Luca Rossi ist ein Kunstkollektiv und Kritiker, der seit 2009 die zeitgenössische Kunstwelt live und online mit gezielten Aktionen, Kunstwerken, die sich oft auf hochaktuelle Themen konzentrieren (z.B. Infodemie, der ständige Bilderfluss, dem wir ausgesetzt sind, und die daraus resultierende Übersättigung, das politische Engagement der Künstler), sowie mit oft polemischen kritischen Schriften, von denen viele auch bei Finestre sull’Arte veröffentlicht wurden, auf die Palme bringt. Anlässlich der Quadriennale di Roma 2025, die am 11. Oktober eröffnet wird, und der nächsten Ausgabe von Artissima, die am 31. Oktober in Turin beginnt, wird Luca Rossi eine Aktion vorschlagen, die er als “immersiv” bezeichnet und die darauf abzielt, den Mechanismus der Spekulation aufzuzeigen, der die zeitgenössische Kunst tötet, und was das Gegenmittel sein könnte: Der kritische Sinn, den jeder entwickeln kann, um einen Unterschied zu machen und die Werte des Kunstwerks zu verstehen. Wir haben uns mit ihm getroffen, um einige Einblicke zu erhalten. Das Interview stammt von Federico Giannini.
FG. Sie werden demnächst zwei besonders interessante Aktionen in Rom zur Eröffnung der Quadriennale und in Turin während der Artissima durchführen. Können Sie unseren Lesern etwas vorwegnehmen? Was bereiten Sie vor?
LR. Alle Probleme der Welt bis hin zu unserem heutigen Privatleben haben eine kulturelle Wurzel, und so werde ich in Rom und Turin zeigen, wie der wahre kulturelle Wert in den Umgangsformen, Haltungen, Visionen und Einstellungen gesucht werden sollte und nicht in “Kunstobjekten” und “Unterhaltung”, die nur die letztendlichen Folgen dessen sein sollten, was ich die “M.A.V.A. CLOUD” (Umgangsformen, Haltungen, Visionen und Einstellungen) genannt habe. Wie funktioniert das System der Spekulation auf dem Kunstmarkt? Welches Gegenmittel gibt es dagegen? Wie können wir “neue Augen schulen” und den Wert eines Kunstwerks in unserem Leben erkennen? Dies wird keine Lektion sein, sondern eine Erfahrung, die unsere Art zu “sehen” verändern wird. Wenn das Kunstwerk keinen Wert für unser Leben hat, können wir es begraben.
Ihre Aktionen haben immer darauf abgezielt, den Wert des Kunstwerkes herauszustellen. Wert" ist aber mindestens ein doppelter Ausdruck: einerseits der materielle Wert, der wirtschaftliche Wert, der Marktwert. Und zum anderen der symbolische Wert, der Wert des Kunstwerks für unser Leben. Ihre Aktionen führen dazu, dass sich die Öffentlichkeit auf beides konzentriert. Lassen Sie uns nun über den materiellen Wert sprechen. Sie haben sich oft gegen die Preise vieler zeitgenössischer Kunstwerke ausgesprochen, und nicht selten haben Sie Ihre Meinung darüber geäußert, wie viel ein Werk Ihrer Meinung nach wirklich kosten sollte, und Sie haben sie auch ziemlich hart angegriffen, mit fünfstelligen Preisen bekannter Künstler, von denen Sie behaupten, sie seien um 80-90 % überhöht. Und das nur, um im mittleren Preissegment zu bleiben, also ohne die hochpreisigen Künstler zu berühren. Würden Sie uns bitte erklären, warum Sie der Meinung sind, dass die Künstler den Wert ihrer Werke überdenken sollten, auch unter Berücksichtigung der Tatsache, dass der Preis auch alles umfasst, was wir nicht sehen (Vermittlung, Transport, Kataloge, Ausstellungen, Marketing usw.)?
