Luca Rossi est un collectif d’artistes et un critique qui, depuis 2009, s’en prend au monde de l’art contemporain, en direct et en ligne, avec des actions ciblées, des œuvres d’art souvent axées sur des questions très actuelles (par exemple, l’infodémie, le flux constant d’images auquel nous sommes soumis et la saturation qui en résulte, l’engagement politique des artistes) ainsi que des écrits critiques souvent polémiques, dont beaucoup ont également été hébergés par Finestre sull’Arte. À l’occasion de la Quadriennale di Roma 2025, qui s’ouvrira le 11 octobre, et de la prochaine édition d’Artissima, qui débutera à Turin le 31 octobre, Luca Rossi proposera une action qu’il définit comme “immersive”, visant à mettre en évidence le mécanisme de spéculation qui est en train de tuer l’art contemporain et ce qui pourrait en être l’antidote : le sens critique que chacun peut développer pour faire la différence et comprendre les valeurs de l’œuvre d’art. Nous l’avons rencontré pour en savoir plus. L’interview est réalisée par Federico Giannini.
FG. Vous allez bientôt organiser deux actions particulièrement intéressantes à Rome, pour l’ouverture de la Quadriennale, et à Turin, à l’occasion d’Artissima. Pouvez-vous anticiper quelque chose pour nos lecteurs ? Que préparez-vous ?
LR. Tous les problèmes du monde, y compris ceux de notre vie privée, ont une racine culturelle. C’est pourquoi, à Rome et à Turin, je montrerai que la véritable valeur culturelle doit être recherchée dans les manières, les attitudes, les visions et les comportements, et non dans les “objets d’art” et les “divertissements”, qui ne devraient être que les conséquences éventuelles de ce que j’ai appelé le “M.A.V.A. CLOUD” (manners, attitudes, visions and attitudes). Comment fonctionne le système de spéculation sur le marché de l’art ? Quel antidote lui opposer ? Comment pouvons-nous “former de nouveaux yeux” et voir la valeur de l’œuvre d’art dans notre vie ? Il ne s’agira pas d’une leçon mais d’une expérience qui changera notre façon de “voir”. Si l’œuvre d’art n’a pas de valeur pour notre vie, nous pouvons l’enterrer.
Vos actions ont toujours eu pour but de mettre en évidence ce que devrait être la valeur de l’œuvre d’art. La “valeur”, cependant, est au moins une double expression : d’une part, la valeur matérielle, la valeur économique, la valeur marchande. D’autre part, la valeur symbolique, la valeur de l’œuvre d’art pour notre vie. Vos actions amènent le public à se concentrer sur les deux. Parlons d’abord de la valeur matérielle. Vous avez souvent dénoncé les prix d’une grande partie de l’art contemporain, et il n’est pas rare que vous exprimiez votre point de vue sur le prix que les œuvres devraient réellement coûter, et vous vous êtes également montré assez dur à leur égard, avec des prix à cinq chiffres pour des artistes connus qui, selon vous, sont gonflés de 80 à 90 %. Et ce, pour rester dans la fourchette moyenne-haute, sans toucher aux artistes les plus chers. Pourriez-vous expliquer pourquoi vous pensez que les artistes devraient revoir la valeur de leurs œuvres, en tenant compte du fait que le prix comprend également tout ce que nous ne voyons pas (intermédiation, transport, catalogues, expositions, marketing, etc.)
S’il existe des prix différents sur le marché, il est évident qu’il existe des valeurs artistiques différentes. Le célèbre doyen des galeristes italiens, Massimo Minini, m’a dit un jour que c’est le marché qui fait le prix... Je dis que le système gonfle arbitrairement la valeur des œuvres et que cela influence le prix. Ce que je veux dire, c’est qu’au cours des 20 dernières années, l’absence totale de confrontation critique a tué notre capacité à faire des différences et a donc affaibli l’éducation et la diffusion qui sont respectivement les moyens de créer de la qualité et de reconnaître cette qualité. Il y a quelques années, j’ai créé de manière provocante le “Guide Michelin-o”, en référence au Guide Michelin des restaurants, mais aussi à l’une des éditions historiques d’Arte Fiera, l’édition Michelino. Dans ce guide, fait de 100 la valeur d’une œuvre, j’ai théorisé que 80 pour cent devrait provenir de la valeur artistique et 20 pour cent des relations publiques et de l’historicité de l’artiste. De ce pourcentage de valeur artistique, qui à mon avis ne peut être objectif mais peut être argumenté, dépendait le prix d’une œuvre de 50 x 50 cm de l’artiste en question. Aujourd’hui, dans le monde de l’art moderne et contemporain, le prix est déterminé à 80 % par les relations publiques et le CV de l’artiste et à seulement 20 %, voire moins, par la valeur artistique de l’œuvre. En 2018, lors d’une visite guidée de la foire Artissima, l’assistante du directeur de l’époque m’a interpellée et m’a dit : “Vous ne pouvez pas parler ici”. C’est de cette phrase qu’est née l’action immersive que je ferai à Rome devant la Quadriennale les 10 et 11 octobre et du 30 octobre au 2 novembre à Turin devant la foire d’art moderne et contemporain Artissima. Ils ont peur que Luca Rossi parle parce que cela pourrait remettre en cause la négociation, c’est-à-dire la vente, alors qu’ils ne comprennent pas que parler et argumenter peut être un moyen de soutenir la valeur et donc la vente elle-même. Parler ne signifie pas expliquer l’œuvre, ce serait une grave erreur, mais argumenter la valeur par rapport à l’histoire de l’art et à notre vie actuelle.
