Les paysages d'Edward Hopper: les vastes espaces américains entre mélancolie et progrès

Maisons au premier plan, arbres et végétation à l’arrière-plan et tout autour, collines à perte de vue avec phares, stations-service et routes désertes, voies ferrées avec couchers de soleil à l’horizon: les paysages d’ Edward Hopper (Nyack, 1882 - Manhattan, 1967) semblent enfermés dans une bulle feutrée, où règne le silence. Souvent représentés sans aucune présence humaine, même lorsqu’une figure féminine ou masculine apparaît à l’intérieur ou juste derrière la porte d’une habitation, il y a une absence totale de son ou de parole. Il n’y a pas de dialogue, pas de partage. Ce que Hopper représente, c’est un paysage muet et mélancolique. Et l’impression est souvent celle d’être devant des paysages infinis, dont pourtant seule une partie est visible pour l’observateur, une petite partie d’un ensemble immense.

Hopper est le peintre qui, plus que tout autre, a su raconter en profondeur la pureté américaine des paysages sans limites, où tout semble infini, où les distances s’étirent démesurément, où des kilomètres et des kilomètres séparent une ville d’une autre sur des routes interminables interrompues seulement par des stations-service. La véritable âme américaine se reflète dans l’ immensité des espaces qui semblent ne pas avoir de frontières ; ce n’est pas celle faite de paillettes et de brillants, de stars et d’Hollywood, mais plutôt celle où le progrès, la transformation du paysage par l’homme, a engendré la solitude. Hopper a bien rendu le concept d’une Amérique mélancolique, soulignant le côté sombre du progrès qui, contrairement à ce que l’on pourrait penser, a conduit à un plus grand éloignement entre les individus. Les paysages américains de Hopper sont des compositions claires et linéaires: les maisons sont fréquentes, symbolisant l’établissement humain ; les images de voies ferrées horizontales signifient le désir de l’homme de conquérir de grands et vastes espaces ; un ciel immense avec des détails lumineux particuliers, comme le plein soleil de midi ou la lueur crépusculaire, fait référence à l’infini et à la transformation constante de la nature ; un phare peut devenir un point de repère dans l’immensité de la mer et du littoral. Ce visage triste et solitaire de l’Amérique a également été dépeint dans plusieurs films à succès: North by Northwest d’Alfred Hitchcock, Danse avec les loups de Kevin Costner et Paris, Texas de Wim Wenders. Ce dernier a même réalisé, à l’occasion de l’exposition en cours jusqu’au 20 septembre 2020 à la Fondation Beyeler consacrée à Edward Hopper, qui présente soixante-cinq de ses œuvres de 1909 à 1965, un court-métrage en 3D intitulé Two or Three Things I know about Edward Hopper: un hommage personnel à l’artiste américain à travers un voyage sur les routes des États-Unis à la recherche de “l’esprit américain” de Hopper. Le célèbre cinéaste a parcouru l’Amérique pour recueillir ses impressions sur le peintre et donner vie à une œuvre cinématographique dans laquelle les œuvres les plus célèbres de l’artiste, telles que Morning Sun ou Gas, sont réalisées dans des moments évocateurs sur pellicule, permettant au spectateur de s’immerger littéralement dans les paysages américains et les décors mélancoliques dépeints dans les peintures de Hopper. Connu dans le monde entier surtout pour ses scènes de la vie urbaine dans les intérieurs domestiques, ou du moins sur le pas de la porte, et dans les lieux de rencontre publics où l’on perçoit cependant toujours le silence et la monotonie, l’aspect paysager de son art est encore peu abordé dans les expositions: la vaste exposition que la Fondation Beyeler consacre à ce thème est donc presque unique. Parallèlement, le célèbre musée suisse a choisi d’offrir à ses visiteurs une autre exposition consacrée au silence: Silent Vision. Images de calme et de tranquillité à la Fondation Beyeler entend en effet parcourir sa collection, de l’impressionnisme au contemporain, en suivant le thème du calme et de la tranquillité. La modernité, en tant qu’ère de progrès caractérisée par le mouvement et la vitesse, a vu naître un désir opposé de décélération , qui s’est exprimé artistiquement par de nouvelles images de calme et de silence.

