Le Carrare blanc, une autre occasion manquée de parler du marbre: une exposition en deçà des attentes

En grattant un peu la surface, la septième édition de White Carrara, l’événement qui depuis 2017 anime le début des étés dans le centre historique de la ville de marbre, ressemble à un film de Monicelli. Elle ressemble à l’intrigue de I soliti ignoti (Les inconnus habituels): à Carrare, comme dans le film, les protagonistes ont tenté le coup de grâce, en recourant aux services d’un professionnel externe, mais ont abouti à un résultat bien en deçà des attentes. L’idée de la nouvelle administration municipale de Carrare, qui a pris ses fonctions en juillet 2022, était de transformer radicalement White Carrara, un événement qui, après une série d’éditions organisées en l’absence quasi-totale d’une approche curatoriale, a été mis en place avec l’aide de la Commission européenne.une approche curatoriale, organisée avec les moyens du bord, était devenue une simple fête de village, sans intérêt en dehors des limites de la ville, sans attrait pour le public local et incapable d’attirer même le touriste le plus perplexe et le moins informé. Il a donc été décidé d’abandonner la Carrare blanche, organisée en récupérant ce que les artisans de Carrare avaient mis à disposition pour l’occasion, et de mettre sur pied un événement avec un nouveau visage: une exposition qui se tiendra jusqu’au 1er octobre, avec des artistes provenant de l’extérieur de la province et dont la direction artistique sera confiée à un commissaire professionnel, comme il se doit. Le Dante Cruciani de la situation est le Milanais Claudio Composti, propriétaire de mc2gallery à Milan et spécialiste de la photographie, et le plan pour séduire le public et la critique prévoit un événement divisé en deux parties: des sculptures sur la place et une exposition de photographies à Palazzo Binelli, avec entrée gratuite.

Bien entendu, la Carrare blanche de 2023 est une exposition de très grande qualité par rapport aux éditions précédentes (ce qui ne veut pas dire qu’il en fallait beaucoup): Il a suffi de se rendre compte que même en dehors de la municipalité, il y a des gens qui travaillent le marbre), mais le fait d’avoir libéré l’événement de l’amateurisme des années passées ne l’a pas empêché de courir le risque de se retrouver, comme dans le film de Monicelli, un maigre plat de pâtes aux pois chiches, un butin dérisoire par rapport aux prévisions, qui seront également difficiles à mesurer en termes quantitatifs, comme le montre le film de Monicelli. Il est d’ailleurs difficile de le mesurer en termes quantitatifs, puisque, du moins lors de la visite de cet auteur au Palazzo Binelli, personne n’a pris la peine d’enregistrer le nombre de visiteurs. Bien sûr, l’idée de transformer White Carrara en une exposition avec une forte empreinte curatoriale, offrant au public un focus thématique sur la sculpture contemporaine en marbre, était très bonne et ne pouvait qu’être accueillie favorablement. Le problème réside principalement dans l’exécution: Still Liv(f)e. The Forms of Sculpture (c’est le titre de l’édition 2023) repose sur des bases très fragiles, et a l’apparence d’une exposition superficiellement organisée, sans idée sous-jacente précise, avec une poignée d’artistes très différents, de sorte que l’exposition n’est pas seulement une exposition d’artistes très différents, à tel point que l’exposition n’est pas seulement une exposition d’artistes très différents, mais aussi une exposition d’artistes très différents.artistes très différents, à tel point que pour tenir ensemble des langages expressifs si différents et si discontinus même dans la qualité et la solidité de la pensée qui soutient les œuvres, Composti a eu recours à la justification la plus évidente: “donner une rétroaction visuelle à l’idée de la ville comme une forge créative en évolution continue”, en jouant “sur le thème de la transformation du bloc non travaillé aux différentes formes de la sculpture contemporaine” (selon la présentation rédigée par le commissaire). Ce qui, traduit du langage des commissaires , signifie: “voyons comment les sculpteurs contemporains travaillent la pierre”.