Concentrons-nous plutôt sur la valeur symbolique. Je pense que nous sommes tous d’accord pour dire que les arts visuels, et en particulier l’art contemporain, semblent être loin de l’horizon de beaucoup de gens. Les arts visuels ne sont plus l’art dominant de notre époque, cela me semble un point indiscutable : les gens perçoivent aujourd’hui plus de proximité avec d’autres formes d’expression (le cinéma d’abord, puis la musique, en partie l’architecture, peut-être même la danse aujourd’hui est plus proche des gens que les arts visuels). En attendant : l’art contemporain s’est-il condamné à l’insignifiance ? Quelle est, selon vous, la valeur de l’art pour les gens aujourd’hui, et quelle valeur devrait-il avoir ?
À mon avis, au cours du siècle dernier et plus particulièrement dans les années 1990, l’art contemporain est sorti des musées et vit parmi nous. Si nous examinons les projets les plus réussis qui ont vu le jour dans le monde au cours des 24 dernières années, nous constatons qu’ils contiennent tous des germes artistiques et créatifs. Par conséquent, si nous ne prenons pas soin de l’art contemporain, le pire des arts contemporains s’emparera de nos vies et c’est un problème... exactement comme cela est en train de se produire. Aujourd’hui, l’art contemporain est dans tout, dans le cinéma, la danse, la musique, mais aussi dans la politique jusqu’à notre vie privée. Dès les années 1950, des artistes comme Yves Klein affirmaient que “la vie elle-même est un art absolu”. Dans les actions que je mènerai à Rome et à Turin, nous verrons concrètement ce que signifie que la vie elle-même est l’art absolu, et comment trouver, concrètement, dans nos vies la valeur de l’art moderne et contemporain. Condamné à l’insignifiance, un certain art contemporain que nous trouvons de plus en plus là où nous pensons qu’il est, alors que nous ne le voyons pas quand il est sous nos yeux là où nous pensons qu’il n’est pas.
Nous vivons dans une absence substantielle de critique. Cela aussi est incontestable. Je ne vous demande pas si la critique sert à quelque chose, car je pense que nous sommes tous d’accord sur ce point (sinon je ne ferais pas de critique non plus). Mais je vous demande si, à votre avis, il peut encore y avoir un espace pour la critique, ou si nous sommes destinés à succomber à la logique du marketing, de l’art en bobine, de la vulgarisation mignonne qui étouffe l’esprit critique, du rinçage des communiqués de presse...
Nous avons besoin de nouvelles façons de faire de la critique, qui soient persistantes dans le temps et accessoires. Nous devons créer différents niveaux de lecture, tous de qualité, afin d’engager une communauté de référence. Et surtout, il faut collaborer entre gens qui pensent et voient de la même façon parce que les autres, ceux du marketing et de la bobine, ne collaborent pas... !
Vous dites que dans le monde contemporain d’aujourd’hui, il n’y a jamais de semailles et qu’il y a toujours des récoltes. Quelles sont les semailles à faire alors ?
Ce sont les artistes qui doivent créer des espaces et des moments de semailles, tout d’abord en récupérant les moyens de production, c’est-à-dire les “lieux” et les “relations publiques”. Biennales, quadriennales et expositions, sans parler des foires, sont autant de lieux de récolte ou de clin d’œil à la récolte. Après tant d’années, cette situation n’est pas tenable car on ne peut pas espérer la récolte sans avoir bien travaillé les “semailles”. Cela explique la crise du marché contemporain, alors que le moderne a tendance à mieux se porter. Les projets que j’ai réalisés ces dernières années traitaient des semailles et des récoltes, et même celui que je vais réaliser à Turin (“Tu qui non puoi parlare”) comportera un moment de semailles et un moment de récoltes, mais en dehors de la logique et des liturgies fatiguées du monde de l’art.
Il y a quelques semaines, j’ai interviewé Giordano Raffaelli, qui estime que l’art italien manque aujourd’hui d’un grand champion. Il manque, pour ainsi dire, un Jannik Sinner de l’art. Mais on pourrait dire la même chose de la musique, du cinéma, de tous les domaines créatifs : que se passe-t-il à votre avis ? Et d’où pourrait surgir un pécheur de l’art ?
