Nehmen Sie es nicht persönlich, oder wenn doch, dann nehmen Sie mir den etwas starken Vergleich nicht übel, den Sie gleich lesen werden. Ich glaube, dass die Menschen manchmal wie jene Insekten sind, die vom Licht (oder Schweiß, je nach Jahreszeit) angezogen werden: Sie schwärmen zu dem aus, wovon sie am meisten hören, umso besser, wenn es sich dabei um nackte Frauenkörper in Performances oder die Erfahrungen neuer Eltern handelt, die man mit einem Selfie bezeugen kann. Es liegt mir fern, reine Neugierde zu unterstellen, aber ich hoffe, dass der Besuch der Biennale Venedig 2026 nicht dabei stehen bleibt, sondern darüber hinausgeht. Über die “unübersehbaren” Attraktionen hinaus, die die Möglichkeit bieten, zu sagen: “Ich habe es auch gesehen”. Bleiben Sie also nicht beim Arsenale und den Giardini stehen, denn auch außerhalb dieser beiden für das Biennale-Publikum unverzichtbaren Orte gibt es weitere interessante Pavillons, die jedoch aus Zeit- oder Lustmangel (ich bin mir bewusst, dass es fast unmöglich ist, alles in zwei-drei Tagen zu sehen, oder die ansonsten einem Marathon gleichen) oder vor allem, weil sie nicht genug Lärm machen, übersprungen werden.
Einer davon ist der indonesische Pavillon, der für diese Kunstbiennale 2026 in der Internationalen Schule für Grafik untergebracht ist . Der Pavillon zeichnet sich dadurch aus, dass der Ausstellungsort mit dem Ort der Produktion der ausgestellten Werke zusammenfällt. Die indonesischen Künstler, die sich zwei Monate lang in der Schule für Grafik aufhielten , arbeiteten direkt in der Schule für Grafik, wo sie ihre Werke produzierten und sich täglich mit der urbanen Realität Venedigs und seinen Traditionen auseinandersetzten. Der Pavillon belegte nicht nur einen temporären Ausstellungsraum, sondern machte den Aufenthalt und die Arbeit in der Stadt zu einem zentralen Element des Projekts. Aus diesem Grund ist es dem Pavillon wahrscheinlich am besten gelungen, eine authentische Interaktion zwischen den Künstlern und dem kulturellen und sozialen Gefüge Venedigs zu fördern und die künstlerische Produktion in eine Gelegenheit zum Austausch, Dialog und zur Begegnung zu verwandeln.
Das Herzstück des Pavillons ist ein Innenraum, der ganz der Geschichte einer großen Reise gewidmet ist: eine Geschichte in Bildern durch einundzwanzig Stiche , die von sieben indonesischen Künstlern verschiedener Generationen (Agus Suwage, Syarizal Pahlevi, Nurdian Ichsan, R.E. Hartanto, Theresia Agustina Sitompul, Mariam Sofrina und Rusyan Yasin) geschaffen wurden, die eigens für dieses Projekt in Zusammenarbeit mit dem indonesischen Kulturministerium zu einem Künstleraufenthalt nach Venedig kamen. Jeder von ihnen schuf drei Werke und trug so zu einem organischen Werkkomplex, zu einer kollektiven Erzählung bei, die in den Druckwerkstätten der Schule für Grafik mit Unterstützung des technischen Personals der Schule entstanden. Die große Reise, die erzählt wird, ist eine imaginäre Reise von vierzehn Jahren, die im 15. Jahrhundert spielt, genauer gesagt von 1472 bis 1486, inspiriert durch die fiktive Entdeckung eines alten Manuskripts (das in der Mitte des Raumes ausgestellt ist), das einem imaginären Archivar namens Datu Na Tolu Hamonangan von Harajaon Pusuk Buit zugeschrieben wird, einem Königreich in Sumatra, das für seine Fortschritte in der Meerestechnologie, der Astronomie, dem Handel, der Verwaltung und der Kunst bekannt war. In diesem in Leder oder Holz gebundenen Manuskript, das Stiche, Zeichnungen, Skizzen und Texte enthält, dokumentiert der Archivar eine große maritime Expedition, die vom Toba-See ausging und in Venedig landete. Die einundzwanzig grafischen Werke sind also Fragmente dieser Expedition, die Landschaften, Personen, Tiere, Innenräume und Situationen darstellen, als ob die sieben beteiligten indonesischen Künstler die Seiten dieses alten Manuskripts “nachdrucken” würden, um neue Interpretationen über den Ursprung des globalen Wissens zu eröffnen. Als ob die Seiten des wiederentdeckten Manuskripts eine andere