à l’Académie des beaux-arts des arts du dessin en 1616. Les sujets récurrents, à la cause féministe, non seulement parce qu’elle fut une artiste de premier plan à une époque où la profession de peintre était essentiellement masculine (en 1616, elle fut la première femme à être admise à l’Accademia delle Arti del Disegno à Florence), mais aussi en raison de ses événements biographiques. Le thème de Judith et Holopherne, dont les célèbres tableaux du musée Capodimonte de Naples et des galeries des Offices de Florence viennent immédiatement à l’esprit, est exemplaire en ce sens.

L’histoire biographique a été évoquée parce qu’Artemisia a été victime d’un viol à l’âge de dix-huit ans par Agostino Tassi (Ponzano Romano, 1580 - Rome, 1644), qui était également peintre et ami ainsi que collaborateur de son père Orazio et qui, pour cette raison, fréquentait souvent la maison des Gentileschi. Tassi, tombé amoureux de la jeune peintre et profitant de l’absence d’Orazio, s’introduit dans la chambre d’Artemisia un jour de mai 1611: elle peignait à son chevalet lorsque le viol eut lieu ; on dit aussi que la servante Tuzia n’a rien fait pour empêcher le viol. Plusieurs procès suivirent l’événement et, outre les interrogatoires et les tortures qu’elle dut subir, Artemisia eut surtout à souffrir du déshonneur (tant à son égard qu’à celui de sa famille) que la mentalité de l’époque faisait peser sur la femme victime, comme si c’était de sa faute. Seul le mariage pouvait compenser ce déshonneur, et Tassi promit d’abord de l’épouser ; ils sortirent ensemble pendant quelques mois jusqu’à ce qu’on découvre qu’il était en fait déjà marié, ce qui rendit la promesse caduque. Au printemps 1612, Orazio adressa une pétition à la cour papale pour dénoncer la violence d’Agostino à l’égard de sa fille. L’affaire se termina par une condamnation à cinq ans de travaux forcés ou à l’exil de Rome: Tassi choisit la seconde option, mais ne resta hors de la ville que jusqu’en avril 1613, date à laquelle il réussit à faire annuler la sentence. Il est donc resté presque impuni.

D’un point de vue féministe, la représentation d’héroïnes telles que Judith décapitant Holopherne a été interprétée comme une sorte de vengeance d’Artemisia elle-même (et de toutes les femmes) contre Agostino Tassi (et de tous les hommes autoritaires qui utilisent des formes de violence pour intimider le beau sexe). En effet, s’il est sans doute vrai que le fait biographique a influencé au moins en partie son art et ses thèmes, on a aussi récemment souligné avec des expositions (rappelons l’exposition Artemisia Gentileschi e il suo tempo qui s’est tenue au Museo di Roma in Palazzo Braschi en 2017) comment la peintre avait réussi à surmonter avec une rapidité modérée les vicissitudes liées aux violences qu’elle avait subies, comment elle s’était bien intégrée dans les cours de l’époque, mais surtout comment cette violence représentée dans ces tableaux qui avaient donné force à des théories autobiographiques et féministes était en fait très récurrente aussi chez les artistes de ses contemporains, démontrant ainsi comment ces scènes violentes et quelque peu éclaboussantes, comme on dirait aujourd’hui, s’inscrivaient pleinement dans le contexte historico-artistique dans lequel Artemisia vivait et travaillait. En partant du Caravage, principal modèle de ces œuvres d’Artemisia, puis d’artistes tels que Valentin de Boulogne, Bartolomeo Mendozzi, Louis Finson et Giuseppe Vermiglio, comme le montre l’exposition Caravaggio et Artemisia ( 2022). Le défi de Judith , installé au Palazzo Barberini et consacré au thème unique de Judith, s’est développé à travers des comparaisons directes.

Le célèbre tableau de Capodimonte représente avec crudité le moment de la mise à mort d’ Holopherne par Judith et sa servante Abra: une représentation qui s’inspire clairement du célèbre chef-d’œuvre sur le même sujet réalisé par Le Caravage et conservé au Palais Barberini. Artemisia choisit donc d’arrêter sur la toile le moment exact de la décapitation et non les représentations fréquentes après la mise à mort, avec Judith sortant de la tente où l’acte a été accompli, portant la tête décapitée d’Holopherne dans ses mains ou dans une corbeille.

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Maria Cristina Terzaghi affirme que le tableau a été “le théâtre d’une identification presque totale” avec son homologue de Michelangelo Merisi. Comme l’explique l’universitaire, l’œuvre du Caravage se concentre sur lecri d’agonie d’Holopherne, contrebalancé toutefois “par la beauté intacte de l’héroïne”, qui coupe la tête du général d’une manière presque posée (bien qu’avec une expression de dégoût face au sang qui jaillit de son cou) ; l’œuvre d’Artemisia met plutôt l’accent sur l’effort physique et la violence de Judith et de la servante, qui s’aident mutuellement, complices de l’acte. Tandis que Judith maintient la tête du général d’une main, en le saisissant par les cheveux, et de l’autre saisit avec force l’épée pour le décapiter, la servante participe activement à l’action, en essayant d’immobiliser ses bras pour faciliter la tâche de l’autre. Holopherne, quant à lui, tente d’échapper à son destin en saisissant le col d’Abra, bien que l’entaille soit déjà faite, comme en témoigne le sang abondant qui a déjà trempé le drap blanc sur lequel il est allongé. Les yeux fixés dans le vide et la bouche entrouverte suggèrent également que l’homme est en train de rendre son dernier souffle avant de mourir. La force et l’élan que les deux femmes mettent dans leur geste sont également soulignés par les manches des robes relevées, qui laissent les avant-bras des deux femmes découverts. Cela crée un entrecroisement des bras nus des trois personnages qui donne un dynamisme supplémentaire à la scène.

