Luca Rossi es un colectivo artístico y crítico que lleva desde 2009 arremetiendo contra el mundo del arte contemporáneo, en directo y en línea, con acciones puntuales, obras de arte que a menudo se han centrado en temas de gran actualidad (por ejemplo, la infodemia, el flujo constante de imágenes al que estamos sometidos y la consiguiente saturación, el compromiso político de los artistas), así como escritos críticos a menudo polémicos, muchos de los cuales también han sido acogidos por Finestre sull’Arte. Con motivo de la Quadriennale di Roma 2025, que se inaugurará el 11 de octubre, y de la próxima edición de Artissima, que comenzará en Turín el 31 de octubre, Luca Rossi propondrá una acción que define como “inmersiva”, destinada a poner de relieve el mecanismo de especulación que está matando el arte contemporáneo y cuál podría ser el antídoto: el sentido crítico que cada uno puede desarrollar para marcar la diferencia y comprender los valores de la obra de arte. Nos pusimos al día con él para que nos diera algunas ideas. La entrevista es de Federico Giannini.
FG. Pronto realizarás dos acciones especialmente interesantes en Roma, con motivo de la inauguración de la Quadriennale, y en Turín, durante Artissima. ¿Puede anticipar algo a nuestros lectores? ¿Qué está preparando?
LR. Todos los problemas del mundo, hasta los de nuestra vida privada, tienen hoy una raíz cultural, por lo que en Roma y Turín demostraré cómo el verdadero valor cultural debe buscarse en las maneras, las actitudes, las visiones y las actitudes, y no en los “objetos de arte” y el “entretenimiento”, que sólo deberían ser las consecuencias eventuales de lo que he llamado la “NUBE M.A.V.A.” (maneras, actitudes, visiones y actitudes). ¿Cómo funciona el sistema de especulación en el mercado del arte? ¿Qué antídoto contra ella? ¿Cómo “entrenar nuevos ojos” y ver el valor de la obra de arte en nuestras vidas? Esto no será una lección, sino una experiencia que cambiará nuestra forma de “ver”. Si la obra de arte no tiene valor para nuestra vida, podemos enterrarla.
Tus acciones siempre han pretendido poner de manifiesto cuál debe ser el valor de la obra de arte. Pero “valor” es al menos una doble expresión: por un lado, el valor material, el valor económico, el valor de mercado. Y por otro el valor simbólico, el valor de la obra de arte para nuestras vidas. Sus acciones llevan al público a centrarse en ambos. Hablemos, mientras tanto, del valor material. Usted se ha manifestado a menudo en contra de los precios de gran parte del arte contemporáneo, y no pocas veces ha expresado su opinión sobre cuánto cree que deberían costar realmente las obras, y también ha sido muy duro con ellas, con precios de cinco cifras de artistas conocidos que, según usted, están inflados en un 80-90%. Y esto para quedarse en la franja media-alta, así que sin tocar a los artistas de precios más altos. ¿Le gustaría explicar por qué cree que los artistas deberían revisar el valor de sus obras, teniendo en cuenta además que el precio también incluye todo lo que no vemos (intermediación, transporte, catálogos, exposiciones, marketing, etc.)?
Si hay distintos precios en el mercado, es evidente que hay distintos valores artísticos. El famoso decano de los galeristas italianos, Massimo Minini, me dijo una vez que el mercado hace el precio... Yo digo que el sistema infla arbitrariamente el valor de las obras y eso influye en el precio. Lo que sostengo es que, en los últimos 20 años, la ausencia total de confrontación crítica ha matado nuestra capacidad de marcar diferencias y, por tanto, ha marchitado la educación y la difusión que son, respectivamente, vías para crear calidad y para reconocer esta calidad. Hace unos años creé, de forma provocadora, la “Guía Michelin-o”, en referencia a la Guía Michelin de Restaurantes, pero también a una de las ediciones históricas de Arte Fiera, la edición Michelino. En esta guía, realizada 100 el valor de una obra, teoricé que el 80% debía proceder del valor artístico y el 20% de las relaciones públicas y la historicidad del artista. De este porcentaje de valor artístico, que en mi opinión no puede ser objetivo pero sí discutible, dependía el precio de una obra de 50 x 50 cm del artista en cuestión. Hoy en día, en el mundo del arte moderno y contemporáneo, el precio viene determinado en un 80% por las relaciones públicas y el CV del artista y solo en un 20%, quizás incluso menos, por el valor artístico de la obra. En 2018, estaba en una visita guiada a la Feria Artissima y el asistente del entonces director me paró y me dijo ’aquí no se puede hablar’. De esta frase surgió la acción inmersiva que realizaré en Roma frente a la Quadriennale los días 10 y 11 de octubre y del 30 de octubre al 2 de noviembre en Turín frente a la feria de arte moderno y contemporáneo Artissima. Tienen miedo de que Luca Rossi hable porque esto podría poner en entredicho la negociación, es decir, la venta, mientras que no entienden que hablar y argumentar puede ser una forma de apoyar el valor y, por tanto, la propia venta. Hablar" no significa explicar la obra, eso sería un gran error, sino argumentar el valor en relación con la historia del arte y nuestra vida actual.
