Piero Manzoni, vie et œuvre de l'auteur de Merda d'Artista

Esprit libre et provocateur, Piero Manzoni (Soncino, 1933 - Milan, 1963) était un artiste à l’énergie et à la créativité inépuisables, qui a toujours cherché à repousser les limites du potentiel de l’art. Grâce à son œuvre, l’artiste crémonais a toujours su faire parler de lui, a impressionné les visiteurs, les galeristes et les collectionneurs, et a conquis sa place d’icône dans la culture occidentale.

Milan a été le cadre de sa vie : c’est là que l’artiste s’est formé, a étudié, a travaillé et a été en contact avec les tendances les plus novatrices de l’époque, même s’il se rendait souvent à Albissola, en Ligurie, une destination fréquentée par de nombreux artistes. Il fréquente d’abord les artistes du groupe Nuclear, dont Enrico Baj et Lucio Fontana, puis le groupe allemand Zero. Avec le peintre Enrico Castellani, il a établi une grande association qui a conduit les deux artistes à fonder la célèbre revue Azimuth et la galerie du même nom. Son art est l’expression visuelle d’une idée, c’est le geste qui témoigne d’une présence ; ses intuitions radicales et ses profondes élaborations mentales ont permis à l’artiste de devenir célèbre dans le monde entier.

Piero Manzoni

Biographie de Piero Manzoni

Piero Man zoni est né le 13 juillet 1933 à Soncino, petite ville de la province de Crémone. Fils d’Egisto Manzoni, comte de Chiosca et de Poggiolo, et de Valeria Meroni, de la famille de l’historique Filanda Meroni, Manzoni reçoit une éducation aristocratique et catholique, passant son enfance et sa jeunesse entre Soncino et Milan. Après le baccalauréat, Piero s’inscrit en 1951 à la faculté de droit de l’Università Cattolica del Sacro Cuore de Milan. C’est au cours de ces années qu’il développe son intérêt pour la lecture, les concerts, le cinéma et le théâtre. En 1953, il commence à se consacrer de manière plus cohérente à la peinture, attiré et inspiré par le paysage ligure d’Albissola, près de Savone, où il se rendait souvent en vacances avec sa famille. En 1955, Manzoni quitte la faculté de droit pour passer à la faculté de philosophie et s’installe à Rome, mais revient à Milan à la fin de l’année. Il commence à fréquenter la scène artistique milanaise en visitant les ateliers des artistes Roberto Crippa et Giani Dova, représentants du Mouvement Spatial, promu par le marchand d’art Carlo Cardazzo et initié par l’artiste Lucio Fontana, que Manzoni a probablement connu parce que ses parents étaient des amis de la famille.

En 1956, Manzoni réalise des œuvres avec des empreintes d’objets, à l’huile et avec des matériaux hétérogènes sur toile . La même année, il participe à la “4e Foire du marché. Exposition d’art contemporain” au Castello Sforzesco de Soncino, où le peintre expose Papillon Fox et Domani chi sa, qui, avec leurs tons forts, fascinent et attirent l’attention de tous les visiteurs. À Milan, en revanche, il expose à la Galleria San Fedele et participe au “Prix de peinture San Fedele 1956”. Avec Ettore Sordini, Camillo Corvi-Mora et Giuseppe Zecca, il publie sa première affiche : Per la scoperta di una zona di immagini, la première d’une longue série d’affiches. Les premières expositions collectives commencent en 1957 : Manzoni expose le 15 janvier à la Galerie 17 de Munich, organisée par Luca Scacchi Gracco avec les artistes Lucio Fontana, Enrico Baj, Bruno Munari, Arnaldo Pomodoro et d’autres. Quelques mois plus tard, une autre exposition collective à Milan lui permet de rencontrer l’artiste Dadamaino, qui collabore aux activités d’Azimuth, , revue fondée par Manzoni et Enrico Castellani. Le 29 mai, l’exposition Manzoni, Sordini, Verga est inaugurée à la Galleria Pater de Milan, accompagnée d’un texte introductif de Fontana. Manzoni commence également à exposer dans des contextes d’artistes “historicisés”, comme la cinquième exposition du marché de l’art à la Galleria Schettini de Milan.

Vers la fin de l’année 1957, il peint ses premiers“tableaux blancs”, d’abord à la craie, puis avec du kaolin et de la toile. Dans les mois qui suivent, l’artiste intitule toutes ses peintures blanches Achrome . En 1958, il poursuit la production de ses célèbres Achromes mais exécute également le premier Alphabet à l’encre et au kaolin sur toile. Lors de l’exposition Fontana, Baj, Manzoni à la Galleria Bergamo de Bergame, puis à la Galleria del Circolo di Cultura de Bologne, le peintre expose pour la première fois ses “peintures blanches”.

