Madrid, un regard sur les collections de la Royal Collections Gallery

C’est le dernier né des musées espagnols: la Galería de las Colleciones Reales, la galerie des collections royales, a ouvert ses portes le 29 juin, dans un grand bâtiment creusé dans la roche sous le palais royal, au cœur du centre historique de Madrid, selon le projet des architectes Luis Moreno Mansilla et Emilio Tuñón. Le musée, un projet ambitieux qui abrite une grande partie des collections du patrimoine de la couronne espagnole, a enregistré plus de cent mille visiteurs au cours de ses deux premiers mois d’ouverture, juillet et août, avec une moyenne d’environ deux mille visiteurs par jour qui affluent vers le musée, attendu depuis des années, pour s’immerger dans les cinq siècles de collection royale qui y sont représentés. Les visiteurs ont d’emblée salué la variété des objets exposés, qui vont des peintures et armures aux tapisseries, en passant par le mobilier et les arts décoratifs, ainsi que la répartition chronologique des œuvres, qui sont classées non pas en fonction de la date d’exécution, mais selon les critères des collectionneurs: en effet, l’exposition suit les figures des monarques qui ont acquis les pièces pour les collections royales. L’exposition suit en effet les figures des monarques qui ont acquis les pièces pour les collections royales. On apprécie également le soutien d’éléments audiovisuels qui nous permettent de comprendre les événements les plus importants des différents règnes.

Après avoir consacré un long article au bâtiment, voyons maintenant de plus près les collections conservées dans la galerie. À l’heure actuelle, le musée expose plus de 650 pièces, dont une centaine font l’objet d’une description détaillée sur le site web du musée. Le public y trouve des peintures, des sculptures, des armures, des tapisseries, des objets d’art décoratif et des carrosses. Le parcours débute avec les Rois Catholiques, à la fin du XVe siècle, et s’étend jusqu’aux règnes de la Maison d’Autriche, de Charles Quint à Charles II, à la fin du XVIIe siècle. Une période de plus de deux siècles au cours de laquelle se distinguent le travail de collection des monarques et les remarquables entreprises culturelles qu’ils ont encouragées, comme la construction du monastère de l’Escurial. En outre, la galerie accueille des études approfondies sur l’origine de la monarchie hispanique et sur la naissance de la ville de Madrid (les vestiges des murailles du IXe siècle sont intégrés dans le bâtiment).

PhotoFinestre Sull’Arte

PhotoFenêtres sur l’art

: Fenêtres sur l’art

La visite commence à l’étage -1, consacré à la période des Rois Catholiques, c’est-à-dire de la fin du XVe siècle à la fin du XVIIe siècle, en passant par les règnes de la Maison d’Autriche, de Charles Quint à Charles II. Tout au long des règnes successifs, les intérêts et les goûts personnels des monarques et de leurs familles sont mis en évidence, tant dans la formation des collections royales que dans la construction et la décoration des nouveaux palais, en particulier le Nouveau Palais Royal et le Palais de la Granja. La conclusion de la visite explique comment ces biens, qui ont appartenu à la Couronne et qui sont aujourd’hui propriété de l’État, sont actuellement gérés par le Patrimoine national, l’organisme chargé de leur conservation et de leur diffusion.