Edward Hopper, Gas (1940 ; huile sur toile, 66,7 x 102,2 cm ; New York, The Museum of Modern Art)

Win Wenders, Two or three things I know about Edward Hopper (2020; fotogramma da film)

Win Wenders, Two or three things I know about Edward Hopper (2020 ; image du film)

Né en 1882 à Nyack, une petite ville située non loin de New York, Edward Hopper fréquente brièvement une école d’illustrateurs avant d’étudier la peinture à la New York School of Art. Il y est principalement influencé par Robert Henri, notamment sur l’idée que la vie quotidienne américaine peut fournir de nouveaux thèmes à aborder dans l’art, mais il y apprend aussi à apprécier les grands maîtres tels que Diego Velázquez, Jan Vermeer, Francisco Goya et Édouard Manet, des artistes qui ont commencé à donner un aperçu de la réalité. Il séjourne ensuite à Paris, où il étudie dans les musées et dans la rue, et assimile d’abord les principes de l’impressionnisme: il en subit l’influence en ce qui concerne l’observation attentive et l’utilisation des couleurs et de la lumière. Le peintre réalise principalement des peintures à l’huile, mais s’adonne également à la gravure. Son premier tableau acheté pour faire partie des collections du tout nouveau Museum of Modern Art en 1930 est House by therailroad, dans lequel les caractéristiques de son style sont déjà perceptibles: des formes clairement délimitées dans des paysages lumineux, une composition construite à partir d’un point de vue presque cinématographique et un sentiment de tranquillité inquiétante. À partir d’une exposition organisée au MoMA quelques années plus tard, Hopper est célébré pour son style très reconnaissable, où les villes, les paysages et les intérieurs domestiques sont imprégnés de silence et d’un sentiment d’éloignement. Souvent dépourvues de figures humaines, ses scènes de villes désertées, de stations-service vides et de chemins de fer également vides sont des symboles de silence et de solitude ; s’ils sont présents, les gens apparaissent rarement dans leur propre maison, mais dans des chambres d’hôtel, des bars ou des restaurants, toujours enveloppés dans ce sentiment de tranquillité aliénante.

L’artiste et son épouse, Josephine Verstille Nivison, également artiste, ont passé tous les étés des années 1930 aux années 1950 à Cape Cod, dans le Massachusetts, où ils possédaient une maison: de nombreux tableaux se déroulent à Cape Cod. Bien qu’à une époque de prospérité et d’optimisme dominant, son art a continué à montrer le fort sentiment de solitude de l’Amérique de l’après-guerre. Cependant, jusqu’à sa mort en 1967, Hopper a bénéficié du succès du public, qui l’a élu comme le principal représentant de la nouvelle génération d’artistes du réalisme américain, défini comme la représentation de la vie quotidienne des gens ordinaires dans une société contemporaine.

L’une des peintures les plus célèbres de l’artiste, Cape Cod Morning, a pour cadre Cape Cod. L’œuvre, créée en 1950 et aujourd’hui conservée au Smithsonian American Art Museum, peut être vue divisée en deux parties: à droite, les arbres formant une forêt dense en arrière-plan, à gauche une maison blanche aux volets verts, à la baie vitrée de laquelle se tient une femme de profil, le corps penché en avant ; le corps et le regard de la figure féminine sont tournés vers l’extérieur, vers quelque chose que l’observateur ne peut pas voir. Il est possible d’apercevoir la table sur laquelle elle pose les deux mains, dans une position tendue, une lampe et le dossier d’un fauteuil, mais le peintre, comme il a l’habitude de le faire, ne révèle pas au spectateur le sujet qui suscite l’attention de la femme. Les figures féminines des tableaux de Hopper ont pour modèle sa Jo, son épouse Joséphine Nivison. Cette œuvre, comme beaucoup d’autres de l’artiste, documente un moment de la vie quotidienne, que le spectateur n’est cependant pas autorisé à voir du tout, ce qui l’amène à imaginer ce qui se trouve au-delà de la scène représentée. Comme le souligne le poète et essayiste Mark Strand dans son ouvrage Edward Hopper. A Poet Reads a Painter, “les peintures de Hopper sont de courts moments isolés de description qui suggèrent le ton de ce qui va suivre tout en mettant en évidence le ton de ce qui a précédé [...].Plus elles sont théâtrales, proches de la scène, plus elles nous incitent à imaginer ce qui va se passer ensuite ; plus elles sont fidèles à la vie, plus elles nous incitent à construire le récit de ce qui a précédé”. Il ajoute dans une déclaration qui correspond à la femme à la fenêtre: “Les gens de Hopper semblent n’avoir aucune occupation. Ils sont comme des personnages abandonnés par leurs scénarios qui, piégés dans l’espace de leur propre attente, doivent se tenir compagnie, sans destination claire, sans avenir”.

Edward Hopper, Cape Cod Morning (1950 ; huile sur toile, 86,7 x 102,3 cm ; Washington, Smithsonian American Art Museum)

Edward Hopper, Second Story Sunlight (1960 ; huile sur toile, 102,1 x 127,3 cm ; New York, Whitney Museum of American Art)

Edward Hopper, Lighthouse Hill (1927 ; huile sur toile, 73,8 x 102,2 cm ; Dallas, Dallas Museum of Art)

Il en va de même pour le couple protagoniste de Second Story Sunlight, que Hopper a peint dans la dernière période de sa vie, sept ans avant sa mort, et qui est aujourd’hui conservé au Whitney Museum of American Art. Sur le balcon d’une maison, une femme est assise en bikini sur la balustrade pour prendre un bain de soleil, tandis qu’une autre femme lit le journal, profitant des rayons du soleil qui lui réchauffent le visage. L ’utilisation de la lumière est ici centrale: les façades des bâtiments sont entièrement éclairées par la lumière directe du soleil et les personnages représentés en profitent. Sous les rayons intenses du soleil, les couleurs sont beaucoup plus vives que dans les zones ombragées, notamment la forêt environnante, créant ainsi un jeu d’ombres et de lumières.

