Ne le prenez pas personnellement, ou si vous le faites, ne vous offusquez pas de la comparaison un peu forte que vous allez lire. Je crois que les gens sont parfois comme ces insectes attirés par la lumière (ou la sueur, selon la saison) : ils grouillent vers ce dont ils entendent le plus parler, d’autant plus s’il s’agit de corps de femmes nues dans des spectacles ou d’expériences de nouveaux parents à témoigner avec un selfie. Loin de moi l’idée d’accuser la pure curiosité, mais j’espère que la visite de la Biennale de Venise 2026 ne s’arrêtera pas là, et ira au-delà. Au-delà des attractions incontournables qui offrent l’opportunité de dire “je l’ai vu aussi”. Ne vous arrêtez donc pas à l’Arsenale et aux Giardini, car même en dehors de ces deux lieux essentiels pour le public de la Biennale, il y a d’autres pavillons intéressants, que l’on zappe pourtant par manque de temps ou d’envie (je suis conscient que tout voir en deux-trois jours est quasiment impossible ou autrement comparable à un marathon) ou surtout parce qu’ils ne font pas assez de bruit.
L’un d’entre eux est le pavillon de l’Indonésie, hébergé pour cette Biennale d’art 2026 à l’École internationale de graphisme. Le pavillon se distingue par le fait que le site d’exposition coïncide avec le lieu de production des œuvres exposées. Les artistes indonésiens, en résidence artistique pendant deux mois, ont en effet travaillé directement à l’école de graphisme, produisant leurs œuvres ici et expérimentant une confrontation quotidienne avec la réalité urbaine de Venise et ses traditions. Plutôt que d’occuper un simple espace d’exposition temporaire, le pavillon a fait du séjour et du travail dans la ville un élément central du projet. Pour cette raison, c’est probablement le pavillon qui a le mieux réussi à favoriser une interaction authentique entre les artistes et le tissu culturel et social vénitien, transformant la production artistique en une occasion d’échange, de dialogue et de rencontre.
La pièce maîtresse du pavillon est une salle intérieure entièrement dédiée à l’histoire d’un grand voyage: un récit en images à travers vingt-et-une gravures réalisées par sept artistes indonésiens de différentes générations (Agus Suwage, Syarizal Pahlevi, Nurdian Ichsan, R.E. Hartanto, Theresia Agustina Sitompul, Mariam Sofrina et Rusyan Yasin) qui sont venus à Venise en résidence d’artiste spécifiquement pour ce projet, en collaboration avec le ministère indonésien de la Culture. Chacun d’entre eux a produit trois œuvres, contribuant ainsi à un ensemble organique d’œuvres, un récit collectif, et les a créées dans les ateliers d’impression de l’école de graphisme, avec l’aide du personnel technique de l’école. Le grand voyage raconté est un voyage imaginaire de quatorze ans situé au XVe siècle, précisément de 1472 à 1486, inspiré par la découverte fictive d’un manuscrit ancien (exposé au centre de la salle) attribué à un archiviste imaginaire nommé Datu Na Tolu Hamonangan de Harajaon Pusuk Buit, un royaume de Sumatra connu pour ses avancées en matière de technologie maritime, d’astronomie, de commerce, de gouvernance et d’art. Dans ce manuscrit relié en cuir ou en bois, contenant des gravures, des dessins, des esquisses et des textes, l’archiviste documente une grande expédition maritime partie du lac Toba et arrivée à Venise. Les vingt-et-une œuvres graphiques sont donc des fragments de l’expédition, représentant des paysages, des personnages, des animaux, des intérieurs et des situations, comme si les sept artistes indonésiens impliqués “réimprimaient” les pages de cet ancien manuscrit, ouvrant de nouvelles interprétations sur l’origine de la connaissance mondiale. Comme si les pages de ce manuscrit redécouvert contenaient une histoire différente, nous invitant à réfléchir à la manière dont l’histoire a toujours été racontée, à la partie du monde sur laquelle l’histoire s’est toujours concentrée. C’est pourquoi le projet du pavillon indonésien a été intitulé, selon le choix curatorial d’Aminudin TH Siregar, Printing the Unprinted (littéralement traduisible par “Imprimer les non imprimés”), basé précisément sur l’idée de réimprimer (comme mentionné plus haut, concrètement dans l’imprimerie de l’école) une sorte d’histoire non racontée. Dans ce sens, l’impression d’art, lagravure, n’est pas seulement l’outil ou la technique de production d’œuvres graphiques, mais prend une signification plus profonde, devenant un processus à travers lequel un récit caché du passé est révélé, nous amenant à réfléchir sur le passé comme quelque chose qui est continuellement réécrit, grâce, dans ce cas, au manuscrit et à ses œuvres “réimprimées”. Le projet s’articule autour de trois axes principaux : la réflexion sur les processus de disparition, les récits marginalisés ou censurés redécouverts grâce à la pratique artistique et le renversement de la découverte pour une relecture de l’histoire globale.
Par exemple, on raconte comment les marchands vénitiens se sont émerveillés devant le camphre et le benjoin de Sumatra ; comment les érudits de la Renaissance à Florence ont analysé les cartes ptolémaïques en les comparant aux cartes marines indonésiennes, dans lesquelles les navigateurs bataks ont réinterprété l’Europe comme une péninsule au bord d’un monde sans frontières, suggérant l’existence d’un globe unique et interconnecté. On y apprend également que les habitants de Malacca mélangeaient leurs langues ou que les artisans bataks étaient occupés dans un atelier situé près de la basilique Saint-Marc de Venise à étudier le vitrail, la technologie de la céramique et les horloges mécaniques.