Le point central de l’étage -1 est le Christ crucifié de Titien, semblable à la Crucifixion peinte par le peintre Cadore en 1558 pour l’église de San Domenico à Ancône, bien qu’ici Titien tente de donner des accents plus épiques à la scène, mais avec moins d’efficacité dramatique à l’œuvre paysagère. L’œuvre n’est pas mentionnée dans la correspondance entre Philippe II, ses ambassadeurs espagnols et l’artiste, de sorte que les détails de la commande et de son envoi au roi sont inconnus. Sa première mention documentaire est la livraison de l’objet au monastère royal de San Lorenzo de El Escorial en 1574, où elle est citée comme une œuvre réalisée “de la main de Titien”. Un peu plus ancienne est la médaille de Leone Leoni célébrant la victoire de Charles Quint à Mühlberg: l’effigie de l’empereur qui orne l’avers de cette médaille constitue un intéressant portrait du souverain, qui sera diffusé dans tous les territoires connus à l’époque, qu’ils soient gouvernés par l’empereur ou non. Couronné d’un laurier et portant la Toison d’or, l’image de l’homme le plus puissant de la planète à l’époque est chargée de symbolisme car elle est en relation directe avec les représentations classiques des empereurs romains. Le revers représente une scène mythologique dans laquelle Jupiter, auquel l’empereur s’identifierait, accompagné d’autres dieux et assis sur un aigle, foudroie les Titans, les empêchant d’escalader le mont Olympe, dans une allusion évidente aux princes protestants qui s’étaient rebellés contre lui. Toujours au XVIe siècle, on trouve la Sainte Famille avec saint Jean de Lavinia Fontana, une œuvre de 1589 qui, quatre ans plus tard seulement, bien que la date de son arrivée en Espagne soit inconnue, est mentionnée dans les collections de Philippe II à l’Escurial. En 1602, le chroniqueur José de Sigüenza fait un éloge enthousiaste de l’œuvre et la place dans le chapitre de la vicairie du monastère de l’Escorial, où elle restera longtemps.

Au XVIIe siècle, le public pourra admirer la Salomé à la tête de baptiste du Caravage, une œuvre datant de 1607. L’œuvre a été réalisée pendant la période où Caravage a dû s’exiler après sa fuite précipitée de Rome en 1606. Le modelé solide et la charge émotive dans l’utilisation de la couleur permettent de l’encadrer techniquement lors de sa première étape à Naples, entre octobre 1606 et juin 1607. Il s’agit de l’un des tableaux les plus importants de la collection de Philippe IV: Elle provient de la collection de García de Avellaneda y Haro, deuxième comte de Castrillo, vice-roi de Naples entre 1653 et 1659, et est mentionnée dans l’inventaire de sa collection en 1657 (on sait cependant que le comte, comme d’autres hauts dignitaires de Philippe IV, recevait des sommes d’argent pour des “dépenses secrètes”, dont une partie servait à l’achat d’œuvres d’art pour Philippe IV). L’œuvre est mentionnée pour la première fois à l’Alcazar de Madrid en 1666 et y est restée jusqu’à l’incendie de l’édifice en 1734, passant ensuite dans divers palais royaux. Le Cheval blanc de Diego Velázquez, datant de 1634-1638, se trouvait en 1660, date de la mort de l’artiste, dans son atelier (où il attendait probablement d’être complété par la figure d’un cavalier, ou servait de modèle pour des portraits équestres). Il est possible qu’il s’agisse du cheval “ bayo ” mentionné dans les inventaires de l’Alcazar de Madrid en 1686 et 1700, bien qu’il n’y ait aucune nouvelle certaine de la peinture jusqu’à son acquisition en 1848 par Isabelle II. Au même étage se trouvent le Carrosse noir (1670-1680), l’un des carrosses les plus spectaculaires du monde (il a appartenu à la reine Marianne d’Autriche, à qui il a probablement été offert par un parent en France, en Autriche ou en Flandre, lieux probables où l’œuvre a été réalisée) et la statue avec le Carrosse noir (1670-1680), l’un des carrosses les plus spectaculaires du monde.La statue de l’Archange Michel de Luisa Roldán , connue sous le nom de la Roldana, splendide exemple de l’art de la sculptrice sévillane, réalisée en 1692.

Il convient également de mentionner un chef-d’œuvre de la sculpture baroque comme La rencontre d’Attila et du pape Léon le Grand aux portes de Rome d’Ercole Ferrata, destiné à l’autel de l’oratoire privé du roi à l’Alcazar de Madrid. Les anciens inventaires de la collection royale espagnole nous apprennent que la base en calcédoine portait à l’origine l’inscription “Pax Christiana suviecit”, perdue au fil du temps, mais qui a permis d’interpréter l’œuvre comme un cadeau diplomatique destiné à promouvoir la paix entre l’Espagne et la France, qui allait devenir effective avec la Paix des Pyrénées en 1659. Un splendide objet d’art appliqué, en revanche, est le tabernacle de 1619 de Domenico Montini, réalisé par l’artiste siennois pour l’église de l’Annonciation à Naples, mais envoyé en Espagne par Pedro Téllez-Girón y Velasco, duc d’Osuna et vice-roi de Naples, qui ajouta les armoiries royales sur le tabernacle et en fit don au roi Philippe III. La qualité de ce tabernacle lui valut l’admiration de la cour de Philippe IV, et il figurait déjà dans l’inventaire du Bureau du garde des joyaux en 1622. Il occupait également une place de choix dans la chapelle de l’Alcazar de Madrid, où il fut sauvé des flammes de l’incendie qui détruisit l’édifice la veille de Noël 1734. Il convient également de mentionner le très particulier encensoir de Trapani (1645-1647) en cuivre, bronze et corail, probablement acquis sous le règne de Philippe IV.