L’exposition pose trois questions: "Dans quelle mesure le concept de sculpture a-t-il changé avec l’avènement de la technologie ? Dans quelle mesure les canons classiques ont-ils été déformés par l’utilisation de nouveaux matériaux, qui vont au-delà du marbre, intervenant sur l’art plastique avec des supports vidéo, photographiques ou robotiques ? Où s’arrête la définition de la sculpture et où commence celle de l’installation ? Bref, le sujet est vraiment trop vaste pour prétendre le résoudre avec les œuvres de huit sculpteurs seulement. On pourrait fermer les yeux si c’était à plus petite échelle, ou si le commissaire faisait, comme il se doit en pareille occasion, profession de non-exhaustivité, en prenant soin de souligner clairement et sans ambiguïté que la proposition se limite à tenter de fournir quelques coordonnées au public, et n’a pas l’ambition de donner des réponses que l’exposition n’a pas vocation à fournir.L’exposition n’a pas l’ambition de donner des réponses que la sélection en question n’est pas en mesure de donner, parce que les questions sont exigeantes et parce que la proposition est monstrueusement déficiente, en quantité et en qualité, par rapport au sujet énoncé.

Installations au

Installations à Palazzo

Il y a ensuite la question du matériau local: White Carrara, malgré ses tonnes de défauts indéfendables, a au moins fait un effort pour donner au marbre la place qui lui revient dans la plupart des éditions précédentes. Cette année, sur la Piazza Alberica, la place principale de la ville, qui est le cœur de l’événement depuis la première édition, elle accueille le public avec une œuvre en granit indien, une en travertin romain et une en nero marquiña, un marbre espagnol. Pas vraiment la meilleure carte de visite pour présenter au public une sculpture contemporaine en marbre de Carrare. Oui, il y a une sculpture de Giò Pomodoro dans la statuaire, sous verre: en fait, on peut la voir derrière une fenêtre de l’InfoPoint de la Piazza Alberica, dans une position défilante, difficile à repérer au premier coup d’œil. Il est donc naturel que le public se concentre sur les trois œuvres principales, tellement différentes et disjointes, et surtout contraintes d’occuper à elles seules environ un tiers de l’exposition, qu’il est impossible de raisonner sur la résilience du matériel exposé par rapport aux thèmes déclarés. Et puis, quelle matière: le public est accueilli par la chatte en granit, elle aussi dessinée de manière disgracieuse et maladroite, par Morgana Orsetta Ghini, une artiste qui, pendant pratiquement toute sa carrière, n’a fait que produire des organes génitaux féminins dans tous les matériaux, toujours avec les clichés habituels de l’organe féminin comme “source de vie”, “origine du monde” et tout un répertoire rhétorique assorti. Pendant ce temps, la Vulva imbullonata de Roberto Bernacchi, une œuvre en marbre antérieure de presque quarante ans au vagin tardif de Morgana Orsetta Ghini, et surtout une œuvre nettement plus inquiétante, croupit au milieu de la saleté, des sédiments et des herbes sauvages dans le jardin de la RSA municipale, oubliée de tous, en premier lieu de ceux qui ont dû penser qu’amener l’œuvre de Ghini sur la piazza de Carrare devait être une grande nouveauté. Ensuite, il y a la stèle de Sergi Barnils, qui ne fait que graver sur le travertin les marques qu’il peint habituellement sur la toile, et le bras de Michelangelo Galliani, une œuvre qui n’a rien de monumental et qui ne convient pas du tout à une installation sur la place.