C’est au cours de l’été 1958 que Manzoni effectue son premier voyage en Hollande, où il se lie d’amitié avec des artistes comme Gust Romijn et des galeristes comme Hans Sonnenberg. C’est en Hollande qu’il organise sa première exposition personnelle en plein air : Piero Manzoni Schilderijen, à Rotterdam (10-29 septembre 1958). L’activité artistique de Manzoni devient de plus en plus frénétique : entre les heures intenses de travail et d’étude, les voyages et les longues soirées passées à boire et à échanger des idées entre amis ne manquent pas.

En 1959, commencent les Achromes avec toile cousue. À Rome, il rencontre des artistes et des galeristes de la nouvelle avant-garde tels que Tano Festa, Mario Schifano et Franco Angeli, ainsi que l’intellectuel, poète et critique Emilio Villa, qui écrit un texte sur l’œuvre de Manzoni. La première production de Linee a eu lieu en 1959 et, en septembre de la même année, le premier numéro de la revue Azimuth, fondée et dirigée par Manzoni et Castellani, a été publié. Des écrits d’intellectuels et de critiques, comme Gillo Dorfles , y sont publiés , des œuvres d’artistes comme Fontana, Yves Klein, Jasper Johns et Robert Rauschenberg sont reproduites, ainsi que des poèmes d’Edoardo Sanguineti, de Nanni Balestrini et d’autres. Après la revue, Castellani et Manoni louent un sous-sol dans la Via Clerici à Milan, où ils fondent la galerie Azimuth, un espace autogéré comme la revue du même nom. Le style de Manzoni devient plus provocateur : l’artiste crée Scultura nello spazio, une sphère pneumatique suspendue à un jet d’eau, ainsi que Fiato d’artista, des ballons gonflés par Manzoni, scellés et fixés sur un socle en bois. À la galerie Azimuth, il présente l’une de ses performances les plus célèbres : La consumazione dell’arte dinamica in pubblico - divorare l’arte, dans laquelle l’artiste signe de l’empreinte de son pouce des œufs durs qui sont ensuite distribués au public et mangés. En 1961, il commence à signer des sculptures vivantes, qui sont ensuite “certifiées” par des cartes d’authenticité, et en mai, il crée les célèbres quatre-vingt-dix boîtes de Merde d’artiste, exposées pour la première fois à la galerie Pescetto d’Albissola. Parmi ses dernières expositions, citons l’exposition Monocroma à la Galleria Il Fiore de Florence en janvier 1963 et, quelques jours plus tard, l’inauguration d’une exposition personnelle à la Galerie Smith de Bruxelles. Le 6 février 1963, Piero Manzoni meurt prématurément dans son atelier de Milan, à l’âge de vingt-neuf ans, d’une crise cardiaque.

Piero Manzoni, Domani chi sa (1956 ; huile et cire sur masonite, 89,5 x 69,5 cm ; collection privée)

Piero Manzoni, Achrome (1958 ; kaolin sur toile, 50 x 30 cm ; Gênes, Museo d’Arte Contemporanea di Villa Croce)

Piero Manzoni, Alphabet (1958 ; photolithographie, 50 x 35 cm)

Piero Manzoni, Ligne de longueur infinie (1960 ; cylindre en bois et étiquette en papier, 15 x 4,8 cm ; New York, Metropolitan Museum)

Les principales œuvres et le style de Piero Manzoni

Les œuvres de Piero Manzoni ont impressionné et suscité les commentaires les plus divers dès le début de sa carrière. En fait, le caractère provocateur et profanateur de l’artiste l’a accompagné tout au long de sa vie. Les deux premières œuvres Papillon Fox (1956) et Domani chi sa (1956) qu’il a présentées à la “IV Fiera Mercato. Exposition d’art contemporain”, présentent des tons ambigus qui ont néanmoins suscité un grand intérêt de la part des visiteurs. Dans ces premières œuvres, l’attitude de l’artiste est surréaliste, avec des principes psychanalytiques, des automatismes expressifs et gestuels qui sont également en phase avec le mouvement de l’art nucléaire, auquel l’artiste adhère en 1957. L’année 1957 est particulièrement importante pour l’artiste car elle se présente comme une année de grande expérimentation artistique mais aussi de remise en question de certains principes et méthodes. Si, en effet, l’aspect figuratif était légèrement présent dans les toutes premières œuvres, en 1957, le peintre crémonais s’est rapproché de plus en plus de conceptions matérielles, plus “abstraites”, pour arriver à la fin de l’année à ses fameux monochromes blancs. Ce n’est qu’en 1959 que les “peintures blanches” du peintre seront appelées Achrome . Les prémisses de l’Achrome sont la “zone de liberté” ou la “zone authentique et vierge”, annoncée dans le texte de son premier manifeste Pour la découverte d’une zone d’images. Les achromes ont été réalisés de manière systématique par le peintre, qui a utilisé des matériaux et des techniques hétérogènes. Les différents matériaux utilisés lui ont permis d’approfondir le concept de “genèse” de l’œuvre d’art et plus généralement de la création artistique. L’œuvre n’illustre pas un sujet spécifique, ni ne fait référence à quoi que ce soit au-delà du cadre, mais elle est autoréférentielle . Le but de l’artiste était de priver l’œuvre de tout contenu narratif et, en éliminant la couleur, le seul sujet du tableau est devenu la matière .

