Piero Manzoni, vida y obra del autor de Merda d'Artista


Piero Manzoni, más conocido por su Merda d'Artista (Mierda de artista), no sólo fue un artista provocador, sino también brillante. He aquí su vida y sus obras.

Espíritu libre y provocador, Piero Manzoni (Soncino, 1933 - Milán, 1963) fue un artista de energía y creatividad inagotables que siempre trató de llevar al límite el potencial del arte. Gracias a su obra, el artista cremonés siempre dio que hablar, impresionó a visitantes, galeristas y coleccionistas, y conquistó su lugar como icono de la cultura occidental.

Milán fue el escenario de su vida: aquí el artista se formó, estudió, trabajó y tuvo contacto con las tendencias más innovadoras de la época, aunque a menudo viajaba a Albissola, en Liguria, destino frecuentado por muchos artistas. Al principio frecuentó a artistas pertenecientes al Grupo Nuclear, entre ellos Enrico Baj y Lucio Fontana, y más tarde al grupo alemán Zero. Con el pintor Enrico Castellani estableció una gran asociación, que llevó a los dos artistas a fundar la famosa revista Azimuth y la galería del mismo nombre. Su arte es la expresión visual de una idea, es el gesto que testimonia una presencia; sus intuiciones radicales y sus profundas elaboraciones mentales permitieron al artista alcanzar fama mundial.

Piero Manzoni
Piero Manzoni

Biografía de Piero Manzoni

PieroManzoni nació el 13 de julio de 1933 en Soncino, una pequeña ciudad de la provincia de Cremona. Hijo de Egisto Manzoni, conde de Chiosca y Poggiolo, y de Valeria Meroni, de la familia de la histórica Filanda Meroni, Manzoni recibió una educación aristocrática y católica, pasando su infancia y juventud entre Soncino y Milán. Tras terminar el bachillerato, en 1951 Piero se matriculó en la Facultad de Derecho de la Università Cattolica del Sacro Cuore de Milán. Fueron los años en los que desarrolló su interés por la lectura, los conciertos, el cine y el teatro. En 1953 empezó a dedicarse con más constancia a la pintura, atraído e inspirado por el paisaje ligur de Albissola, cerca de Savona, donde iba a menudo de vacaciones con su familia. Manzoni dejó la Facultad de Derecho en 1955 para cambiarse a la de Filosofía, por lo que se trasladó a Roma, pero regresó a Milán a finales de año. Comenzó a frecuentar la escena artística milanesa visitando los estudios de los artistas Roberto Crippa y Giani Dova, exponentes del Movimiento Espacial, promovido por el marchante Carlo Cardazzo e iniciado por el artista Lucio Fontana, a quien Manzoni probablemente conocía porque sus padres eran amigos de la familia.

En 1956, Manzoni realizó obras con impresiones de objetos, con óleo y materiales heterogéneos sobre lienzo . Ese mismo año participó en la "4ª Feria del Mercado. Exposición de Arte Contemporáneo’ en el Castello Sforzesco de Soncino, donde el pintor expuso Papillon Fox y Domani chi sa, que con sus tonos fuertes fascinaron y atrajeron la atención de todos los visitantes. En Milán, sin embargo, expuso en la Galleria San Fedele, participando en el “Premio de Pintura San Fedele 1956”. Con Ettore Sordini, Camillo Corvi-Mora y Giuseppe Zecca publica su primer cartel: Per la scoperta di una zona di immagini, el primero de una larga serie de carteles. Las primeras exposiciones colectivas comenzaron en 1957: Manzoni expuso el 15 de enero en la Galerie 17 de Múnich, organizada por Luca Scacchi Gracco con los artistas Lucio Fontana, Enrico Baj, Bruno Munari, Arnaldo Pomodoro y otros. Unos meses más tarde, otra exposición colectiva en Milán le permitió conocer al artista Dadamaino, que colaboró en las actividades de Azimuth, revista fundada por Manzoni y Enrico Castellani. El 29 de mayo se inauguró en la Galería Pater de Milán la exposición Manzoni, Sordini, Verga, acompañada de un texto introductorio de Fontana. Manzoni también empezó a exponer en contextos con artistas “historicistas”, como la Quinta Exposición del Mercado del Arte en la Galería Schettini de Milán.