Enfin, Giò Pomodoro est présent non seulement avec la Foule sous verre de la Piazza Alberica, mais aussi avec une grande Foule devant le bâtiment de l’Académie: La raison pour laquelle le sculpteur des Marches a été choisi comme introduction “historique”, pour ainsi dire, de l’exposition n’est pas claire, puisque Composti, dans son texte très court, n’en donne pas les raisons, ce qui accroît le sentiment du visiteur d’être tombé sur une exposition rafistolée. Le lot de sculpteurs se poursuit avec Quayola, présent avec une œuvre qui, avec le plus grand mépris pour le ridicule, se dit “inspirée par la technique de l’inachevé de Michel-Ange” (c’est un peu comme si l’on disait que les œuvres de Francesco Sole sont “inspirées par le flot de Joyce”), et que l’on ne peut s’empêcher de penser qu’il s’agit d’une œuvre d’art.inspiré par le stream of consciousness de Joyce), et qui n’est rien d’autre que l’habituelle re-proposition d’un chef-d’œuvre ancien, en l’occurrence l’Hercule et Nessus de Giambologna, revisité dans ce cas à la sauce numérique: une sorte de Fabio Viale qui, au lieu de tatouer des œuvres anciennes, les déconstruit à l’aide d’algorithmes. Si vous lisez les textes sur les totems en Carrare blanche (sans vous laisser distraire par les délicieux ballasts qui les empêchent de s’envoler), vous apprendrez que, selon Composti, Mattia Bosco, qui expose sa Sezione aurea devant le flanc de la cathédrale, s’est également inspiré de “Michel-Ange et l’inachevé” (manifestement, un disciple dans une exposition de huit artistes n’était pas suffisant) pour présenter une œuvre à l’image de l’artiste, en l’occurrence une œuvre d’art.huit artistes n’a pas suffi) pour présenter au public des roches extraites directement de la montagne sur lesquelles l’artiste intervient avec quelques applications de feuilles d’or, qui sont, lit-on sur le totem, “les réponses parcimonieuses de Bosco à la nature chromatique de la pierre” (quoi que cela veuille dire), et visent à révéler “ce qui est caché dans la pierre”, en rejoignant même le concept philosophique de Deus sive Natura : Un défi assurément prétentieux pour ces meubles luxueux (il existe d’ailleurs une société de design bien connue, Alimonti, qui a mis sur le marché un objet similaire: Il s’appelle “Masterstroke” et ne diffère des sculptures de Bosco que par l’inversion des parties, c’est-à-dire que l’enveloppe extérieure prend des formes géométriques et que l’intérieur en feuilles d’or est laissé inachevé pour faire ressortir la fracture). Elle s’achève avec l’Arménien Mikayel Ohanjanyan, lauréat du Lion d’or 2015 qui apporte à Carrare deux grands blocs(Legami) de quartzite indien, et avec Stefano Canto et ses œuvres en ciment greffées sur des troncs d’arbres: des œuvres poveristes purement dérivées qui feront immédiatement penser au langage d’un Penone ou d’un Uncini.

Les œuvres de Stefano Canto se trouvent au rez-de-chaussée du Palazzo Binelli, où se trouve la section photographique de Still Liv(f)e. Et si l’on ne peut pratiquement rien sauver de la sculpture, il en va un peu mieux de la photographie, avec une exposition qui vise, écrit Composti, à proposer “six manières de voir et de raconter la versatilité d’un matériau ancien et fascinant comme le marbre, toujours vivant et multiforme, à travers l’interprétation de leurs ”visions plastiques“”. La présentation, heureusement, est moins ampoulée que celle de la section sculpture: ici, au moins, on ne cherche pas à répondre à des questions trop vastes pour la maigre sélection de White Carrara, et le public est informé dès le départ que l’objectif de l’exposition est de présenter les manières dont les six artistes sélectionnés observent et photographient le marbre. L’entrée en matière est pourtant terrible: la série Sculptures de l’artiste française Dune Varela est une sorte de réédition bon marché des Storie di pietrofori e rasomanti d’Elisa Sighicelli (autant faire venir l’artiste de Turin). La salle suivante est meilleure, avec quelques clichés de la série Eros de Bruno Cattani, qui se concentre sur les culs, les seins et les tétons des statues classiques: un travail, commencé en 2000, qui s’inscrit dans le sillage de la photographie de la statuaire antique, cuisinée avec tous les assaisonnements possibles, des différents Amendola, Jodice, Spina, Visciano. Cattani est une sorte d’Herbert List qui, au lieu de photographier des corps vivants, préfère les statues de marbre: la “sensualité du marbre” est un expédient rhétorique aujourd’hui dépassé, mais Cattani a été l’un des premiers à travailler sur ce thème et, surtout, sa photographie semble sincère et pleine de cœur.

