Redécouverte du premier tableau de Rosso Fiorentino : le Met de New York va l'acquérir

Le Metropolitan Museum of Art de New York a annoncé son intention d’acquérir une peinture récemment redécouverte de Rosso Fiorentino (Giovanni Battista di Jacopo ; Florence, 1494 - Fontainebleau, 1540), l’un des protagonistes du maniérisme. L’œuvre, une Vierge à l’Enfant avec saint Jean l’Évangéliste, était considérée comme perdue depuis des siècles et n’a été identifiée que récemment dans une collection privée , à la suite d’une restauration qui a permis d’éliminer une couche de repeints, mettant en évidence la figure du saint au premier plan. L’apparition de cet élément, probablement caché depuis des siècles, a permis de reconnaître le tableau comme celui décrit par Giorgio Vasari dans ses célèbres Vies, considéré comme l’œuvre qui a marqué le début de la carrière du jeune artiste florentin. Cette découverte, selon le Met, permet non seulement de restituer une œuvre que l’on croyait perdue, mais aussi de redéfinir notre compréhension des origines du langage pictural de Rosso et, plus généralement, des transformations artistiques du début du XVIe siècle.

Selon Max Hollein, directeur et administrateur délégué du musée, le tableau représente un moment fondamental dans la production de l’artiste. “Ce tableau est une œuvre rare et cruciale de l’un des peintres les plus importants du XVIe siècle, qui surprend par son ambition expérimentale et son intensité psychologique. Avec sa disposition inhabituelle des figures et ses poses audacieuses, Rosso transforme un type de dévotion familier en une rencontre significative qui engage le spectateur dans un jeu complexe de vision, de sentiment et de foi. La redécouverte de cette œuvre redéfinit notre compréhension de la production précoce de Rosso et de l’émergence de compositions plus expressives et dynamiques dans la peinture florentine du XVIe siècle”.

L’historien de l’art Stephan Wolohojian, responsable du département des peintures européennes du musée, a également souligné le caractère exceptionnel de cette découverte. "Les peintures de Rosso, explique-t-il, sont extrêmement rares, il n’en existe qu’une vingtaine, et nombre de ses œuvres les plus célèbres restent non documentées ou inachevées. La discussion de cette peinture dans Lives, souvent décrit comme le premier livre d’histoire de l’art, confère à l’œuvre la distinction supplémentaire d’avoir fait partie du discours de l’histoire de l’art depuis les premiers jours de la discipline. Exécutée sur toile et conservée dans un état remarquable, elle est la plus ancienne peinture connue de l’artiste. Cette œuvre constituera la pièce maîtresse de la collection de peintures religieuses du XVIe siècle du Met, un ensemble exceptionnel et complémentaire qui élucide les développements clés de la peinture pour la dévotion privée au cours du premier quart du XVIe siècle en Italie".

Figure centrale du premier maniérisme, Rosso Fiorentino se distingue par un langage novateur qui, avec celui d’artistes tels que Pontormo et Parmigianino, retravaille l’équilibre harmonieux de la Renaissance adulte dans une tonalité plus dynamique et expressive. Ses œuvres se caractérisent par une utilisation sophistiquée de la couleur, des tensions formelles et une forte charge émotionnelle, autant d’éléments qui influenceront profondément la peinture européenne. Après ses débuts à Florence, où il est actif pendant la première décennie de sa carrière, l’artiste s’installe à Rome en 1523, qu’il doit fuir après le sac de Rome. Il rejoint alors la France, où il entre au service du roi François Ier de France. Avec Francesco Primaticcio, il contribue à la naissance de ce que l’on appelle la première école de Fontainebleau, travaillant au château royal et laissant une empreinte durable sur la culture artistique européenne. Rosso est resté en France jusqu’à sa mort en 1540.

Les informations sur sa formation sont fragmentaires. Les quelques données certaines comprennent sa naissance le 8 mars 1494 et son inscription en 1517 à l’Arte degli Speziali, la guilde des peintres florentins. Certains chercheurs avancent l’hypothèse d’un apprentissage auprès d’Andrea del Sarto, mais les preuves restent incertaines. Vasari, au contraire, insiste sur l’indépendance de l’artiste, soulignant qu’il a étudié les cartons de Michel-Ange et développé une vision personnelle souvent en désaccord avec celle de ses maîtres contemporains.

Peu après son entrée dans la guilde, Rosso réalise en 1518 le retable de Santa Maria Nuova, considéré comme un tournant dans sa carrière. L’œuvre abandonne les harmonies compositionnelles et chromatiques de la Renaissance mûre pour introduire de la tension, de l’asymétrie et de l’intensité expressive. La fresque de l’Assomption de la Vierge dans le Chiostrino dei Voti de la Santissima Annunziata, commandée en 1513, est encore plus ancienne et révèle déjà un langage indépendant et novateur.

Selon Vasari, Rosso obtint précisément cette commande en présentant à Fra’ Jacopo dei Serviti une peinture de la Vierge à l’Enfant avec saint Jean l’Évangéliste en demi-teinte. “Il travaillait au-dessus de la porte de San Sebastiano de’ Servi, étant encore barbu, lorsque Lorenzo Pucci fut fait cardinal par le pape Léon, les armoiries de Pucci avec deux figures qui, à l’époque, étonnaient les artisans, n’attendant pas de lui ce qu’il a réussi”, peut-on lire dans les Vies. “Son esprit s’accrut à tel point que son maître Giacopo, frère des Serviteurs, qui s’adonnait à la poésie, ayant réalisé un tableau de la Vierge avec la tête de saint Jean l’Évangéliste en demi-figure, le persuada de peindre un tableau de la Vierge avec la tête de saint Jean l’Évangéliste. Jean l’Évangéliste en demi-longueur, persuadé par lui, il fit dans la cour desdits Serviteurs, à côté de l’histoire de la Visitation à laquelle Giacopo da Pontormo a travaillé, l’Assomption de la Vierge, dans laquelle il fit un ciel d’Anges, tous des enfants nus, dansant autour de la Vierge, qui sont escortés avec de beaux contours et d’une manière très gracieuse tournés en l’air”.

L’identification récente de la figure du saint dans le tableau aujourd’hui conservé au Met confirmerait, selon le Met, le lien avec cet épisode, permettant de situer l’œuvre immédiatement avant la fresque de 1513 et de reconsidérer un moment crucial de l’histoire artistique florentine.

D’un point de vue stylistique, le tableau montre déjà les tensions qui caractériseront la production mature de l’artiste. La Vierge apparaît immobile et solennelle, avec une grâce qui rappelle les modèles raphaëlesques, tandis que l’Enfant se distingue par un physique accentué et une pose instable qui évoque à la fois les expérimentations de Donatello et les nus héroïques de Michel-Ange. La présence de saint Jean l’Évangéliste, placé dans une position intermédiaire entre la scène sacrée et le spectateur, renforce cette dynamique.

Le saint est représenté dans un état de vision prophétique qui reflète et amplifie l’implication émotionnelle de l’observateur, créant un pont entre l’image et le spectateur. Cette solution de composition, associée à l’utilisation de tensions formelles, anticipe les développements du maniérisme et témoigne de l’originalité précoce de l’artiste.

La Madone et l’enfant avec saint Jean l’évangéliste est actuellement exposée dans la galerie 609 du siège du musée sur la Cinquième Avenue, offrant au public l’occasion d’observer de près une œuvre qui, après des siècles d’oubli, occupe à nouveau une place centrale dans l’histoire de l’art de la Renaissance.

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