Milan, au Palazzo Reale avec Leandro Erlich l'impossible devient possible

Du 22 avril au 4 octobre 2023, le Palazzo Reale de Milan accueillera pour la première fois en Europe unevaste expositionmonographique de Leandro Erlich, l’une des figures de proue de la scène artistique internationale. Promue par la ville de Milan-Cultura, l’exposition, intitulée Beyond the Threshold, est produite et organisée par le Palazzo Reale et Arthemisia, en collaboration avec le Studio Erlich, sous la direction de Francesco Stocchi.

Artiste argentin né à Buenos Aires en 1973, Leandro Erlich crée de grandes installations avec lesquelles le public entre en relation et interagit, devenant l’œuvre d’art elle-même. Des bâtiments dans lesquels on grimpe virtuellement, des maisons déracinées et suspendues dans les airs, des ascenseurs qui ne mènent nulle part, des escaliers roulants emmêlés comme les fils d’une pelote de laine, des sculptures désorientées et surréalistes, des vidéos qui subvertissent la normalité. Tous ces éléments racontent quelque chose d’ordinaire dans un contexte extra-ordinaire, où tout est différent de ce qu’il semble être, où nous perdons notre sens de la réalité et notre perception de l’espace.

Les œuvres d’Erlich sont le résultat d’une recherche artistique profonde et conceptuelle, qui s’inscrit dans le paradoxe et a déjà séduit des millions de visiteurs dans le monde entier : 600 000 à Tokyo et 300 000 à Buenos Aires. Partout, le public s’est pressé à ses expositions, caractérisées par des installations in situ très complexes à réaliser et donc très rares.

L’exposition au Palazzo Reale permettra donc au public de connaître le travail d’Erlich à travers ses œuvres les plus connues et les plus emblématiques, réunies pour la première fois dans un même lieu avec l’intention de systématiser la production de l’artiste. Erlich emmène le visiteur dans un ailleurs magique, où le possible devient impossible. Son travail explore les bases perceptuelles de la réalité et notre capacité à interroger ces mêmes bases à travers un cadre visuel. L’architecture du quotidien est un thème récurrent dans l’art d’Erlich, qui cherche à créer un dialogue entre ce que nous croyons et ce que nous voyons, ainsi qu’à combler le fossé entre l’espace muséal et l’expérience quotidienne.

L’artiste se décrit ainsi : “J’aime me présenter comme un artiste conceptuel qui travaille dans le domaine de la réalité et de la perception. Mon sujet est la réalité, les symboles et le potentiel de signification. Je m’efforce de créer un corpus d’œuvres - en particulier dans la sphère publique - qui est ouvert à l’imagination, subvertit la normalité, repense la représentation et propose des actions qui construisent et déconstruisent des situations pour perturber la réalité. Parler en général”.

Chacune des œuvres d’Erlich doit être lue comme une fenêtre sur le monde, sensible au regard, qui, au lieu d’induire en erreur, révèle le paysage que chacun porte en soi. En première réaction, une œuvre d’Erlich suscite un sentiment de familiarité par rapport au quotidien, puis va jusqu’à insinuer un certain doute. En observant attentivement l’œuvre, le regard du spectateur commence à douter de ce qu’il perçoit, se trouvant confronté à un phénomène inexplicable. Susciter des questions, des doutes et des émotions chez le public qui interagit avec son œuvre est la pensée première d’Erlich, et c’est précisément la participation du spectateur qui rend l’œuvre complète.

L’exposition est parrainée par Generali Valore Cultura, le partenaire mobilité Frecciarossa Treno Ufficiale et le partenaire média Urban Vision. Le catalogue est publié par Toluca Studio.

Le catalogue est publié par Toluca Éditions et réalisé avec la contribution de Galleria Continua.

"Les créations d’Erlich, comme l’explique Francesco Stocchi, commissaire de l’exposition, sont des structures architecturales qui fonctionnent comme des machines optiques remettant en question les données sensibles du monde. Avec l’exposition au Palazzo Reale de Milan, Erlich a choisi l’Italie pour présenter son ambitieux projet qui, en mettant en scène des espaces de nouvelle perception, stimule la réflexion et la contemplation. La fascination qu’exerce son travail sur un large public, qui va au-delà des initiés, réside dans son besoin de s’adresser directement au spectateur, en le confrontant à des questions, en l’impliquant activement jusqu’à l’exposition universelle".