Centrémonos más bien en el valor simbólico. Creo que todos estamos de acuerdo en que las artes visuales, y especialmente el arte contemporáneo, parecen estar lejos del horizonte de mucha gente. Las artes visuales ya no son el arte dominante de nuestro tiempo, me parece un punto indiscutible: la gente percibe hoy más proximidad a otras formas de expresión (el cine en primer lugar, y después la música, en parte la arquitectura, quizá incluso la danza esté hoy más cerca de la gente que las artes visuales). Mientras tanto: ¿se ha condenado el arte contemporáneo a sí mismo a la irrelevancia? ¿Cuál cree que es el valor que tiene el arte para la gente hoy en día, y qué valor debería tener?
En mi opinión, durante el siglo pasado, y de forma más evidente durante los años noventa, el arte contemporáneo ha salido de los museos y vive entre nosotros. Si olemos los proyectos de más éxito que han surgido en el mundo en los últimos 24 años, vemos que todos tienen gérmenes artísticos y creativos. Por lo tanto, si no cuidamos el arte contemporáneo, el peor arte contemporáneo se apoderará de nuestras vidas y eso es un problema... exactamente como está ocurriendo. El arte contemporáneo está hoy en todo, en el cine, en la danza, en la música, pero también en la política e incluso en nuestra vida privada. Ya en los años 50, artistas como Yves Klein decían que “la vida misma es arte absoluto”. En las acciones que realizaré en Roma y Turín, veremos concretamente qué significa que la vida misma es arte absoluto, y cómo encontrar, concretamente, en nuestras vidas el valor del arte moderno y contemporáneo. Condenado a la irrelevancia está cierto arte contemporáneo que encontramos cada vez más donde creemos que está mientras que no lo vemos cuando está ante nuestros ojos donde creemos que no está.
Vivimos en una ausencia sustancial de crítica. Esto también es incontrovertible. No te estoy preguntando si la crítica sirve para algo, porque creo que todos estamos de acuerdo en ese punto (si no, yo tampoco haría crítica). Te pregunto, sin embargo, si en tu opinión todavía puede haber un espacio para la crítica, o si estamos destinados a sucumbir a la lógica del marketing, del arte en formato carrete, de la vulgarización cutre que ahoga el pensamiento crítico, del enjuague de notas de prensa....
Necesitamos nuevas formas de hacer crítica que sean persistentes en el tiempo e incidentales. Necesitamos crear diferentes niveles de lectura, todos de calidad, para comprometer a una comunidad de referencia. Y, sobre todo, necesitamos colaborar entre personas que piensan y ven de la misma manera, porque los otros, los del marketing y la narración de carretes en solitario, sí colaboran... ¡!
Dices que en el mundo contemporáneo actual nunca se siembra y siempre se recoge. ¿Qué siembra hay que hacer entonces?
Son los artistas los que deben crear espacios y tiempos de siembra, en primer lugar recuperando los medios de producción, es decir, los “lugares” y las “relaciones públicas”. Las bienales, las cuatrienales y las exposiciones, por no hablar de las ferias, son lugares de siembra o de guiños a la siembra. Después de tantos años, esta situación es insostenible porque no se puede esperar la cosecha sin trabajar bien la “siembra”. Esto explica la crisis del mercado contemporáneo, mientras que el moderno suele ir mejor. Los proyectos que he realizado en los últimos años han tratado de la siembra y la cosecha, e incluso el que haré en Turín (“Tu qui non puoi parlare”) tendrá un momento de siembra y otro de cosecha, pero fuera de la lógica y de las cansadas liturgias del mundo del arte.
Hace unas semanas entrevisté a Giordano Raffaelli. Según él, el arte italiano carece hoy de un gran campeón. Le falta, por decirlo así, un Jannik Sinner del arte. Pero lo mismo podría decirse de la música, del cine, de todos los campos creativos: ¿qué está pasando, en su opinión? ¿Y de dónde podría surgir un Pecador del arte?