L’artiste recherche également des signes universels, ce qui l’amène à créer son premier Alphabet en 1958. L’œuvre, réalisée à l’encre sur toile, répète les lettres “abcd” en trois colonnes parallèles, impersonnelles, objectives et froides. Le projet de recherche de signes universels prend une forme plus organique lorsqu’en 1962 il élabore 8 tableaux de constatation, dans un format “dépliant” dont soixante exemplaires numérotés paraissent avec huit photolithographies publiées par Vanni Scheiwiller et préfacées par Vincenzo Agnetti . La Linea est considérée par Manzoni comme l’une de ses découvertes les plus importantes. La première Linea a été réalisée au printemps 1959 et consiste en une feuille rectangulaire foncée sur laquelle est tracée une ligne foncée. À partir de l’été 1959, il réalise des lignes sur des rouleaux de papier qui sont ensuite enroulés et fermés en cylindres sur lesquels est apposée une étiquette indiquant la longueur, la date et la signature de l’artiste. Ce sont les premières œuvres qui sortent de la bidimensionnalité de la peinture. Dans l’œuvre Line of Infinite Length (1960), exposée à la galerie Azimut, comme dans les précédentes, l’étiquette sur le cylindre indique la longueur en centimètres de la ligne créée par l’artiste, mais la ligne n’existe pas puisqu’il s’agit d’un pur concept. Les visiteurs de l’exposition n’ont pas acheté la ligne, mais l’idée . Comme le dit l’artiste lui-même dans le texte Libera dimensione (Dimension libre) : “la composition de la forme, les formes dans l’espace [...], tous ces problèmes nous sont étrangers : une ligne ne peut être tracée que très longuement, jusqu’à l’infini [...]. La seule dimension est le temps”. La Longue Ligne de 7200 m a été réalisée en 1960, puis scellée dans un récipient cylindrique de zinc et de plomb. Selon les intentions de l’artiste, il s’agissait de la première d’une longue série de lignes qui devaient être enterrées dans les plus grandes villes du monde et dont la somme totale devait être celle de la circonférence de la terre. C’est la tentative extrême de l’artiste de donner à l’art la possibilité de s’affranchir de la toile, la possibilité d’uneextension totale .

Après les Lignes, Manzoni a développé d’autres œuvres “tridimensionnelles” comme les Corpi d’aria (1959), qu’il a appelées “sculptures pneumatiques”. Dans une boîte en bois, accompagnée d’une feuille d’instructions, se trouvaient un ballon blanc à gonfler et un trépied sur lequel les sculptures d’air étaient ensuite placées. Fiato d’artista (1960), un ballon gonflé par l’artiste lui-même, était similaire. Les œuvres ont été vendues au prix de 30 000 lires chacune. Les ballons étaient gonflés directement par l’artiste en présence de l’acheteur, l’exécution de l’œuvre étant incluse dans le prix, et la valeur variait en fonction de la quantité de souffle mise dans le ballon. La figure de l’artiste devient centrale : l’essence, en l’occurrence le souffle, devient elle-même création, à partir du moment où il est décidé qu’il doit s’agir d’Art. Ce qui compte alors, c’est la signature de l’auteur et non l’œuvre elle-même. C’est cette idée que Manzoni critique de manière ironique et provocatrice dans toutes ses œuvres.

À la galerie Azimut en 1960, Manzoni a présenté l’une de ses deux “performances” les plus célèbres, à savoir Consuming the public’s dynamic art, devouring art, où il offrait aux visiteurs des œufs durs à manger, “signés” par l’artiste avec l’empreinte de son pouce. L’œuvre semble être un acte rituel de communion et de consommation entre l’artiste, l’œuvre et le public. Il existe plusieurs interprétations de la performance. La première est basée sur l’interprétation mystico-religieuse et se concentre sur la nature symbolique de la nourriture, ainsi que sur l’aspect rituel et sacramentel de l’événement. La seconde interprétation se fonde sur la consommation de l’œuf en tant que négation potentielle de la marchandisation de l’œuvre d’art. Cette dernière lecture nous permet de situer la performance de l’artiste comme une forme particulière de contestation du système artistique officiel . Une variante est Egg Sculpture (1960), des œufs avec la coquille et l’empreinte digitale de l’artiste, conservés dans une petite boîte en bois, numérotés et remplis de coton, comme s’il s’agissait d’une relique. Manzoni, cependant, n’était pas encore satisfait, pour lui l’art devait être total, il ne lui suffisait pas de “sortir” de la toile, il fallait maintenant que l’art vive, c’est pourquoi, à partir de janvier 1961, l’artiste a signé des personnes en tant qu’œuvres d’art. Dans ces précieux documents, Manzoni signe des personnes, qui reçoivent ensuite des autocollants attestant de leur qualité artistique. L’autocollant rouge signifie que la personne sera une sculpture vivante jusqu’à sa mort, l’autocollant violet est similaire à l’autocollant rouge mais payant, l’autocollant jaune indique que seule une partie du corps est une sculpture vivante, tandis que l’autocollant vert signifie que la personne ne sera une sculpture que dans certaines positions et attitudes. Le dernier signataire est Umberto Eco.

