Antonio Addamiano: "L'art italien a un grand potentiel, comme la mode. Mais nous ne l'exploitons pas

Avec le retour des foires d’art, nous revenons sur le marché et la scène italienne. Parmi les protagonistes de ces derniers temps, il y a certainement la Dep Art Gallery de Milan, parmi les plus actives même pendant la pandémie et prête à se présenter au public avec un nouveau programme et des expositions de qualité, dans un marché (le marché italien, mais aussi le marché international) qui est en train de changer. De quelle manière? Nous en avons parlé avec Antonio Addamiano, directeur de la Dep Art Gallery. L’interview est réalisée par Federico Giannini.

FG. Dep Art vient de rentrer de MiArt: comment s’est déroulée la foire ?

AA. Elle s’est bien passée, car nous ne nous attendions pas à une réponse du public aussi importante et de qualité. Évidemment, les foires d’aujourd’hui reflètent un peu la façon dont le public les aborde: alors qu’autrefois on venait à la foire avec l’idée de vendre, aujourd’hui l’idée est de présenter le programme de la galerie, de montrer de nouvelles œuvres, ses propres artistes, ou de parler des événements à venir ou des expositions passées (et dans notre cas, des catalogues). On ne s’attend donc plus, sincèrement, à conclure la vente en quelques minutes et quelques heures. Mais la foire reste cruciale pour le contact. Avec le public nombreux qui était présent à MiArt, je dois dire que le bilan est positif.

Comment évoluent les foires d’art contemporain? Ont-elles encore un sens, ou du moins tel que nous les avons connues jusqu’à présent ?

Elles ont certainement un sens, tant pour ceux qui ont, comme nous, un marché primaire que pour le marché secondaire, car les foires restent le premier lieu de rencontre pour présenter les artistes et leur parler non seulement de leur prix, mais aussi de leur langage et de leur recherche, ainsi que de la galerie elle-même. D’autre part, elles sont également utiles aux galeristes qui font du marketing secondaire, c’est-à-dire de l’achat et de la vente, pour permettre aux gens de voir l’œuvre en direct et de discuter des négociations en ayant une idée plus complète de leur interlocuteur. Par ailleurs, les foires sont également importantes parce qu’il est très difficile de vendre en ligne: nous ne pouvons vendre que l’artiste du moment ou l’artiste le plus accessible. Pour tout le reste, la foire et le travail en galerie sont fondamentaux. En outre, une foire en ville comme MiArt est encore plus importante pour toutes les galeries de Milan, car il y a beaucoup plus de chances que le public de la foire vienne également vous voir dans la galerie (nous avons plus ou moins un rendez-vous par jour cette semaine, par exemple).

Quant au public et aux collectionneurs, après dix-huit mois sans foires, ont-ils changé leur façon d’aborder l’achat ou même la simple rencontre avec l’œuvre proposée par la galerie?

J’ai surtout remarqué (peut-être aussi parce que je suis passé du secteur moderne au secteur contemporain) un changement dans la tranche d’âge: une diminution des personnes âgées de soixante à quatre-vingts ans, peut-être due à des problèmes de risque de contagion, et une nouvelle vague de collectionneurs entre quarante et soixante ans, qui ont souvent approché ce monde parce que, pendant la pandémie, ils se sont informés via internet, ou parce qu’ils ont eu le temps de cultiver une passion pour l’art. C’est un peu une surprise. Au fond, nous avons vu un autre type de collectionneur, une nouvelle génération. Je ne saurais dire si elle a été créée par l’enfermement, par le fait de rester à la maison, par l’information, par les nombreux articles sur l’art en tant qu’investissement, sur l’art et le design, ou encore par la redécouverte de la maison (beaucoup ont eu l’occasion de rénover ou d’acheter de belles pièces de mobilier et même des œuvres d’art), mais tous ces éléments ont eu un impact fort. Il y a eu une crise, certes, mais pas pour tous les secteurs d’où proviennent les acheteurs, donc l’art, heureusement, arrive toujours à se sauver parce qu’il y a des niches de gens qui travaillent dans des environnements qui continuent à fonctionner même pendant les crises. Dans le cas de la pandémie, la pharmacie, la banque et l’immobilier ont été trois secteurs très forts au cours de ces dix-huit mois, peut-être au détriment de tous les clients que nous avions dans la restauration et la mode, ou chez les notaires, les avocats et les dentistes. Il y a donc eu un changement dans la composition de la clientèle: les nouvelles catégories de travailleurs ont manifesté beaucoup plus d’intérêt que les catégories plus traditionnelles. On peut s’en rendre compte en participant à un salon, car sur l’internet, le client vous envoie une demande et vous y répondez, sans connaître la profession. En personne, les clients vous disent qui ils sont et vous vous rendez compte de qui vous avez en face de vous.