Comme l’a dit Sergio Romano, nous avons un gros problème en Italie : nous préférons le succès d’un Français, d’un Anglais ou d’un Américain à celui d’un de nos compatriotes. Dans le domaine de l’art, où il n’y a apparemment pas de critères objectifs, cette situation (après de nombreuses années) maintient tout le monde à un niveau médiocre, précisément parce que toute énergie qui tente d’émerger est immédiatement repositionnée à un niveau moyen qui ne peut jamais défier la médiocrité supposée de tous les autres. Maurizio Cattelan lui-même a réussi à l’étranger puis est revenu en Italie, comme tous les artistes italiens contemporains les plus populaires, de Francesco Vezzoli à Monica Bonvicini. Si Jannik Sinner n’avait pas eu “la partition”, il n’aurait jamais émergé au niveau international et ne serait jamais devenu numéro un mondial. Le score était le critère objectif pour faire la différence, ce qu’un sens critique de l’art moderne et contemporain devrait faire en Italie. La qualité doit être développée, mais elle doit aussi être reconnue et valorisée. En Italie, et peut-être pas seulement en Italie, il subsiste un certain analphabétisme en ce qui concerne le contemporain : cela facilite les jeunes artistes dérivés qui ne pourront jamais devenir le pécheur de l’art, et décourage les esprits les plus brillants qui préfèrent travailler dans des domaines où le mérite et la valeur sont plus reconnaissables. En outre, nous avons la présomption d’un grand passé artistique, ce qui pénalise l’énergie et les ressources que nous consacrons à l’art moderne et contemporain, même s’il serait fondamental de voir aussi l’ancien d’une manière contemporaine actualisée. Paradoxalement, au cours des 30 dernières années, cette situation de souffrance a stimulé de nombreuses énergies contemporaines intéressantes que de nombreux pays n’ont jamais eues, et c’est pourquoi je dis depuis un certain temps que l’Italie, sur la scène contemporaine, pourrait agir comme des “retardataires”, c’est-à-dire avoir des aptitudes précieuses sans un système trop structuré qui pourrait les limiter d’une manière ou d’une autre.
Vous essayez depuis longtemps de secouer le système. Mais il faut dire aussi qu’aujourd’hui le public semble anesthésié. Il n’y a pas d’envie de discuter. Il n’y a pas d’envie de questionner. Nous sommes esclaves du préemballé, du précuit, du storytelling. Et il ne semble pas y avoir de grands signes de réveil, de nouveauté. Y a-t-il cependant des lueurs dans l’obscurité, selon vous ?
Je vois une lueur dans le parcours complexe et difficile que j’ai développé au cours de ces seize années. Je crois beaucoup à la nécessité de sortir du laboratoire certaines solutions que je n’ai développées qu’au cours de ces années. Je veux parler de la nécessité d’un nouveau “corps à corps” avec le public, et c’est exactement ce que je ferai à Rome et à Turin. Mais il m’a fallu des années pour perfectionner ces méthodes dans un système qui continue à m’ostraciser, à me ralentir, à m’entraver et à me priver de toutes mes ressources. Parfois, j’imagine ce que j’aurais pu faire si j’avais eu les millions d’euros qui ont été dépensés pour tant de projets d’artistes italiens contemporains ces dernières années. Je pense, par exemple, aux 2,6 millions d’euros qu’a coûté le pavillon italien de 2022 et qui n’a laissé aucune trace.
Mais vous continuez malgré tout : il y a quelque chose de noble, de gentiment dix-neuvièmiste dans cette protestation qui dure, comme vous l’avez dit, depuis seize ans maintenant. Votre collègue Giovanni Fattori, cent quarante ans avant vous, grosso modo, écrivait à Diego Martelli que l’artiste et le critique devaient “casser les couilles de cette pourriture qu’est la société”, l’artiste avec ses œuvres, le critique avec sa plume. Vous êtes un peu les deux. Vous utilisez à la fois l’œuvre et la plume. Et je ne vois personne qui, comme l’a dit Fattori, m’ait plus cassé les couilles que vous au cours de toutes ces années. Et puis, je suis sûr que vous ne vous lasserez pas. Mais la société a changé : pensez-vous que la critique puisse vraiment vous déranger ?
Belle référence que la vôtre, vraiment forte et émouvante. Oui, je ne m’arrêterai jamais et je vois que chaque difficulté et chaque année apportent une nouvelle énergie et de nouvelles opportunités. C’est comme si je m’approchais lentement du mur du “un deux trois étoiles”, quand la personne qui se trouve face au mur se retourne soudain et peut éliminer les concurrents. Ici, j’avance chaque année de quelques pas et tôt ou tard, j’atteindrai le mur. “Luca Rossi” est un rôle sclérosé qui a dû jouer tous les rôles du système, de sorte que si l’on arrête l’un de ces rôles, il y a immédiatement un autre rôle qui peut continuer. Tout le monde peut être “Luca Rossi” parce que tout le monde peut s’approprier et développer un sens critique. À mon avis, il s’agit simplement de trouver des moyens adaptés à notre époque et des ressources pour faire sortir ces projets du laboratoire dans lequel ils se trouvent encore.
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