Como decía Sergio Romano, en Italia tenemos un gran problema: preferimos el éxito de un francés, un inglés o un americano al éxito de uno de nuestros compatriotas. En el ámbito del arte, donde aparentemente no existen criterios objetivos, esta situación (después de muchos años) mantiene a todo el mundo en un nivel mediocre precisamente porque cualquier energía que intente emerger se recoloca inmediatamente en un nivel medio que nunca podrá desafiar la supuesta mediocridad de todos los demás. El propio Maurizio Cattelan ha triunfado en el extranjero y luego ha regresado a Italia, al igual que todos los artistas italianos contemporáneos más populares, desde Francesco Vezzoli a Monica Bonvicini. Si Jannik Sinner no hubiera tenido “la partitura”, nunca habría surgido internacionalmente ni se habría convertido en el número uno del mundo. La partitura era el criterio objetivo para marcar las diferencias, lo que en Italia debería tener el sentido crítico con respecto a lo moderno y lo contemporáneo. Hay que desarrollar la calidad, pero también hay que reconocerla y valorarla. En Italia, y quizás no sólo en Italia, sigue existiendo un cierto analfabetismo con respecto a lo contemporáneo: esto facilita que haya artistas jóvenes y derivados que nunca podrán convertirse en el Pecador del arte, y desanima a las mentes más brillantes que prefieren trabajar en ámbitos en los que el mérito y el valor son más reconocibles. Además, tenemos la presunción de un gran pasado artístico y esto penaliza la energía y los recursos que ponemos en el arte moderno y contemporáneo, aunque sería fundamental ver también lo antiguo de una forma contemporánea actualizada. Paradójicamente, en los últimos 30 años, esta situación de sufrimiento ha estimulado un montón de energías contemporáneas interesantes que muchos países nunca han tenido, y por eso llevo tiempo diciendo que Italia, en la escena contemporánea, podría actuar como “late comers”, es decir, tener aptitudes valiosas sin un sistema demasiado estructurado que pudiera limitarlas de algún modo.
Llevan mucho tiempo intentando sacudir el sistema. Pero también hay que decir que hoy el público parece anestesiado. Falta el deseo de debatir. Falta el deseo de cuestionar. Somos esclavos de lo preenvasado, de lo precocinado, de la narración. Y no parece haber grandes signos de despertar, de novedad. ¿Hay, sin embargo, destellos en la oscuridad, en su opinión?
Veo un destello en el complejo y difícil camino que he desarrollado a lo largo de estos dieciséis años. Creo mucho en la necesidad de sacar del laboratorio algunas soluciones que sólo he desarrollado en estos años. Me refiero a la necesidad de un nuevo “cuerpo a cuerpo” con el público, que es exactamente lo que haré en Roma y Turín. Pero me ha costado años perfeccionar estos métodos en un sistema que todavía me condena al ostracismo, me frena, me pone trabas y me quita cualquier recurso. A veces imagino lo que podría haber hecho si hubiera tenido los millones de euros que se han gastado en tantos proyectos de artistas italianos contemporáneos en los últimos años. Pienso, por ejemplo, en los 2,6 millones de euros que costó el Pabellón de Italia 2022 y que no dejaron huella.
Usted, sin embargo, sigue impertérrito a pesar de todo: hay algo noble, algo amablemente decimonónico en esta protesta suya que ya dura, como ha mencionado, dieciséis años. Su colega Giovanni Fattori, ciento cuarenta años antes que usted, a grandes rasgos, escribió a Diego Martelli que el artista y el crítico deben “romper las bolas de esta podredumbre que es la sociedad”, el artista con sus obras, el crítico con su pluma. Usted es un poco de ambos. Utilizas tanto la obra como la pluma. Y no se me ocurre nadie que, como decía Fattori, me haya roto las pelotas más que tú en todos estos años. Además, estoy seguro de que no te cansarás. Pero la sociedad ha cambiado: ¿crees que las críticas pueden molestarte de verdad?
Hermosa esta referencia tuya, realmente fuerte y conmovedora. Sí, nunca me detendré y veo que cada dificultad y cada año me aportan nuevas energías y nuevas oportunidades. Es como si me estuviera acercando lentamente al muro de “uno dos tres estrellas”, cuando la persona que está frente al muro de repente se da la vuelta y puede eliminar a los competidores. Aquí estoy avanzando unos pasos cada año y tarde o temprano llegaré al muro. “Luca Rossi” es un papel esclerótico que ha tenido que desempeñar todos los papeles del sistema, de modo que si paran uno de estos papeles inmediatamente hay otro papel que puede continuar. Cualquiera puede ser “Luca Rossi” porque cualquiera puede hacer de las suyas y desarrollar un sentido crítico. En mi opinión, sólo se trata de encontrar formas que estén a la altura de nuestro tiempo y los recursos para sacar estos proyectos del laboratorio en el que todavía se encuentran.
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