Il convient également de souligner que dans le tableau de Capodimonte, Artemisia représente les deux femmes comme des contemporaines, contrairement au Caravage qui, dans son Judith, représente l’héroïne (en l’occurrence la seule à exécuter la décapitation) comme une jeune fille, tandis que la servante, une vieille femme ridée, assiste à la scène avec horreur, un drap dans les mains dans lequel elle cache la tête du général, comme pour imprimer sur son visage l’horreur de tout observateur témoin de l’action cruelle. Les deux femmes d’Artemisia se distinguent cependant par la position sociale exprimée par leurs robes: bleue, élégante et ornée d’or pour Judith, rouge et plus simple pour la servante.

L’histoire de Judith et Holopherne est bien connue: tirée de l’Ancien Testament, elle raconte que sous le règne de Nabuchodonosor, la belle et riche Judith, restée veuve, décide de libérer sa ville, Béthulie, assiégée depuis longtemps par le général assyrien Holopherne. Accompagnée de sa servante Abra, la jeune juive se porte volontaire pour rejoindre le camp adverse, feignant de trahir ses concitoyens en révélant leur faiblesse. Le général tombe dans le piège, convaincu lui aussi de pouvoir la posséder ; il donne un banquet en son honneur et, une fois rentré dans sa tente, ivre de vin, s’endort profondément. C’est alors que Judith, qui était entrée avec lui dans la tente, saisit son épée et le décapite, puis apporte la tête à son peuple. Ce dernier, fort du succès de la femme, finit par vaincre les Assyriens bouleversés par la mort de leur général. Selon l’Ancien Testament, la servante serait restée à l’extérieur de la tente, tenant le sac prêt à cacher la tête décapitée, et n’aurait donc pas participé aussi activement à la mise à mort que dans le tableau d’Artemisia.

Quant à la datation du tableau de Capodimonte, elle est encore incertaine: on la situe généralement au début du séjour florentin, comme une réponse plus ou moins directe aux violences subies par Agostino Tassi ou, en tout cas, comme le reflet d’uneélaboration psychologique du fait. En tenant compte du fait que le procès pour le viol a eu lieu en 1612, il est possible de dater l’œuvre vers 1613, mais Francesca Baldassarri a récemment avancé l’hypothèse d’une datation plus tardive, jusqu’en 1617, en raison d’un paiement effectué à Florence le 31 juillet 1617 par la noble Laura Corsini à Artemisia pour une Judith que l’universitaire a proposé d’identifier précisément avec celle de Capodimonte.

, Judith décapitant

Le thème de Judith décapitant Holopherne a également été reproposé par Artemisia Gentileschi dansune autre version, aujourd’hui conservée dans les galeries des Offices. Très semblable dans sa composition, au point que les spécialistes se sont d’abord divisés entre ceux qui soutenaient que cette dernière était antérieure à la version napolitaine et ceux qui soutenaient le contraire, la version florentine apparaît plus soigneusement et somptueusement peinte que la version napolitaine. Le débat sur la chronologie a été résolu grâce aux recherches techniques effectuées sur la peinture de Capodimonte, qui ont révélé de nombreux pentimenti, contrairement à la peinture des Offices, qui en est dépourvue. Il est donc clair que la version napolitaine est antérieure à l’autre. Datée d’environ 1620, la peinture des Offices représente également le moment de la décapitation d’Holopherne par la courageuse Judith. On y retrouve le croisement des bras nus des trois personnages, le général étendu sur le lit déjà taché de sang, l’épée plongeant dans son cou, la complicité de Judith et de la servante Abra, également représentée ici sous les traits d’une jeune femme. On remarque la couleur différente des vêtements des deux femmes (ceux de Judith sont jaunes et ceux d’Abra bleus) et l’ajout d’un bracelet d’or sur le bras nu de Judith, ainsi qu’un drapé rouge sur le corps d’Holopherne, mais le peintre n’hésite pas à inclure un détail gore, comme les éclaboussures de sang qui, telles des lignes épaisses, sortent de son cou, puis en gouttelettes éparses jusqu’à tacher le torse de l’héroïne. Achevé à Rome, où la peintre était retournée après son séjour à Florence et où elle pouvait encore être en contact avec les œuvres du Caravage, le tableau des Offices, commandé par le grand-duc Cosimo II de Médicis, fut d’abord méprisé pour son réalisme cru, au point qu’on lui refusa l’honneur d’être exposé dans la Galerie. Et ce n’est que grâce à son ami Galileo Galilei qu’Artemisia réussit à obtenir, avec beaucoup de retard, la compensation convenue au moment de la commande de la part du grand-duc, qui mourut cependant peu après l’achèvement du tableau, en 1621.

Il est inévitable que le sujet de Judith et Holopherne ait été cher à Artemisia parce qu’il était lié, même de façon minimale, à son expérience personnelle, mais indépendamment de la datation exacte et de la réinterprétation récente en fonction du contexte de l’histoire de l’art de l’époque, Judith décapitant Holopherne est l’un des plus grands chefs-d’œuvre de l’histoire de l’art de tous les temps et la preuve évidente d’une femme artiste indépendante qui s’est imposée grâce à ses grandes qualités de peintre dans un monde purement masculin.

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