Geschichte erzählen würden, die uns dazu einlädt, darüber nachzudenken, wie die Geschichte immer erzählt wurde und auf welchen Teil der Welt sich die Geschichte immer konzentriert hat. Aus diesem Grund wurde das Projekt des indonesischen Pavillons nach der kuratorischen Wahl von Aminudin TH Siregar mit Printing the Unprinted (wörtlich übersetzt: “Das Ungedruckte drucken”) betitelt, was genau auf der Idee beruht, eine Art von unerzählter Geschichte nachzudrucken (wie oben erwähnt, konkret in der Druckerei der Schule) . In diesem Sinne ist der Kunstdruck, dieGravur, nicht nur das Werkzeug oder die Technik zur Herstellung von grafischen Werken, sondern erhält eine tiefere Bedeutung, indem er zu einem Prozess wird, durch den eine verborgene Erzählung der Vergangenheit aufgedeckt wird, was uns dazu bringt, über die Vergangenheit als etwas nachzudenken, das ständig neu geschrieben wird, in diesem Fall dank des Manuskripts und seiner “nachgedruckten” Werke. Es gibt drei Hauptkerne, um die das Projekt aufgebaut ist: die Reflexion über die Prozesse des Verschwindens, marginalisierte oder zensierte Erzählungen, die durch künstlerische Praxis wiederentdeckt werden, und die Umkehrung der Entdeckung für eine neue Lesart der globalen Geschichte.
So wird beispielsweise erzählt, wie venezianische Kaufleute Kampfer und Benzoe aus Sumatra bestaunten; wie Gelehrte der Renaissance in Florenz ptolemäische Karten analysierten, indem sie sie mit indonesischen Seekarten verglichen, und wie Batak-Navigatoren Europa als Halbinsel am Rande einer grenzenlosen Welt neu interpretierten, was auf die Existenz eines einzigen, miteinander verbundenen Globus schließen lässt. Es gibt auch Geschichten darüber, wie die Menschen in Malakka ihre Sprachen vermischten oder wie Batak-Kunsthandwerker in einer Werkstatt in der Nähe des Markusdoms in Venedig Glasmalerei, Keramiktechnologie und mechanische Uhren studierten.
Die Künstler schufen ihre Werke mit nachhaltigen Drucktechniken, bei denen die neueste Generation von Tinten auf Sojaölbasis zum Einsatz kommt, die mit Wasser und Seife abwaschbar sind und die Umweltverschmutzung verringern sollen.
quo;Verwendung von traditionellen Lösungsmitteln. Ein Kunstdruck, den die Scuola di Grafica di Venezia seit Jahren durch Residenzen, Workshops und Lehrtätigkeiten für Studenten und Künstler aus aller Welt fördert und der technische Qualität mit der Aufmerksamkeit für Materialien und Nachhaltigkeit verbindet.
Neben dem Raum, der der Großen Reise gewidmet ist, zeigt der indonesische Pavillon weitere Werke der sieben oben genannten Künstler, die sich alle durch ihren eigenen Stil auszeichnen. Während die einundzwanzig grafischen Werke meist einheitlich erscheinen, um den Eindruck eines einheitlichen Ganzen zu erwecken, sind die anderen, nach Künstlern aufgeteilt, bemerkenswert unterschiedlich. Wir beginnen mit den kleinen Porträts auf Ziegelsteinen von Nurdian Ichsian (1971), die den Kontrast zwischen äußerer Erscheinung und Innerem zum Thema haben. Weiter geht es mit der Kunst von Syarizal Pahlevi (1965), der das Projekt der bewegten Holzschnitte vorschlägt, für das der Künstler während seines Aufenthalts in Venedig Fragmente des täglichen Lebens und subtiler Interaktionen festhielt und seine 2011 begonnene Forschung fortsetzte, die Menschen und Landschaften auf der ganzen Welt durch Holzschnitte dokumentiert. Er malte auch die Porträts des Somodar Boy und desVenice Sign. Agus Suwage (1959) hingegen präsentiert besondere Aquarell- und Tabaksaftarbeiten, in denen er das Landkrokodil und das Meereskrokodil, Symbole für räuberische Kraft, darstellt, um den Ehrgeiz der Herrschaft auszudrücken, der unabhängig vom Kontext unverändert bleibt, sowie die Serien Journey to the East und Diaspora, die sich auf Bewegung und Austausch konzentrieren. So wie die Menschen sich bewegen, tun dies auch die Gegenstände und Erinnerungen. Sie sind Elemente in ständiger Bewegung, durch die eine neue Ausrichtung zum Ausdruck kommt, die die Zentralisierung in Frage stellt.