A finales de 1957 pintó sus primeros“cuadros blancos”, primero con tiza y después con caolín y lienzo. En los meses siguientes, el artista tituló Achrome todos sus cuadros blancos. En 1958 continuó la producción de sus famosos Achromes, pero también ejecutó el primer Alfabeto con tinta y caolín sobre lienzo. En la exposición Fontana, Baj, Manzoni, en la Galleria Bergamo de Bérgamo, y después en la Galleria del Circolo di Cultura de Bolonia, el pintor expuso por primera vez sus “pinturas blancas”.

Fue en el verano de 1958 cuando Manzoni realizó su primer viaje a Holanda, donde entabló amistad con artistas como Gust Romijn y galeristas como Hans Sonnenberg. Fue en Holanda donde celebró su primera exposición individual al aire libre: Piero Manzoni Schilderijen, en Rotterdam (10-29 de septiembre de 1958). La actividad artística de Manzoni se volvió cada vez más frenética: sin embargo, entre las intensas horas de trabajo y estudio, no faltaron los viajes y las largas veladas dedicadas a beber e intercambiar ideas entre amigos.

En 1959 comenzaron los Achromes con lienzo cosido. En Roma conoce a artistas y galeristas de la nueva vanguardia como Tano Festa, Mario Schifano y Franco Angeli, y al intelectual, poeta y crítico Emilio Villa , que escribe un texto sobre la obra de Manzoni. La primera producción de Linee tuvo lugar en 1959 y en septiembre del mismo año se publicó el primer número de la revista Azimuth, fundada y dirigida por Manzoni y Castellani. En la revista aparecieron escritos de intelectuales y críticos, como Gillo Dorfles, y se reprodujeron obras de artistas como Fontana, Yves Klein, Jasper Johns y Robert Rauschenberg , así como poemas de Edoardo Sanguineti, Nanni Balestrini y otros. Después de la revista, Castellani y Manoni alquilaron un sótano en la Via Clerici de Milán, donde fundaron la Galería Azimuth, un espacio autogestionado como la revista del mismo nombre. El estilo de Manzoni se volvió más provocador: el artista creó Scultura nello spazio, una esfera neumática suspendida de un chorro de agua, así como Fiato d’artista, globos inflados por Manzoni, sellados y fijados sobre una base de madera. En la galería Azimuth presentó una de sus performances más famosas: La consumazione dell’arte dinamica in pubblico - divorare l’arte, en la que el artista firmaba unos huevos cocidos con la huella de su pulgar, que luego se distribuían al público y se comían. En 1961, empezó a firmar Esculturas vivientes, que luego se “certificaban” mediante Tarjetas de autenticidad, y en mayo creó las famosas noventa cajas de Merde de artista, expuestas por primera vez en la Galería Pescetto de Albissola. Sus últimas exposiciones incluyen la muestra Monocroma en la Galleria Il Fiore de Florencia en enero de 1963 y unos días más tarde inaugura una exposición individual en la Galerie Smith de Bruselas. El 6 de febrero de 1963, Piero Manzoni muere prematuramente en su estudio de Milán, con sólo veintinueve años, de un ataque al corazón.