Wenn es auf dem Markt unterschiedliche Preise gibt, dann gibt es natürlich auch unterschiedliche künstlerische Werte. Der berühmte Doyen der italienischen Galeristen, Massimo Minini, hat mir einmal gesagt, dass der Markt den Preis macht... Ich sage, dass das System den Wert der Werke willkürlich aufbläht und dies den Preis beeinflusst. Ich behaupte, dass in den letzten 20 Jahren das völlige Fehlen einer kritischen Auseinandersetzung unsere Fähigkeit, Unterschiede zu machen, abgetötet hat und somit die Bildung und Verbreitung verkümmert sind, die jeweils Wege sind, Qualität zu schaffen und diese Qualität anzuerkennen. Vor einigen Jahren habe ich provokativ den “Michelin-o Guide” erstellt, der sich auf den Michelin-Restaurantführer bezieht, aber auch auf eine der historischen Veröffentlichungen von Arte Fiera, die Michelino-Veröffentlichung. In diesem Führer, der den Wert eines Werks auf 100 beziffert, habe ich die Theorie aufgestellt, dass 80 Prozent des künstlerischen Werts und 20 Prozent der Öffentlichkeitsarbeit und der Historizität des Künstlers zuzuschreiben sind. Von diesem Prozentsatz des künstlerischen Wertes, der meiner Meinung nach nicht objektiv sein kann, über den man aber streiten kann, hing der Preis eines 50 x 50 cm großen Werkes des betreffenden Künstlers ab. Heute wird der Preis in der Welt der modernen und zeitgenössischen Kunst zu 80 % durch die Öffentlichkeitsarbeit und den Lebenslauf des Künstlers bestimmt und nur zu 20 %, vielleicht sogar noch weniger, durch den künstlerischen Wert des Werks. Im Jahr 2018 nahm ich an einer Führung durch die Artissima-Messe teil, und die Assistentin des damaligen Direktors hielt mich an und sagte: “Sie können hier nicht reden”. Aus diesem Satz entstand die immersive Aktion, die ich am 10. und 11. Oktober in Rom vor der Quadriennale und vom 30. Oktober bis 2. November in Turin vor der Messe für moderne und zeitgenössische Kunst Artissima durchführen werde. Sie haben Angst, dass Luca Rossi reden könnte, weil dies die Verhandlung, d.h. den Verkauf, in Frage stellen könnte, während sie nicht verstehen, dass Reden und Argumentieren ein Weg sein kann, den Wert und damit den Verkauf selbst zu unterstützen. Reden" bedeutet nicht, das Werk zu erklären - das wäre ein großer Fehler -, sondern den Wert in Bezug auf die Kunstgeschichte und unser gegenwärtiges Leben zu argumentieren.
Wir sollten uns stattdessen auf den symbolischen Wert konzentrieren. Ich denke, wir sind uns alle einig, dass die bildenden Künste, und insbesondere die zeitgenössische Kunst, für viele Menschen weit weg vom Horizont zu sein scheinen. Die bildende Kunst ist nicht mehr die vorherrschende Kunst unserer Zeit, das scheint mir unbestreitbar: Die Menschen nehmen heute eine größere Nähe zu anderen Ausdrucksformen wahr (vor allem das Kino, dann die Musik, teilweise die Architektur, vielleicht ist heute sogar der Tanz den Menschen näher als die bildende Kunst). Hat sich die zeitgenössische Kunst inzwischen selbst zur Irrelevanz verdammt? Welchen Wert hat Ihrer Meinung nach die Kunst heute für die Menschen, und welchen Wert sollte sie haben?
Meiner Meinung nach ist die zeitgenössische Kunst im letzten Jahrhundert und vor allem in den 1990er Jahren aus den Museen herausgetreten und lebt jetzt mitten unter uns. Wenn wir uns die erfolgreichsten Projekte ansehen, die in den letzten 24 Jahren in der Welt entstanden sind, stellen wir fest, dass sie alle einen künstlerischen und kreativen Keim in sich tragen. Wenn wir uns also nicht um die zeitgenössische Kunst kümmern, wird die schlechteste zeitgenössische Kunst unser Leben übernehmen, und das bedeutet Ärger... genau so, wie es gerade passiert. Zeitgenössische Kunst findet sich heute überall, im Film, im Tanz, in der Musik, aber auch in der Politik bis hin zu unserem Privatleben. Schon in den 1950er Jahren sagten Künstler wie Yves Klein: ’Das Leben selbst ist absolute Kunst’. In den Aktionen, die ich in Rom und Turin durchführen werde, werden wir konkret sehen, was es bedeutet, dass das Leben selbst absolute Kunst ist, und wie wir konkret in unserem Leben den Wert der modernen und zeitgenössischen Kunst finden können. Zur Bedeutungslosigkeit verurteilt ist eine bestimmte zeitgenössische Kunst, die wir mehr und mehr dort finden, wo wir sie zu finden glauben, während wir sie nicht sehen, wenn sie vor unseren Augen ist, wo wir sie nicht zu finden glauben.