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L’exposition

Les 19 œuvres de l’exposition démontrent qu’en se libérant des notions acquises par l’expérience, chacun peut faire l’expérience de sa propre dimension, d’une vision nouvelle et dégagée : l’avènement d’un monde nouveau. Chaque œuvre est un événement qui concerne l’observation de petits phénomènes banals qui, transférés dans l’espace muséal, acquièrent une nouvelle condition. L’œuvre stimule de nouveaux comportements collectifs et transforme les habitudes automatiques en moments de révélation, d’inconfort et de réorganisation. Lorsqu’il s’agit de comportement social, Erlich devient un véritable agent perturbateur. Le spectateur est invité à s’engager et à participer au dévoilement de chaque œuvre, ce qui suscite délibérément, comme première réaction, un sentiment de familiarité par rapport au quotidien, après quoi un sentiment d’incertitude s’installe également : l’attention demandée au public est la matière première de Leandro Erlich, et seul le public achève l’œuvre.

Les installations de Leandro Erlich dans les musées du monde entier ont révélé des niveaux d’interprétation multiples et complexes. Le langage de l’interactivité, combiné à la portée des médias sociaux, permet à son œuvre de s’étendre bien au-delà des murs des institutions. Erlich présente des images explicites d’une situation actuelle, incitant ainsi le visiteur à reconnaître son propre déséquilibre, son exclusion et son autofascination. L’exposition commence à surprendre dès la cour du Palazzo Reale, où se trouve l’ installation monumentale Bâtiment, créée en 2004 pour la Nuit Blanche à Paris. Depuis, elle a été présentée dans le monde entier, en s’adaptant aux caractéristiques de l’architecture locale. Cependant, le mécanisme de l’exposition est toujours le même : placée horizontalement sur le sol, une reproduction d’une façade d’immeuble, avec balcons, niches, frises, auvents. Les visiteurs sont virtuellement “suspendus” aux décorations et un grand miroir incliné à 45 degrés reflète l’image au sol sur un plan vertical, donnant l’illusion d’une vraie façade et le sentiment que la loi de la gravité n’existe plus.

Les installations se poursuivent dans les salles du rez-de-chaussée du Palazzo Reale. Elevator Pitch (2011) évoque le genre de scénarios fantastiques auxquels un protagoniste pourrait être confronté dans une histoire de Jorge Luis Borges. Des portes d’ascenseur anonymes encastrées dans un mur qui semble tout à fait banal jusqu’à ce qu’elles s’ouvrent accompagnées d’un carillon répétitif et caractéristique, véritable allégorie de la circularité de la vie. L’ouverture des portes révèle une cabine remplie de passagers de toutes sortes, engagés dans différentes situations, désintéressés par notre présence, rendant notre regard invisible ; personne ne descend, personne ne monte, la relation avec la vie des autres n’est qu’apparemment étroite. Comme chaque œuvre a reçu sa propre pièce dans la galerie, elles dialoguent directement avec l’architecture, fonctionnant au mieux comme des distorsions spatiales de la référence métaphysique.

Window Captive Reflection (2013) représente l’atmosphère routinière et statique à l’intérieur d’un atelier, superposée à des vues de la végétation à l’extérieur. La juxtaposition d’un double reflet, dans lequel les détails de l’espace intérieur sont perçus en même temps que le balancement des arbres du jardin, rappelle la mémoire que le verre contient. Ce qui est vu, en même temps que ce qui est perçu, confronte le spectateur à un “autre” espace qui emprisonne non seulement les images mais aussi le temps dans le reflet. L’association de dualismes opposés, tels que l’état de réflexion et l’état d’action, est caractéristique du langage d’Erlich. Mais ce ne sont que des conditions apparentes.

The Cloud (2018) : l’une des tendances de l’humanité est d’essayer d’ajouter de l’ordre et de la forme à ce qui n’existe pas, comme dans le cas des étoiles disposées au hasard dans les constellations. La désorientation et le désarroi perceptif sont des caractéristiques constantes du travail d’Erlich, qui “s’amuse” à créer des images qui déclenchent des sentiments illusoires chez l’observateur. Comme pour saisir l’impalpable, Erlich présente différents nuages flottant dans d’imposantes vitrines, comme dans un cabinet de curiosités. De même, depuis l’antiquité, nous imaginons des formes variées dans les nuages, qui changent constamment, nous embarquant dans un voyage onirique à travers leurs mutations continuelles. Une fois dehors, il est naturel de lever les yeux et d’observer le ciel qui, selon l’artiste, avec ses lumières, ses formes et ses couleurs, influence la perception que chacun a de sa ville.