Piero Manzoni, Domani chi sa (1956; óleo y cera sobre masonita, 89,5 x 69,5 cm; Colección particular)
Piero Manzoni, Domani chi sa (1956; óleo y cera sobre masonita, 89,5 x 69,5 cm; Colección particular)


Piero Manzoni, Achrome (1958; caolín sobre lienzo, 50 x 30 cm; Génova, Museo d'Arte Contemporanea di Villa Croce)
Piero Manzoni, Achrome (1958; caolín sobre lienzo, 50 x 30 cm; Génova, Museo d’Arte Contemporanea di Villa Croce)


Piero Manzoni, Alfabeto (1958; fotolitografía, 50 x 35 cm)
Piero Manzoni, Alfabeto (1958; fotolitografía, 50 x 35 cm)


Piero Manzoni, Linea di lunghezza infinita (1960; cilindro de madera y etiqueta de papel, 15 x 4,8 cm; Nueva York, Metropolitan Museum)
Piero Manzoni, Línea de longitud infinita (1960; cilindro de madera y etiqueta de papel, 15 x 4,8 cm; Nueva York, Metropolitan Museum)

Las principales obras y el estilo de Piero Manzoni

Las obras de Piero Manzoni impresionaron y provocaron los comentarios más variados desde el principio de su carrera. De hecho, el carácter provocador y profanador del artista le acompañó durante toda su vida. Las dos primeras obras Papillon Fox (1956) y Domani chi sa (1956) que presentó en la “IV Fiera Mercato. Exposición de Arte Contemporáneo”, presentan tonos ambiguos que, sin embargo, despertaron gran interés entre los visitantes. En estas primeras obras, la actitud del artista era surrealista, por lo tanto, principios psicoanalíticos, automatismos expresivos y gestuales que también estaban en sintonía con el Movimiento de Arte Nuclear, al que el artista se unió en 1957. Un año especialmente importante para el artista fue 1957, ya que se presentó como un año de gran experimentación artística, pero también de cuestionamiento de ciertos principios y métodos. Si, de hecho, el aspecto figurativo estaba ligeramente presente en las primeras obras, en 1957 el pintor cremonés se acercó cada vez más a concepciones matéricas, más “abstractas”, llegando finalmente a finales de año con sus famosos monocromos blancos. Las “pinturas blancas” del pintor no se llamarían Achrome hasta 1959. Las premisas del Achrome eran la “zona de libertad” o la “zona auténtica y virgen”, anunciada en el texto de su manifiesto de debut Por el descubrimiento de una zona de imágenes. Los acromos fueron realizados de forma sistemática por el pintor, que utilizó materiales y técnicas heterogéneos. Los distintos materiales utilizados le permitieron profundizar en el concepto de “génesis” de la obra de arte y, más en general, de la creación artística. La obra no ilustra un tema concreto ni hace referencia a nada más allá del marco, sino que esautorreferencial . El objetivo del artista era privar a la obra de todo contenido narrativo y, al eliminar el color, el único tema del cuadro pasó a ser la materia .

El artista también buscaba signos universales, lo que le llevó a crear su primer Alfabeto en 1958. La obra fue creada con tinta sobre lienzo y repite las letras “abcd” en tres columnas paralelas, impersonales, objetivas y frías. El proyecto de búsqueda de signos universales tomó una forma más orgánica cuando en 1962 elaboró 8 tablas de constatación, en un formato “carpeta” en el que aparecieron sesenta ejemplares numerados con ocho fotolitos publicados por Vanni Scheiwiller y con prefacio de Vincenzo Agnetti . Manzoni consideraba Linea uno de sus descubrimientos más importantes. La primera Linea fue realizada en la primavera de 1959 y consiste en una hoja rectangular oscura sobre la que se dibuja una línea oscura. A partir del verano de 1959, produjo líneas en rollos de papel que luego se enrollaban y cerraban en cilindros en los que se colocaba una etiqueta con la longitud, la fecha y la firma del artista. Fueron las primeras obras que rompieron con la bidimensionalidad del cuadro. En la obra Línea de longitud infinita (1960), expuesta en la Galería Azimut, al igual que en las anteriores, la etiqueta del cilindro muestra la longitud en centímetros de la línea creada por el artista, sin embargo, la línea no existe ya que es puro concepto. Los visitantes de la exposición no compraron la línea, sino la idea . Como dijo el propio artista en el texto Libera dimensione (Dimensión libre): “la composición de la forma, las formas en el espacio [...], todos estos problemas nos son ajenos: una línea sólo puede trazarse, muy larga, hasta el infinito [...]. La única dimensión es el tiempo”. La Long Line de 7.200 m fue creada en 1960 y luego sellada en un recipiente cilíndrico de zinc y plomo. Según las intenciones del artista, era la primera de una larga serie de líneas que debían enterrarse en las mayores ciudades del mundo y cuya suma total debía ser la de la circunferencia terrestre. Fue el intento extremo del artista de dar al arte la posibilidad de liberarse del lienzo, la posibilidad deuna extensión total .