L’étage -2 est consacré aux Bourbons et couvre une période de plus de trois siècles, du début du XVIIIe siècle à nos jours. Tout au long des règnes successifs, les intérêts et les goûts personnels des monarques et de leurs familles sont mis en évidence, tant dans la formation des collections royales que dans la construction et la décoration des nouveaux palais, en particulier le Nouveau Palais Royal et le Palais de la Granja. La conclusion de la visite explique comment ces biens, qui ont appartenu à la Couronne et sont actuellement la propriété de l’État, sont gérés par le Patrimoine national, l’organisme chargé de leur conservation et de leur diffusion.

Nous commençons par d’importantes œuvres d’Anton Raphael Mengs consacrées à la Passion du Christ , qui ont servi à recouvrir la chambre de Charles III au Palais royal de Madrid, et nous poursuivons avec une œuvre intéressante de Lorenzo Tiepolo, Pasiega et soldats (les pasiegos sont une communauté vivant dans les montagnes de Cantabrie, dans le nord de l’Espagne), peinte au pastel et reflétant la mode des peintures ayant pour sujet les paysans, particulièrement populaire dans la seconde moitié du XVIIIe siècle. L’œuvre fait partie d’une série de douze pastels représentant autant de types populaires, dont la signification est encore confuse aujourd’hui, car on ignore la connotation sociale des gestes dans l’imaginaire collectif de l’époque. L’exposition présente également de nombreuses œuvres de Francisco Goya: les caricatures qu’il a réalisées pour la Real Fábrica de Tapices de Santa Bárbara à Madrid, avec laquelle le peintre a entretenu une relation d’une vingtaine d’années, sont particulières et inhabituelles. Le public peut admirer, par exemple, la Chasse au sanglier qui fait partie de la série de cartons de tapisserie destinés à la salle à manger des princes des Asturies dans le palais de San Lorenzo à l’Escurial. La chasse au sanglier n’était pas un thème anodin: il ne s’agissait pas d’un simple divertissement, mais d’un moment de formation important (surtout pour des raisons stratégico-militaires).

Il y a aussi une belle paire de tableaux de Jean-Antoine Watteau, La leçon de chant et L’amoureux timide, des œuvres sur un sujet galant qui sont entrées dans les collections royales avec l’achat par Charles III en 1764 (son intérêt pour le peintre français est documenté). Les mosaïques de Pietro Paolo Cristofari(Ecce Homo et la Vierge Marie), offertes par le pape Clément XII à la reine María Amalia de Saxe le 15 juin 1738, alors qu’il traversait les États pontificaux pour se rendre de Dresde à Naples, sont également d’un grand intérêt. Cristofari a utilisé des modèles de Guido Reni pour les réaliser: le peintre bolonais a fixé dans ses modèles ce regard typique levé vers le ciel, que l’on retrouve dans deux figures mais aussi dans d’autres personnages de l’histoire sacrée et profane, et qui a trouvé (encore aujourd’hui) un large écho dans les images de dévotion.