Les artistes ont créé leurs œuvres à l’aide de techniques d’impression durables, en utilisant la dernière génération d’encres à base d’huile de soja, lavables à l’eau et au savon et conçues pour réduire la pollution.
quo;utilisation de solvants traditionnels. Une gravure d’art que la Scuola di Grafica di Venezia promeut depuis des années par le biais de résidences, d’ateliers et d’activités d’enseignement destinés aux étudiants et aux artistes du monde entier, et qui allie la qualité technique à l’attention portée aux matériaux et à la durabilité.
Outre la salle consacrée au Grand Voyage, le pavillon indonésien expose également d’autres œuvres des sept artistes susmentionnés, chacune caractérisée par son propre style. Si les vingt-et-une œuvres graphiques apparaissent le plus souvent uniformes pour donner l’idée d’un ensemble unifié, les autres, réparties par artiste, sont remarquablement différentes. Nous commençons par l’extérieur avec les petits portraits sur briques de Nurdian Ichsian (1971), qui abordent le thème du contraste entre l’apparence extérieure et l’intériorité. Nous poursuivons avec l’art de Syarizal Pahlevi (1965), qui propose le projet Moving Woodcuts, pour lequel l’artiste a continué pendant son programme de résidence vénitien à capturer des fragments de la vie quotidienne et des interactions subtiles, poursuivant sa recherche commencée en 2011 qui documente les gens et les paysages du monde entier à travers des gravures sur bois. Il a également peint les portraits du Somodar Boy et duVenice Sign. Agus Suwage (1959), quant à lui, présente des œuvres particulières à l’aquarelle et au jus de tabac dans lesquelles il représente le crocodile terrestre et le crocodile marin, symboles de la force prédatrice, pour exprimer l’ambition de domination qui reste inchangée quel que soit le contexte, ainsi que les séries Voyage à l’Est et Diaspora, qui mettent l’accent sur le mouvement et l’échange. Les objets et les souvenirs se déplacent en même temps que les personnes. Ce sont des éléments en mouvement constant, à travers lesquels s’exprime une nouvelle réorientation qui remet en cause la centralisation.
La série Bukit Tunggul (du nom d’une montagne de l’ouest de Java) de Mariam Sofrina (1983), à l’huile sur lin, est également liée à cette idée de mouvement et de voyage. Elle représente le paysage non pas comme une toile de fond passive de la vie, mais comme un élément qui porte les traces de la migration, des choix, des liens interpersonnels et des liens avec la nature.
Viennent ensuite les impressions au carbone sur coton de Theresia Agustina Sitompul (1981), qui expriment le dialogue entre le passé et le présent, entre les déchets et l’idée de recyclage et de réintégration par la formulation de nouvelles significations, et les portraits d’Indonésiens de R.E. Hartanto (1973) qui, inspirés par le manuscrit fictif du Grand Voyage du XVe siècle, représentent des Indonésiens en route vers l’Europe au XXIe siècle.
Enfin, l’exposition se termine par le rouleau ethnographique de Rusyan Yasin (1994), qui constitue le journal visuel d’un voyage de sept artistes de l’Indonésie à Venise. Intitulé L’inversion du temps, le rouleau symbolise l’inversion ou l’absence d’une narration centrale, car toute personne qui s’en approche peut le lire de droite à gauche ou de gauche à droite, soulevant ainsi la question suivante : d’où viennent réellement le temps et la narration ?
L’interaction, l’échange, le dialogue et la rencontre, les concepts de base du projet du Pavillon indonésien, ne se sont pas arrêtés à la relation entre les sept artistes indonésiens mentionnés et le personnel technique de l’École de graphisme, mais se sont poursuivis dans la relation entre eux et sept jeunes artistes émergents issus de milieux défavorisés, sélectionnés par Negeri Elok et National Talent Management (leurs initiatives visent à cultiver le talent artistique en Indonésie), qui ont eu ainsi l’occasion de venir à Venise, d’entrer en contact avec l’École et de participer à un projet de collaboration avec le Pavillon indonésien. l’opportunité de venir à Venise, d’entrer en contact avec l’école et de participer à un projet de collaboration qui utilise l’art comme outil pour favoriser l’empathie, traiter les expériences traumatisantes et renforcer la résilience individuelle et collective.
Si la Biennale est souvent traversée comme une course aux œuvres les plus photographiées et aux pavillons les plus discutés, le pavillon indonésien vaut le détour, non pas parce qu’il promet l’œuvre la plus spectaculaire ou la photo la plus Instagrammable, mais parce qu’il invite le visiteur à prendre part à l’exposition. Instagrammable, mais parce qu’il invite à réfléchir et à s’interroger sur le nombre d’histoires restées en marge des récits officiels, un concept en parfaite adéquation avec le projet curatorial In Minor Keys conçu par Koyo Kouoh pour la 61e édition de la Biennale d’art de Venise. Le principal mérite de Printing the Unprinted , cependant, est de considérer l’art non seulement comme un résultat final à observer, mais comme un ensemble de relations et de rencontres qui laissent une trace capable de dépasser largement la durée d’une exposition. Et à ce stade, si les visiteurs continuent de passer sans s’arrêter, attirés par des lumières plus vives, ce n’est certainement pas le Pavillon qui est en cause.
L'auteur de cet article: Ilaria Baratta
Giornalista, è co-fondatrice di Finestre sull'Arte con Federico Giannini. È nata a Carrara nel 1987 e si è laureata a Pisa. È responsabile della redazione di Finestre sull'Arte.
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