Después de las Líneas, Manzoni desarrolló otras obras “tridimensionales”, como Corpi d’aria (1959), que denominó “esculturas neumáticas”. En una caja de madera, junto con una hoja de instrucciones, se colocaban un globo blanco que había que inflar y un trípode sobre el que luego se colocaban las esculturas neumáticas. Similar era Fiato d’artista (1960), un globo inflado por el propio artista. Las obras se vendían a 30.000 liras cada una. Los globos eran inflados directamente por el artista en presencia del comprador, incluyendo la ejecución de la obra en el precio, y el valor variaba según la cantidad de aliento introducido en el globo. La figura del artista pasa a ser central: la esencia, en este caso el aliento, se convierte ella misma en creación, en el momento en que se decide que debe ser Arte. Lo que cuenta, por tanto, es la firma del autor y no la obra en sí. Esta era la idea que Manzoni criticaba de forma irónica y provocadora en todas sus obras.

En la Galería Azimut, en 1960, Manzoni presentó una de sus dos “performances” más famosas, Consumir el arte dinámico del público, devorar el arte, en la que ofrecía a los visitantes huevos cocidos para comer, “firmados” por el artista con la huella de su pulgar. La obra parece un acto ritual de comunión y consumo entre artista, obra y público. Hay varias interpretaciones de la performance. La primera se basa en la interpretación místico-religiosa y se centra en la naturaleza simbólica de la comida, así como en el aspecto ritual y sacramental del acto. La segunda interpretación se basa en el consumo del huevo como posible negación de la mercantilización de la obra de arte. Esta última lectura nos permite situar la performance del artista como una forma particular de impugnación del sistema artístico oficial . Una variante es Egg Sculpture (1960), huevos con la cáscara y la huella dactilar del artista, conservados en una pequeña caja de madera, numerados y rellenos de algodón, como si se tratara de una reliquia. Manzoni, sin embargo, aún no estaba satisfecho, para él el arte tenía que ser total, no le bastaba con “salir” del lienzo, ahora el arte tenía que vivir, así que a partir de enero de 1961 el artista firmó personas como obras de arte. De la performance Esculturas viv ientes hay muchas fotos que documentan el acontecimiento, en estos preciosos documentos Manzoni firma a las personas, a las que luego da pegatinas que certifican su carácter artístico. La pegatina roja significa que la persona será una escultura viviente hasta la muerte, la pegatina morada es similar a la roja pero de pago, la amarilla indica que sólo una parte del cuerpo es una escultura viviente, mientras que la verde significa que la persona sólo será una escultura en determinadas posturas y actitudes. El último en firmar fue Umberto Eco.