Mit dieser Idee der Bewegung und des Reisens ist auch die Serie Bukit Tunggul (benannt nach einem Berg in West-Java) von Mariam Sofrina (1983) verbunden, die die Landschaft nicht als passive Kulisse des eigenen Lebens darstellt, sondern als ein Element, das Spuren der Migration, der Entscheidungen, der zwischenmenschlichen Beziehungen und der Verbundenheit mit der Natur enthält.
Dann gibt es die Kohledrucke auf Baumwolle von Theresia Agustina Sitompul (1981), die den Dialog zwischen Vergangenheit und Gegenwart, zwischen Abfallmaterial und der Idee des Recyclings und der Wiedereingliederung durch die Formulierung neuer Bedeutungen zum Ausdruck bringen; und die Porträts von Indonesiern von R.E. Hartanto (1973), die, inspiriert durch das fiktive Manuskript der Großen Reise des 15. Jahrhunderts, Indonesier auf ihrer Reise nach Europa im 21.
Die Ausstellung endet mit der Ethnographischen Schriftrolle von Rusyan Yasin (1994), die als visuelles Tagebuch einer Reise von sieben Künstlern von Indonesien nach Venedig dient. Die Schriftrolle mit dem Titel The Inversion of Time (Die Umkehrung der Zeit) symbolisiert die Umkehrung oder das Fehlen einer zentralen Erzählung, da jeder, der sich ihr nähert, sie entweder von rechts nach links oder von links nach rechts lesen kann, was die Frage aufwirft, woher Zeit und Erzählung wirklich kommen.
Die Interaktion, der Austausch, der Dialog und die Begegnung, die grundlegenden Konzepte des Projekts des indonesischen Pavillons, endeten nicht mit der Beziehung zwischen den sieben genannten indonesischen Künstlern und dem technischen Personal der Hochschule für Grafik, sondern setzten sich in der Beziehung zwischen ihnen und sieben jungen aufstrebenden Künstlern aus benachteiligten Verhältnissen fort, die von Negeri Elok und National Talent Management ausgewählt wurden (ihre Initiativen zielen darauf ab, künstlerische Talente in Indonesien zu kultivieren) und die so die Möglichkeit hatten Sie hatten so die Möglichkeit, nach Venedig zu kommen, mit der Schule in Kontakt zu treten und an einem Gemeinschaftsprojekt teilzunehmen, das Kunst als Mittel zur Förderung von Empathie, zur Verarbeitung traumatischer Erfahrungen und zur Stärkung der individuellen und kollektiven Widerstandsfähigkeit einsetzt.
Wenn die Biennale oft als ein Wettlauf durch die am meisten fotografierten Werke und die am meisten besprochenen Pavillons durchlaufen wird, ist der indonesische Pavillon nicht deshalb einen Besuch wert, weil er das spektakulärste Werk oder das Instagramming-Foto verspricht, sondern weil er den Besucher einlädt, an der Ausstellung teilzunehmen. Instagrammable, sondern weil er dazu einlädt, darüber nachzudenken und zu hinterfragen, wie viele Geschichten am Rande der offiziellen Erzählungen geblieben sind, ein Konzept, das ganz im Einklang mit dem kuratorialen Projekt In Minor Keys steht, das von Koyo Kouoh für die 61. Das Hauptverdienst von Printing the Unprinted besteht jedoch darin, Kunst nicht nur als ein zu beobachtendes Endergebnis zu betrachten, sondern als eine Reihe von Beziehungen und Begegnungen , die eine Spur hinterlassen, die weit über die Dauer einer Ausstellung hinausgeht. Und wenn die Besucher, angezogen von den helleren Lichtern, weiterhin vorbeigehen, ohne stehen zu bleiben, dann liegt das Problem sicherlich nicht beim Pavillon.
Der Autor dieses Artikels: Ilaria Baratta
Giornalista, è co-fondatrice di Finestre sull'Arte con Federico Giannini. È nata a Carrara nel 1987 e si è laureata a Pisa. È responsabile della redazione di Finestre sull'Arte.
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