Rain (1999) a été créée pour la Biennale du Whitney à New York en 2000 et remet ingénieusement en question la convention acceptée selon laquelle il ne peut pleuvoir torrentiellement qu’à l’extérieur. L’œuvre consiste en un faux extérieur, sous la forme d’un mur de briques et de fenêtres, contre lequel les gouttes de pluie se dispersent avec force, tandis que des éclairs illuminent le ciel. Outre la désorientation, caractéristique du travail d’Erlich, de voir un espace extérieur de l’intérieur, l’œuvre génère des sentiments étranges et troublants de mélancolie et d’effroi enracinés dans la condition d’une tempête de pluie sans fin.

Dans Port of reflections (2014), trois bateaux semblent flotter sur l’eau. En réalité, cette installation utilise un ordinateur pour calculer la façon dont un bateau se balance sur l’eau, puis recrée précisément son apparence et ses mouvements. Nous percevons l’œuvre de cette manière parce que nous pensons qu’un bateau est quelque chose qui flotte sur l’eau. Ainsi, l’œuvre nous aide à comprendre comment nous voyons les choses à travers la lentille de nos idées préconçues et de nos stéréotypes. Le “reflet” du titre va au-delà de sa dimension sensorielle, stimulant un raisonnement sur la relation entre l’image et la réalité : comme dans des œuvres telles que Subway, Global Express, El Avion, Port of Reflection nous rappelle que nous sommes toujours en mouvement, que nous sommes toujours en transit sur un bateau, une allégorie du voyage de la vie, comme Ulysse lors de son retour à Ithaque. Quiconque a pris un vol de nuit traversant plusieurs fuseaux horaires connaît probablement le sentiment de stase et de désorientation associé au réveil.

Night Flight (2015) - ainsi que El Avión (2011) - induit ce sentiment de rêverie en reproduisant une vue nocturne de la surface de la terre depuis le hublot d’un vol de passagers. L’émerveillement et l’ennui qui accompagnent les longs vols sont évoqués à travers cette simulation convaincante à l’intérieur d’un musée pour générer un doute momentané quant à savoir si l’on voit ou non le vrai panorama à des kilomètres au-dessus de la surface de la terre.

L’un des thèmes récurrents d’Erlich est la persistance de mondes cachés derrière la façade commune et parfois fade de la normalité. Comme c’est souvent le cas, à première vue, The View (1997-2005) n’offre rien de plus inhabituel qu’une paire de fenêtres adjacentes à la cuisine, dont les volets sont entrouverts. En s’approchant et en regardant à travers les volets, l’image du mur arrière de l’immeuble voisin apparaît. C’est une heure du soir indéterminée et plus d’une douzaine de voisins sont en train de vaquer à leurs diverses occupations : s’habiller, se laver, cuisiner, manger ou regarder la télévision. Un voyeurisme si manifeste qu’il crée l’illusion d’une surveillance continue. Mais l’illusion est si irrésistible qu’elle déclenche l’expérience d’un plaisir interdit, celui d’observer ce que font ses voisins sans craindre d’être pris sur le fait.

Ascensor (1995) et Lifted Lift (2019) sont des ascenseurs qui ne montent ni ne descendent : dépouillés de leurs fonctions, la curiosité nous pousse à jeter un coup d’œil à l’intérieur, ce qui entraîne une double combinaison de surprises. La première est la vue vers le bas, s’étendant à l’infini sous le plancher, qui induit la seconde, la prise de conscience que cet espace ne peut pas exister réellement. Le monde imaginaire créé par Lift repose sur l’idée que le spectateur s’attend, en regardant à l’intérieur, à apercevoir une cage d’ascenseur secrète passant sous le sol du musée : cette œuvre est la preuve directe que les lois de la nature ont été momentanément suspendues, permettant à la perception de l’emporter sur la logique. Chaque surprise est, à sa manière, un cas d’espace liminal agissant pour corriger ou saper la perspective dominante du moment : de la réalité à la fantaisie, ou de l’illusion à la révélation.

Dans Global Express (2011), des paysages urbains défilent devant ce qui semble être la fenêtre d’un train souterrain ou surélevé. En observant les images, nous pouvons ressentir la cadence implacable du voyage, en voyant une ville emblématique (Tokyo) se transformer en une autre (New York), puis une autre encore (Paris). Global Express révèle les monuments et les signes architecturaux que nous identifions à chaque ville. Enchevêtrés dans un événement simultané, nous expérimentons ce que la technologie nous offre chaque jour : la possibilité de franchir des distances impossibles en quelques millisecondes. Architecte de l’incertain, Leandro Erlich crée des espaces aux limites fluides et instables. La vidéo nous laisse le sentiment d’avoir effectué un voyage unique, dans lequel plusieurs métropoles se fondent en une seule bobine globale.