En 1961, il crée les Basi magiche (Bases magiques) : un piédestal en bois qui permet à un objet ou à une personne de devenir une œuvre d’art à condition que l’objet ou la personne se tienne au-dessus de la structure. En 1961, Manzoni parvient à une intuition radicale, poussant le concept d’art jusqu’à ses limites. Il s’agit d’un parallélépipède d’un mètre sur quatre-vingts centimètres où l’on peut lire, à l’envers, Socle du monde, - socle magique no.3 de Piero Manzoni - 1961 - Hommage à Galilée. C’est la base qui, avec le piédestal tourné vers le sol et l’inscription à l’envers, contient le globe, les personnes, la culture et la nature qui deviennent une œuvre d’art. Enfin, l’une des œuvres les plus provocantes et déconcertantes de Manzoni est la célèbre Merda d’artista (1961), qui suit presque un processus biologique naturel, après Fiato d’artista (haleine d’artiste) et Consumazione delle uova (consommation d’œufs) : le peintre “digère” le tout. L’œuvre est mise en boîte en mai 1961, en quatre-vingt-dix exemplaires numérotés. C’est l’œuvre qui a le plus influencé la notoriété de Manzoni en tant qu’artiste provocateur et profanateur. Au-dessus de la boîte, une étiquette indique “merde de l’artiste”. Contenu net 30 gr. Conservée à l’état naturel. Fabriqué en Italie". Sur le dessus de la boîte figurent le numéro et la signature de l’artiste. Le passage conceptuel important est la certification de vente, selon laquelle la valeur de l’œuvre doit correspondre à la valeur quotidienne de l’or par gramme. La série est donc une réflexion critique sur la consommation et la commercialisation de l’art et, plus généralement, sur la société de consommation capitaliste. Piero Manzoni s’est interrogé sur le sens même de la recherche artistique, sur le rôle de l’artiste mais aussi sur celui du public. Avec son art toujours extrêmement provocateur, il a contribué au renouvellement de la scène artistique italienne.

Piero Manzoni, Breath of Air (1959 ; mixed media, diverses dimensions ; Barcelone, MABCA)

Piero Manzoni, Souffle de l’artiste (1960 ; ballon, corde, bronze et socle en bois, 35 x 180 x 185 mm ; Londres, Tate Modern)

Piero Manzoni, Sculpture sur œuf n° 29 (1960 ; encre sur œuf, boîte en bois, 5,7 x 8,2 x 6,7 cm ; collection privée)

Piero Manzoni, Merde d’artiste n° 3 (1961 ; boîte en métal, 4,8 x 6,5 cm ; collection privée)

Où voir les œuvres de Piero Manzoni

La Fondation Piero Manzoni, créée à Milan en 2008, permet de voir de nombreuses œuvres du peintre et favorise la recherche historico-critique sur l’artiste en conservant des catalogues, des photographies, des invitations et des documents précieux. En outre, la Fondation collabore avec la Galerie Gagosian.

À la Galerie nationale d’art moderne de Rome, il est possible de voir les Achromes des années 1960. À Milan, la Fondazione Prada et le Museo del Novecento exposent respectivement l’Achrome (1958-1959) et Uovo scultura n.34 (1960). Un exemplaire de Merda d’artista (1961) est également conservé au Museo del Novecento de Milan. CŒUR : Le musée d’art contemporain de Herning, au Danemark, possède une importante collection d’œuvres de Piero Manzoni, dont plusieurs Achromes, Linea lunga 7200 m (1960), Socle du monde (1961) et Merda d’artista (1961). Au MoMa (Museum of Modern Art, New York), on peut voir la fameuse boîte de merde de l’artiste (1961), ainsi qu’à la Tate Modern de Londres, au Centre Georges Pompidou de Paris et dans plusieurs autres musées qui en possèdent des exemplaires.

Piero Manzoni, vie et œuvre de l'auteur de Merda d'Artista

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