Dans la salle suivante, en revanche, nous assistons à une banalisation de l’œuvre d’ art de Walter Benjamin à l’ère de sa reproductibilité technique par Carolina Sandretto, qui, comme on peut le lire dans le texte, “afin de redécouvrir l’aura des œuvres d’art [...] a photographié quelques unes des plus belles œuvres d’art de l’histoire de l’Europe.a photographié quelques-unes des plus célèbres statues grecques et romaines”, et a superposé des variantes du même sujet “créant ainsi un effet visible qui reproduit l’idée d’aura, en donnant un corps à quelque chose d’intangible, par le biais d’un dédoublement”: Au-delà de l’anachronisme incompréhensible de cette œuvre (pour quelle raison veut-on “restituer l’aura aux œuvres d’art ?”), la convention déconcertante de l’expédient iconographique (l’aura prenant la forme d’un halo autour de l’œuvre, bien qu’obtenu par superposition) et le paradoxe de vouloir “retrouver l’aura” sont surprenants par une reproduction mécanique (qui pourrait peut-être fonctionner si elle était présentée comme une sorte de détournement situationniste, mais dans le texte d’illustration il n’y a pas d’ironie, au contraire: il est dit que le dédoublement permet presque de “voir l’invisible”). Le travail du jeune Giacomo Infantino, qui a parcouru les paysages des Alpes Apuanes en les éclairant la nuit avec des lumières colorées pour transformer les vues en images oniriques, apparaît plus frais, tandis que l’Anglais Simon Roberts, avec sa série Beneath the Pilgrim Moon, ramène à Carrare des clichés qui capturent les sculptures du Victoria & Albert Museum de Londres recouvertes de feuilles de plastique transparentes lors de la fermeture des musées pour cause de restrictions anti-covidiennes: un travail intéressant qui a reçu un accueil positif lors de sa présentation. Conclusion au rez-de-chaussée avec les œuvres d’Andrea Botto qui, peut-être pris par un accès de déterminisme nominatif, a choisi de consacrer une partie importante de ses recherches aux images d’explosions, et apporte au Palazzo Binelli une vidéo et une photographie (la démolition des HLM dans le quartier de Caina, au centre de Carrare) qui devraient nous montrer “le paysage au moment de sa transformation, de sa dissolution, de son effondrement”. Et à Carrare, en effet, la dissolution et l’effondrement du paysage sont une formidable réalité quotidienne pour ses habitants: qui sait si l’intention de Composti n’était pas aussi d’activer ce type de réflexion.

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En résumé, même avec ce nouveau parcours, White Carrara reste une initiative qui manque cruellement d’un caractère défini. Il est difficile de comprendre le sens du travail de Composti à Carrare: une tentative de relancer un événement désormais vide de sens, mais réalisé avec une logique qui n’est pas très éloignée de celle qui a soutenu les éditions précédentes ? Une sorte de micro-Biennale de la Culture pour rappeler les gloires de Carrare d’antan ? Une exposition transitoire en attendant d’avoir des idées plus claires sur la manière d’orienter White Carrara à l’avenir ? Quelle que soit l’intention, le fait est que le public qui viendra à Carrare trouvera une exposition faible, rapiécée, avec une sélection tout à fait insuffisante pour satisfaire l’objectif trop ambitieux déclaré dans le texte du commissaire, et avec une exposition photographique qui, à l’exception de quelques bonnes idées, n’a pas grand-chose à offrir aux visiteurs.

Si l’intention était de fixer un nouveau cap, le résultat ressemble plutôt à un démantèlement qui met en évidence le caractère irrémédiable d’un événement qui a mal commencé, qui a continué en pire et qu’il serait peut-être plus sage de retirer pour de bon en 2024. Entonnons donc le Requiem pour White Carrara. Ayons le courage de dire adieu, sans regret, à une exposition qui n’a jamais su s’imposer, qui n’a jamais laissé de traces, qui s’est toujours complue dans la médiocrité, qui a toujours été exagérément modeste pour une ville qui, il n’y a pas si longtemps encore, accueillait des expositions bien plus importantes. Enterrons la Carrare blanche et pensons au passé: au cours des douze dernières années, Carrare a essayé toutes les formules possibles pour mettre le marbre au centre de son offre culturelle estivale. L’expérience de la Biennale internationale de sculpture, qui a débuté en 1957, s’est achevée en 2010 avec une biennale, Post Monument , sous la direction de Fabio Cavallucci, d’un très haut niveau, mais qui n’a suscité que peu d’intérêt de la part du public. Après les biennales, nous sommes passés au design et aux Semaines du marbre organisées par feu Paolo Armenise et Silvia Nerbi: qualité et succès public. Puis vint le White Carrara, construit avec la contribution d’ateliers locaux, sans direction artistique autoritaire: qualité médiocre et peu de public. Enfin, l’actuelle White, sorte de bonsaï des Biennales passées, une idée qui, sur le papier, pourrait même être bonne, mais qui s’est traduite par un événement déglingué, inégal, avec très peu de points forts. Qualité discutable, sur laquelle le public sera tiré au sort en octobre. Voilà: les différentes expériences indiquent le format qui est peut-être le plus adapté à Carrara en ce moment historique. Essayons donc de revenir à la conception. Dépoussiérons le format des anciennes Semaines de Marbre, qui ont eu le mérite de caractériser la ville et de la projeter dans une nouvelle dimension, séduisante et utile. Essayons de faire revenir Carrara sur des scènes plus prestigieuses.

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