Si l’on se tourne plutôt vers les œuvres d’art appliqué, singulière est la chaise à porteurs peinte par l’un des plus grands artistes du XVIIIe siècle, Corrado Giaquinto, qui arriva en 1753 à la cour de Ferdinand VI et resta en Espagne jusqu’en 1762: il s’agit de la chaise à porteurs de la reine Barbara de Bragance, témoin de l’évolution de la chaise à porteurs à la fin du XIIe siècle. L’œuvre est sculptée de motifs rupestres en grand mouvement, une décoration typiquement rococo, tandis que la peinture qui orne les différents panneaux est un hymne à la paix et à l’harmonie, avec des putti cueillant des fruits, chassant ou jouant à des jeux dionysiaques. Au dos, une scène de glorification exalte le souverain: deux génies ailés en vol portent une couronne de laurier, tandis que d’autres voltigent dans un cercle de palmes et de fleurs. La commode de Mattia Gasparini (1764-1769), réalisée pour les appartements privés de Charles II au Nouveau Palais Royal de Madrid, est impressionnante. Les meubles conçus par Gasperini pour le roi, avec leurs lignes sinueuses et leurs grands volumes, sont fabriqués dans les bois les plus nobles, notamment ceux provenant directement d’Amérique et connus sous le nom de “de Yndias”. Dans cette commode, la structure en noyer espagnol comprend plusieurs tiroirs cachés derrière la frise supérieure, que l’on déverrouille en actionnant une languette située à l’intérieur de l’espace supérieur du tiroir. L’ensemble est recouvert d’une riche marqueterie de bois précieux, dans laquelle divers éléments décoratifs se détachent sur un fond de losanges, où se fait sentir l’influence orientale si en vogue dans la seconde moitié du XVIIIe siècle. Les pivoines, protagonistes de la commode, étaient associées à l’idée de noblesse, et les fleurs de lotus, symbole de pureté dans le monde bouddhiste, ainsi que les pies et les carpes, liées respectivement au bonheur et à la force, sont représentées à côté d’elles. Le plateau en marbre et les ferrures en bronze doré, réalisées par le bronzier Antonio Vendetti, complètent cette commode. Le miroir de Filippo Juvarra de 1735-1736 provenant du Palais de San Ildefonso, sculpté par le Génois Bartolomeo Steccone, est un magnifique exemple de miroir décoré d’éléments figuratifs et végétaux, qui sont une référence directe au mobilier baroque italien et sont liés aux consoles que Juvarra lui-même a conçues pour le palais. L’itinéraire se termine en 1852 avec la Couronne de la Vierge d’Atocha, offerte par la reine Isabelle II à la Vierge en signe de gratitude pour être sortie indemne de l’attentat perpétré par le religieux Martín Merino dans la galerie du palais royal de Madrid (ayant survécu, la reine offrit les bijoux qu’elle portait ce jour-là, le 2 février 1852, en guise d’ex voto à la Vierge de la chapelle royale d’Atocha): la couronne, en particulier, est l’une des meilleures œuvres de l’orfèvre Narciso Práxedes Soria).

Enfin, ledernier étage, le -3, est conçu comme un espace dynamique avec deux points d’intérêt principaux: la salle d’exposition temporaire et “El Cubo”, un espace audiovisuel à 360º où les visiteurs peuvent découvrir les sites royaux de l’Escorial, d’Aranjuez, de La Granja et d’El Pardo. Au cours des prochains mois, la Galerie des collections royales organisera des cycles de conférences: après le premier cycle, qui s’est déroulé en septembre avec des rencontres gratuites, les “Mardis de la Galerie” reprendront en octobre et seront axés sur le musée. Le premier cycle, en septembre, a été consacré au projet: la construction du bâtiment, l’exposition et les choix muséographiques ont été discutés. Dans les trois cycles d’octobre, novembre et décembre (tous les mardis à 19 heures, dans l’auditorium de la Galerie), nous parlerons respectivement de l’identité du musée et des vestiges archéologiques de la muraille arabe, de l’exposition temporaire En movimento et de la collection de carrosses, ainsi que de la réalisation du documentaire, produit par Arena Comunicación, qui retrace le processus de création de la Galerie.

Ce programme de conférences est conçu chaque année par le Patrimoine national pour faire connaître les projets de conservation et de recherche menés à bien par tous ses départements, mais aussi pour faire connaître les collections, les biens et les espaces verts que l’institution gère dans six communautés autonomes: Madrid, Castilla y León, Castilla-La Mancha, Baléares, Andalousie et Estrémadure.

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