Wir leben in einer weitgehenden Abwesenheit von Kritik. Auch das ist unbestreitbar. Ich frage nicht, ob Kritik einen Sinn hat, denn ich denke, in diesem Punkt sind wir uns alle einig (sonst würde ich auch keine Kritik üben). Ich frage Sie aber, ob es Ihrer Meinung nach noch einen Raum für Kritik geben kann, oder ob wir dazu bestimmt sind, der Logik des Marketings, der Kunst im Rollenformat, der niedlichen Popularisierung, die das kritische Denken erstickt, der Pressemitteilungsspülung... zu erliegen.
Wir brauchen neue Formen der Kritik, die über einen längeren Zeitraum hinweg Bestand haben und zufällig sind. Wir müssen verschiedene Ebenen der Lektüre schaffen, die alle von hoher Qualität sind, um eine Bezugsgemeinschaft zu schaffen. Und vor allem müssen wir mit Menschen zusammenarbeiten, die auf dieselbe Weise denken und sehen, denn die anderen, die vom Marketing und vom Rollenerzählen allein, arbeiten zusammen... !
Sie sagen, dass in der heutigen Welt nie gesät und immer geerntet wird. Welche Aussaat sollte man dann vornehmen?
Es sind die Künstler, die Räume und Zeiten der Aussaat schaffen sollten, vor allem durch die Rückgewinnung der Produktionsmittel, d.h. der “Orte” und der “Öffentlichkeitsarbeit”. Biennalen, Vierjahreszeiten und Ausstellungen, ganz zu schweigen von Messen, sind allesamt Orte, an denen geerntet wird oder an denen mit einem Augenzwinkern geerntet wird. Nach so vielen Jahren ist diese Situation unhaltbar, weil man keine Ernte erwarten kann, ohne gut an der ’Aussaat’ zu arbeiten. Das erklärt die Krise des zeitgenössischen Marktes, während es der Moderne tendenziell besser geht. Die Projekte, die ich in den letzten Jahren gemacht habe, hatten mit Aussaat und Ernte zu tun, und auch das Projekt, das ich in Turin machen werde (“Tu qui non puoi parlare”), wird einen Moment der Aussaat und einen Moment der Ernte haben, aber außerhalb der Logik und der müden Liturgien der Kunstwelt.
Vor einigen Wochen habe ich Giordano Raffaelli interviewt, der sagte, dass der italienischen Kunst heute ein großer Meister fehlt. Es fehlt, um es einmal so auszudrücken, ein Jannik Sinner der Kunst. Aber das Gleiche könnte man auch für die Musik, das Kino, für alle kreativen Bereiche sagen: Was passiert Ihrer Meinung nach? Und woher könnte ein Sünder der Kunst kommen?
Wie Sergio Romano sagte, haben wir in Italien ein großes Problem: Wir ziehen den Erfolg eines Franzosen, eines Engländers oder eines Amerikaners dem Erfolg eines unserer Landsleute vor. Im Bereich der Kunst, wo es offensichtlich keine objektiven Kriterien gibt, hält diese Situation (nach vielen Jahren) alle auf einem mittelmäßigen Niveau, gerade weil jede Energie, die versucht, hervorzutreten, sofort auf ein durchschnittliches Niveau zurückgesetzt wird, das niemals die vermeintliche Mittelmäßigkeit aller anderen herausfordern kann. Maurizio Cattelan selbst hat es ins Ausland geschafft und ist dann nach Italien zurückgekehrt, ebenso wie alle populären italienischen Künstler der Gegenwart, von Francesco Vezzoli bis Monica Bonvicini. Wenn Jannik Sinner nicht “die Partitur” gehabt hätte, wäre er nie international bekannt geworden und hätte sich zur Nummer eins in der Welt entwickelt. Die Partitur war das objektive Kriterium für die Unterscheidung, was in Italien den kritischen Sinn in Bezug auf modern und zeitgenössisch ausmachen sollte. Qualität muss entwickelt werden, aber dann muss sie auch anerkannt und geschätzt werden. In Italien, und vielleicht nicht nur in Italien, herrscht nach wie vor ein gewisser Analphabetismus in Bezug auf das Zeitgenössische: Dies begünstigt junge, abgeleitete Künstler, die nie in der Lage sein werden, die Sünder der Kunst zu werden, und entmutigt die klügsten Köpfe, die es vorziehen, in Bereichen zu arbeiten, in denen Verdienst und Wert besser erkennbar sind. Hinzu kommt, dass wir von einer großen künstlerischen Vergangenheit ausgehen, was die Energie und die Ressourcen, die wir in die moderne und zeitgenössische Kunst investieren, schmälert, obwohl es von grundlegender Bedeutung wäre, auch das Alte in einer aktualisierten zeitgenössischen Form zu sehen. Paradoxerweise hat diese Situation des Leidens in den letzten 30 Jahren eine Menge interessanter zeitgenössischer Energien stimuliert, die viele Länder nie hatten, und deshalb sage ich seit einiger Zeit, dass Italien in der zeitgenössischen Szene als “Nachzügler” agieren könnte, d.h. wertvolle Fähigkeiten hat, ohne ein überstrukturiertes System, das sie irgendwie einschränken könnte.