En 1961 creó Basi magiche (Bases mágicas): un pedestal de madera que permite que un objeto o una persona se conviertan en una obra de arte siempre que el objeto o la persona se coloquen encima de la estructura. En 1961 Manzoni llegó a una intuición radical, llevando el concepto de arte hasta sus límites. Se trata de un paralelepípedo de un metro por ochenta centímetros en el que la inscripción invertida reza Socle du monde, - socle magique no.3 de Piero Manzoni - 1961 - Hommage à Galileo. Esta es la base que, con el pedestal orientado hacia el suelo y la inscripción al revés, alberga el globo terráqueo, las personas, la cultura y la naturaleza que se convierten en una obra de arte. Por último, una de las obras más provocadoras y desconcertantes de Manzoni es la famosa Merda d’ artista ( Cagada de artista) (1961), que casi sigue un proceso biológico natural, después de Fiato d’artista (Aliento de artista ) y Consumazione delle uova (Consumo de huevos): el pintor “digiere” todo. La obra se estuchó en mayo de 1961, en noventa ejemplares numerados. Es la obra que más influyó en la notoriedad de Manzoni como artista provocador y profanador. Encima de la caja, una etiqueta reza: “Mierda de artista. Contenido neto 30 gr. Conservado en su estado natural. Made in Italy”. En la parte superior de la lata figura el número y la firma del artista. El pasaje conceptual importante es la certificación de venta, según la cual el valor de la obra debe corresponder al valor diario del oro por gramo. La serie es, por tanto, una reflexión crítica sobre el consumo y la comercialización del arte y, más en general, de la sociedad de consumo capitalista. Piero Manzoni cuestionó el sentido mismo de la investigación artística, el papel del artista, pero también el del público, de modo que con su arte, siempre extremadamente provocador, contribuyó a la renovación del panorama artístico italiano.

Piero Manzoni, Cuerpos aéreos (1959; técnica mixta, varias dimensiones; Barcelona, MABCA)
Piero Manzoni, Cuerpos aéreos (1959; técnica mixta, varias dimensiones; Barcelona, MABCA)


Piero Manzoni, Aliento de artista (1960; globo, cuerda, bronce y base de madera, 35 x 180 x 185 mm; Londres, Tate Modern)
Piero Manzoni, Aliento de artista (1960; globo, cuerda, bronce y base de madera, 35 x 180 x 185 mm; Londres, Tate Modern)


Piero Manzoni, Escultura de huevo nº 29 (1960; tinta sobre huevo, caja de madera, 5,7 x 8,2 x 6,7 cm; Colección particular)
Piero Manzoni, Escultura de huevo nº 29 (1960; tinta sobre huevo, caja de madera, 5,7 x 8,2 x 6,7 cm; Colección privada)


Piero Manzoni, Mierda de artista (1961; caja de metal, 4,8 x 6,5 cm)
Piero Manzoni, Mierda de artista nº 3 (1961; caja de metal, 4,8 x 6,5 cm; Colección particular)

Dónde ver las obras de Piero Manzoni

La Fundación Piero Manzoni se creó en Milán en 2008. En ella se pueden ver muchas de las obras del pintor, y el instituto también promueve la investigación histórico-crítica sobre el artista, ya que conserva catálogos, fotografías, invitaciones y valiosos documentos. Además, la Fundación colabora con la Galería Gagosian.

En la Galería Nacional de Arte Moderno de Roma se pueden ver los Achromes de los años sesenta. En Milán, en la Fondazione Prada y en el Museo del Novecento, se exponen respectivamente el Achrome (1958-1959) y el Uovo scultura n.34 (1960). En el Museo del Novecento de Milán también se conserva un ejemplar de Merda d’ artista ( Mierda de artista ) (1961). En el Museo de Arte Contemporáneo de Herning (Dinamarca) se conserva una amplia colección de obras de Piero Manzoni, entre ellas varios Achromes, Linea lunga 7200 m (1960) y Socle du monde (1961) y Merda d ’artista (1961). En el MoMa (Museo de Arte Moderno de Nueva York) puede verse la famosa caja de mierda de artista (1961), así como en la Tate Modern de Londres, el Centro Georges Pompidou de París y varios otros museos que conservan ejemplares.

Piero Manzoni, vida y obra del autor de Merda d'Artista
Piero Manzoni, vida y obra del autor de Merda d'Artista


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