Les nationalités ont-elles changé? Y avait-il un public international à MiArt ou était-ce surtout un public italien ?

Il y avait beaucoup moins de public international: alors qu’avant il y avait 70 % d’Italiens et 30 % d’étrangers (principalement des Américains, des Asiatiques et des Européens), aujourd’hui le rapport est de 90-10. Et 10 % étaient des Suisses, des Allemands et quelques Français.

Cela a-t-il pu être influencé par le fait que la semaine suivant MiArt, il y avait Art Basel?

Non, parce qu’à Art Basel (j’y étais le lundi), j’ai eu le même sentiment: beaucoup de gens venaient de différentes parties de l’Europe, parce qu’il est encore très compliqué de partir des États-Unis ou de l’Asie. En fin de compte, vous êtes tous partis de votre propre pays et des pays voisins. Dans chaque pays, il y a beaucoup d’événements, ce qui fait qu’au moins cette année, vous êtes heureux de visiter votre propre foire. Il y a aussi le fait que chaque foire nationale (qu’elle soit italienne, anglaise, française, chinoise, américaine ou suisse) a toujours une offre d’artistes internationaux, une vision cosmopolite ne manque jamais. Le public italien peut venir à Milan et bénéficier d’une large offre. Beaucoup de nos galeries ont plusieurs artistes étrangers, et il n’est plus nécessaire d’aller à l’étranger pour les rencontrer. Cela a aussi beaucoup changé car, il y a dix ans à peine, il y avait une majorité d’artistes italiens à MiArt.

En Italie, il existe trois foires principales (Artissima à Turin, MiArt à Milan et Arte Fiera à Bologne), naturellement chacune avec son identité et ses spécificités: est-ce un avantage pour le secteur ou cela peut-il être quelque peu pénalisant ?

C’est un avantage parce que la scène est très variée: il y a trois foires principales, deux autres foires nationales plus récentes et de qualité (celle de Vérone, et celle de Rome qui est sur le point de naître) et une dizaine de foires qui s’adressent à un public local et à de petits collectionneurs. En tant que calendrier, c’est à mon avis largement suffisant. Les foires locales donnent de la visibilité aux petites galeries, notamment parce que le rapport des dépenses pour elles est de 1:10. Pour un stand dans une “petite” feria, vous dépensez environ 2 000 euros ; dans une foire plus importante, il vous en faut 20 000. J’ai rencontré des jeunes d’une vingtaine d’années qui voulaient se faire un nom: devons-nous leur dire de ne pas exposer dans les foires locales? J’ai moi-même commencé par là. Si vous savez les “lire”, ces foires sont une bonne école. Les frais de participation sont peu élevés, vous rencontrez les premiers collectionneurs (et parfois aussi les premiers “malins”) et vous vous formez. Vous n’offrez pas beaucoup de visibilité à vos artistes, car exposer dans une foire secondaire crée moins d’opportunités, mais c’est avantageux pour un jeune qui veut acquérir de l’expérience. Les trois foires de Turin, Milan et Bologne donnent une plus grande visibilité à l’artiste et servent donc à la fois l’artiste et la galerie, car ce sont des événements incontournables pour les collectionneurs de haut niveau et les conservateurs établis.

En ce qui concerne Dep Art, nous avons dit qu’à la foire, vous avez vécu ce changement de direction du moderne au contemporain. Pourquoi ce choix ?

Parce que je voulais être dans la zone de la foire où les collègues traitent avec le marché primaire, où le galeriste travaille en étroite collaboration avec l’artiste ou sa fondation. Dans le moderne, le profil du client est plus préparé, car il y a une dynamique de l’art en tant qu’“investissement”: dans mon cas, les clients auraient su que les œuvres de Cruz-Diez ou de Biasi ont des valeurs autour de 140-200 000 euros. Dans ce cas, il n’y a pas d’effet de surprise chez le client car il est conscient du calibre des artistes présents sur le stand. Pour les contemporains, nous avons dû expliquer qui était un maître italien comme Biasi. Mais cela en valait la peine. Et puis il y a une autre considération à prendre en compte: dans la section moderne, De Bellis et Rabottini n’ont jamais exposé d’œuvres récentes d’artistes, mais seulement des œuvres datant des années 1990. Cela nous a pénalisés pendant longtemps avec Wolfram Ullrich: bien qu’il soit l’artiste le plus important pour nous, qu’il ait du succès dans les expositions parce qu’il a un charme incroyable en personne, les œuvres des années 1990 ne le représentent pas pleinement, ce sont des œuvres dépassées. Le changement de commissariat qui a eu lieu dans cette édition de MiArt 2021 m’a permis d’exposer Ullrich avec des œuvres qui témoignent à la fois de son évolution, de 2000 à aujourd’hui, et avec des œuvres spécialement conçues pour l’événement.