Une figure masculine se détache (et se fond presque) dans le célèbre tableau Gas, de 1940, conservé au Museum of Modern Art de New York. Ici aussi, une juxtaposition d’ombre et de lumière est créée: d’une part, l’impénétrabilité de la forêt qui encadre la scène, d’autre part, la lumière artificielle provenant des fenêtres de la station-service. Les trois pompes à essence se trouvent au centre et la présence de l’homme n’ajoute rien à la scène, sa présence ou son absence n’ayant aucune importance pour l’ensemble de la composition. Dans Portrait of Orleans, une peinture de 1950 conservée aux Fine Arts Museums of San Francisco, l’enseigne d’une station-service est visible au premier plan dans un virage des rues désertes d’Orléans. Une série de bâtiments est représentée devant des arbres et seule une voiture roule dans la rue au loin. Un sentiment de solitude et d’absence imprègne également la zone bâtie de la célèbre ville américaine.

Edward Hopper, Portrait d’Orléans (1950 ; huile sur toile, 66 x 101,6 cm ; San Francisco, Fine Arts Museum of San Francisco)

Edward Hopper, Route et maisons, South Truro (1930-1933 ; huile sur toile, 68,4 x 109,7 cm ; New York, Whitney Museum of American Art)

Edward Hopper, Cobb’s Barns, South Truro (1930-1933 ; huile sur toile, 74 x 109,5 cm ; New York, Whitney Museum of American Art)

Edward Hopper, Granit du Cap Ann (1928 ; huile sur toile, 73,5 x 102,3 cm ; collection privée)

Edward Hopper, Railroad Sunset (1929 ; huile sur toile, 74,5 x 122, cm ; New York, Whitney Museum of American Art)

Edward Hopper, Lee Shore (1941 ; huile sur toile, 71,8 x 109,2 cm ; Middleton Collection)

Edward Hopper, Square rock, Ogunquit (1914 ; huile sur toile, 61,8 x 74,3 cm ; New York, Whitney Museum of American Art)

Les figures humaines disparaissent complètement dans les paysages typiques de Hopper décrivant des paysages très proches de l’artiste, comme la série de peintures du Whitney Museum of American Art autour de Truro, en Cornouailles, les pâturages aux grands rochers de granit de Cape Ann, dans le Massachusetts, les voies ferrées rencontrées à travers l’Amérique, les collines sur lesquelles se dresse un phare blanc.

Hopper a réalisé le tableau Cape Ann Granite, qui a appartenu à la collection Rockefeller et fait désormais partie de la Fondation Beyeler en tant que prêt permanent, au cours de l’été 1928, période pendant laquelle il a également exécuté de nombreuses aquarelles représentant le paysage local. Des pâturages verdoyants et escarpés, interrompus çà et là par de gros blocs de granit, s’inclinent probablement vers l’océan, qui se trouve à droite au-delà du tableau. L’œuvre témoigne d’un intérêt important pour le paysage et pour les effets de lumière que le peintre parvient à créer sur les prairies.

Railroad Sunset au Whitney Museum of American Art, quant à lui, est construit sur une utilisation évocatrice de la couleur suivant des lignes horizontales. Déplacé vers la gauche, le petit bâtiment de signalisation ferroviaire est flanqué d’un grand poteau téléphonique et, sur les collines verdoyantes, le ciel devient rouge, orange, jaune, avec des éclaboussures de bleu, les couleurs d’un spectaculaire coucher de soleil à l’horizon. Après leur mariage, Hopper et Josephine Nivison ont entrepris plusieurs voyages en train au Colorado et au Nouveau-Mexique. En 1929, l’année où l’artiste a peint ce tableau, ils ont voyagé de New York à Charleston, en passant par la Caroline du Sud, le Massachusetts et le Maine. Cependant, plutôt qu’un lieu défini, le tableau vise à montrer l’immensité et le vide des paysages américains, ceux que le couple a certainement vus au cours de ses voyages.

Les paysages marins de Hopper sont également moins connus mais non moins importants: non seulement des collines, des pâturages et des routes, mais aussi des mers surplombées par des maisons blanches, des voiles blanches déployées et dont les vagues se brisent sur les rochers, comme dans Lee Shore de 1941 et Square Rock, Ogunquit, de 1914.

Les paysages d’Edward Hopper méritent d’être mieux connus, tout comme ses scènes de la vie urbaine, car ils donnent une idée du véritable esprit américain, souvent caché par les paillettes et les célébrités.

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