Sie haben lange versucht, das System aufzurütteln. Aber man muss auch sagen, dass die Öffentlichkeit heute wie betäubt wirkt. Es fehlt die Lust zu diskutieren. Es mangelt an der Lust, Fragen zu stellen. Wir sind Sklaven des Vorgefertigten, des Vorgekochten, des Geschichtenerzählens. Und es scheint keine großen Anzeichen für ein Aufwachen, für etwas Neues zu geben. Gibt es Ihrer Meinung nach dennoch Lichtblicke in der Dunkelheit?
Ich sehe einen Lichtblick in dem komplexen und schwierigen Weg, den ich in diesen sechzehn Jahren entwickelt habe. Ich glaube fest daran, dass es notwendig ist, einige Lösungen, die ich erst in diesen Jahren entwickelt habe, aus dem Labor zu holen. Ich spreche von der Notwendigkeit eines neuen “direkten Kontakts” mit der Öffentlichkeit, und genau das werde ich in Rom und Turin tun. Aber es hat Jahre gedauert, diese Methoden in einem System zu perfektionieren, das mich immer noch ausgrenzt, mich bremst, behindert und mir jegliche Ressourcen nimmt. Manchmal stelle ich mir vor, was ich hätte tun können, wenn ich die Millionen von Euro gehabt hätte, die in den letzten Jahren für so viele Projekte zeitgenössischer italienischer Künstler ausgegeben wurden. Ich denke zum Beispiel an die 2,6 Millionen Euro, die der italienische Pavillon 2022 gekostet hat und die keine Spuren hinterlassen haben.
Sie aber machen trotz allem unverdrossen weiter: Ihr Protest, der, wie Sie schon sagten, seit sechzehn Jahren andauert, hat etwas Nobles, etwas fast Neunzehnhundertjähriges an sich. Ihr Kollege Giovanni Fattori hat, grob gesagt, hundertvierzig Jahre vor Ihnen an Diego Martelli geschrieben, dass der Künstler und der Kritiker “die Eier dieser Fäulnis, die die Gesellschaft ist, zerbrechen müssen”, der Künstler mit seinen Werken, der Kritiker mit seiner Feder. Sie sind ein bisschen von beidem. Sie benutzen sowohl das Werk als auch die Feder. Und ich kann mir niemanden vorstellen, der mir, wie Fattori sagte, in all den Jahren mehr auf die Nerven gegangen ist als Sie. Außerdem bin ich sicher, dass Sie nicht müde werden. Aber die Gesellschaft hat sich verändert: Glaubst du, dass dich Kritik wirklich stören kann?
Eine schöne Referenz von dir, wirklich stark und bewegend. Ja, ich werde nie aufhören, und ich sehe, dass jede Schwierigkeit und jedes Jahr neue Energie und neue Möglichkeiten bringt. Es ist, als ob ich mich langsam der Mauer von ’eins zwei drei Stern’ nähere, wenn derjenige, der vor der Mauer steht, sich plötzlich umdreht und die Konkurrenten ausschalten kann. Hier komme ich jedes Jahr ein paar Schritte weiter und früher oder später werde ich die Mauer erreichen. “Luca Rossi” ist eine sklerotische Rolle, die alle Rollen im System spielen musste, so dass, wenn sie eine dieser Rollen stoppen, es sofort eine andere Rolle gibt, die weitermachen kann. Jeder kann “Luca Rossi” sein, denn jeder kann sich seine eigenen Gedanken machen und einen kritischen Sinn entwickeln. Meiner Meinung nach geht es nur darum, Wege zu finden, die mit unserer Zeit Schritt halten, und die Ressourcen, um diese Projekte aus dem Labor herauszuholen, in dem sie sich noch befinden.
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