Lost Garden (2013), qui exploite l’architecture de l’espace, consiste en une construction triangulaire avec deux fenêtres sur la façade et un jardin à l’intérieur. Selon les termes de l’artiste, Lost Garden (2009) aspire à créer une profondeur dans l’expérience banale des espaces quotidiens, suggérant un état permanent de nostalgie. Comme dans les autres œuvres d’Erlich, le spectateur est pris au piège dans un jeu de perception sculpturale et de trompe-l’œil, même lorsque l’apparence extérieure de l’œuvre contredit ce que nous percevons de son intérieur. La référence du titre à “ce qui est perdu” contraste avec l’image idyllique et paradisiaque du jardin, faisant de l’œuvre une métaphore du désir de retrouver et d’immortaliser le passé.

Changing (2008). Lorsque le public entre dans la loge élégamment meublée, il trouve des miroirs en pied installés sur trois côtés. Mais ces miroirs s’étendent au loin, créant de l’espace, plutôt que de montrer notre reflet. Vous entrez dans la loge et découvrez qu’elle est reliée à une autre loge au fond qui reflète peut-être votre image à travers d’autres miroirs. Vous pouvez même rencontrer un étranger qui apparaît soudainement dans le miroir d’un vestiaire voisin. En cette journée d’illusions et de vide, les cabines d’essayage prolifèrent comme un labyrinthe aux limites indéfinies. La confusion et la peur de se perdre disparaissent au profit de l’émerveillement de la rencontre. Comme Alice qui se perd dans le miroir et n’est plus capable de distinguer ce côté du miroir, entre elle et l’autre, nous nous perdons dans un labyrinthe enchevêtré de non pas un, mais pas moins de 30 dressings.

Staircase (2005) ressemble à un escalier en colimaçon grandeur nature, y compris la cage d’escalier, puis tourné de 90 degrés. Bien que le spectateur regarde une œuvre d’art verticalement depuis le sol, il est pris par l’illusion d’optique de regarder dans une cage d’escalier orientée vers le bas. Les autres personnes dans l’escalier peuvent être vues en train de regarder de côté, et non vers le haut, ce qui renforce encore l’expérience d’éléments troublants. Avec cette œuvre, qui élimine le rôle de l’escalier pour les personnes qui montent et descendent, Erlich libère la structure architecturale de sa fonction d’origine, la transformant, par sa subversion perceptive, en une œuvre d’art autonome.

L’une des premières sculptures vidéo d’Erlich est Subway (2009), où des images en mouvement introduisent un cadre virtuel, un autre espace transporté dans la galerie. Comme El Avión et Global Express (2011), cette installation invoque le rythme hypnotique du voyage et du transit, mais la fonction des images est moins narrative au profit d’une illusion spatiale : les séquences audiovisuelles, souvent silencieuses, sont ajustées selon les paramètres de la vraisemblance cinématographique, car c’est ce qui nous permet de les percevoir comme réalistes. Une sorte de temporalité cyclique et répétitive dans laquelle l’intérêt pour la progression des images commence à se dissoudre, comme par exemple dans Elevator Pitch (2011).

Traffic jam - Order of importance (2018) présente une vue de sculptures de voitures et de camions recouvertes de sable, disposées de manière à ressembler à un embouteillage, dans une tentative de sensibilisation à la crise du changement climatique. Deux rangées de véhicules divisées par un îlot de circulation où la plupart des véhicules sont partiellement enfouis dans le sable pour donner l’impression d’être submergés - une référence à l’élévation du niveau de la mer causée par le réchauffement climatique. “Le changement climatique et ses conséquences ne sont plus une question de perspective ou d’opinion”, a déclaré M. Erlich. "La crise climatique est devenue un problème objectif qui exige des solutions immédiates. Telle une image d’une Pompéi contemporaine ou une relique du futur, l’œuvre fait également allusion à notre position fragile dans le grand équilibre universel.

Classroom (2017) est une installation interactive qui place le public devant deux pièces de proportions identiques divisées par du verre. La première pièce est dépouillée et thématiquement neutre, avec de simples bancs sombres qui invitent à s’asseoir, mais la pièce située de l’autre côté de la fenêtre est une simulation méticuleuse d’une salle de classe délabrée, fermée et figée dans le temps. Lorsque les spectateurs entrent, ils se reflètent dans la vitre et apparaissent comme des fantômes dans la salle de l’autre côté. Ils deviennent ainsi comme des apparitions du passé, une invitation à puiser dans leurs souvenirs personnels et leur imagination pour revenir, en tant qu’adultes, à une scène archétypale de l’enfance. Si les spectateurs apprécient l’atmosphère que cette illusion évoque, ils sont également confrontés à une vision de l’avenir soulevée par leurs propres souvenirs et histoires d’enfance, ainsi qu’aux problèmes de baisse des taux de natalité et de la population auxquels l’Occident est confronté aujourd’hui.

Hair salon (2017), bien qu’il ressemble à une reconstitution d’un salon de coiffure avec des miroirs et des chaises bien rangées, réserve quelques surprises. Certains miroirs n’affichent pas de reflets comme nous en avons l’habitude : nous ne nous voyons pas nous-mêmes, mais plutôt des personnes qui ne sont même pas présentes dans la pièce, et qui nous regardent aussi déconcertés que nous. En fait, de l’autre côté de ce que nous croyons être le miroir se trouve un espace complètement différent. Erlich joue sur notre attente que le miroir nous montre notre visage, alors qu’en fait le “miroir” n’est qu’un cadre séparant un autre espace vide, dans un jeu perceptif d’espaces pleins et vides commun à l’artiste.

Leandro

Biographie

Artiste argentin contemporain de renommée mondiale, Leandro Erlich crée des œuvres qui utilisent des illusions d’optique et des effets sonores pour ébranler nos notions de sens commun. Si ce que voit le public peut sembler familier à première vue, qu’il s’agisse de grandes installations ou de vidéos, un examen plus approfondi révèle une déviation surprenante et dérangeante de ce qui est habituel, sous la forme, par exemple, d’un bateau flottant en l’absence d’eau ou de personnes collées au mur dans des poses diverses.

Né en Argentine en 1973. Il vit et travaille entre Paris, Buenos Aires et Montevideo.

Ses expositions ont récemment battu tous les records en termes d’entrées, indépendamment de la géographie ou du type d’institution : du MORI Art Museum (Tokyo, 2017) qui a attiré plus de 600 000 visiteurs, au HOW Art Museum (Shanghai, 2018), en passant par Liminal, la grande exposition anthologique du MALBA (Buenos Aires) vue par plus de 300.000 personnes ; à l’occasion de The Confines of The Great Void à la CAFAM (Central Academy of Fine Arts, Beijing), premier musée chinois, Erlich est devenu le premier artiste non chinois à occuper la totalité de l’espace d’exposition jusqu’à la rétrospective actuellement en tournée au Brésil (CCBB Belo Horizonte, Rio de Janeiro, São Paulo). En décembre 2022, une nouvelle version de Liminal, la première exposition anthologique aux États-Unis, a été inaugurée au PAMM de Miami, où elle sera présentée jusqu’en septembre 2023.

Erlich a commencé sa carrière professionnelle à l’âge de dix-huit ans avec une exposition personnelle au Centro Cultural Recoleta de Buenos Aires et, après avoir reçu plusieurs bourses (El Fondo Nacional de las Artes, Fundación Antorchas), il a poursuivi ses études au Core Program, une résidence d’artiste à Houston (Glassell School of Art, 1998) où il a développé les célèbres œuvres Swimming Pool et Living Room. En 2000, il participe à la Biennale du Whitney avec Rain et en 2001, il représente l’Argentine à la 49e Biennale de Venise avec Swimming Pool, une œuvre emblématique qui fait partie de la collection permanente du 21st Century Museum of Art à Kanazawa (Japon) et du Voorlinden Museum (Pays-Bas).
Erlich a reçu de nombreux prix critiques internationaux, notamment le Roy Neuberger Exhibition Award (NY, 2017), la Nomination pour le Prix Marcel Duchamp (Paris, 2006), le Prix UNESCO (Istanbul, 2001), le Prix Leonardo (Museo Nacional de Bellas Artes, Buenos Aires, 2000), le Fondo Nacional de las Artes (Buenos Aires, 1992).

Ses œuvres figurent dans de nombreuses collections privées et publiques, dont le Musée d’art moderne de Buenos Aires, le Musée des beaux-arts de Houston, la Tate Modern de Londres, le Musée national d’art moderne du Centre Georges Pompidou de Paris, le 21st Century Museum of Art de Kanazawa (Japon), le MACRO de Rome, le Musée de Jérusalem, le FNAC de France, la Ville de Paris et la SCNF de France, le Musée Voorlinden des Pays-Bas et le MUSAC d’Espagne.

Image : Leandro Erlich, Classroom (2017). Deux pièces de taille identique, bois, fenêtres, bureaux, chaises, porte, miroir, lumières, tableau noir, accessoires scolaires et autres décorations de salle de classe, et boîtes noires. Dimensions variables. Kioku Keizo, Musée d’art Morti

Milan, au Palazzo Reale avec Leandro Erlich l'impossible devient possible

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