Pour une galerie d’art contemporain italienne, quelles sont les plus grandes difficultés aujourd’hui?

Certainement le régime fiscal en vigueur en Italie. Par rapport à d’autres pays, l’Italie facilite très peu les galeries d’art contemporain, du moins sur quatre points: la TVA à l’importation, les SIAE, la TVA sur les ventes et l’Art Bonus. Aucun de ces quatre éléments ne facilite l’art contemporain en Italie, ce qui explique pourquoi tant de galeries sont basées à l’étranger, où il suffit de quelques transactions pour se rendre compte de la commodité. Imaginez les œuvres des “grands” internationaux: payer 10 % d’importations au lieu de 5 % comme dans d’autres pays et ajouter une TVA de 22 % ne rend pas les Italiens compétitifs sur un marché mondialisé. La prime à l’art n’est destinée qu’aux musées et aux rénovations et n’aide donc pas non plus les jeunes artistes. Telles sont les initiatives de l’Association nationale des galeries d’art moderne et contemporain à l’égard du gouvernement. Accordez-en au moins un ! Sinon, il n’y a pas d’avenir, et c’est dommage. En Italie, nous avons des artistes de très grande qualité, peut-être parmi les meilleurs au monde. Et j’espère que, tôt ou tard, le gouvernement nous donnera au moins un signal. Je ne dis pas qu’il faut résoudre les quatre problèmes que j’ai mentionnés, mais au moins l’un d’entre eux. Car nous nous éloignons de plus en plus des réalités internationales. J’étais à Paris mardi dernier: on voit vraiment une évolution complètement différente, dans les propositions, dans la taille des galeries, dans le nombre d’employés. Ici, nous ne sommes sauvés que par la capacité des galeristes (il y en a beaucoup de bons !) et la grande qualité des artistes. Nous avons un potentiel inexprimé incroyable, et je ne comprends pas pourquoi les institutions ne réalisent pas qu’il suffirait d’imiter nos voisins. Nous n’avons pas à inventer quelque chose de nouveau. Même en ce qui concerne les fonds destinés à soutenir les résidences d’artistes, les prix, les nouvelles générations, il n’y a pas de réel intérêt à soutenir de telles propositions. L’accent est mis sur le soutien aux musées - ce qui est bien, car nous avons une offre muséale unique au monde - et pour la plupart des gens, il est plus logique de financer Pompéi ou le Colisée, plutôt que le système artistique privé ou celui des jeunes. Mais une génération au potentiel incroyable est en train de se perdre. L’incitation créée par ces grands lieux publics de culture ne fait aucun doute, mais celle d’une grande galerie n’est pas moindre. Nous, les galeristes, sommes très proches de la mode: nous pourrions atteindre des niveaux très élevés, être un secteur capable d’attirer des visiteurs de l’étranger. Je ne parle pas seulement d’acheteurs, mais d’un public qui découvre et tombe amoureux de l’Italie grâce aux galeries d’art contemporain. Pourtant, il semble que la direction ministérielle ne s’intéresse pas à cela. Sans parler de la difficulté de l’exportation, qui est le seul point d’accord entre les galeries d’art, les maisons de vente aux enchères, les philatélistes, les antiquaires et les galeries de design. Il serait temps de renouveler la loi sur l’exportation, qui restreint actuellement la circulation des œuvres d’art, même celles qui n’ont pas d’importance historique. L’environnement commence à craindre un effondrement des valeurs économiques: si vous passez de la vente de vos artistes dans le monde entier à la concentration exclusive sur le marché italien, les prix baisseront automatiquement, parce que la clientèle internationale sera perdue, avec la dévaluation subséquente de l’œuvre sur le marché. De mon point de vue, ce problème doit être souligné.

Comment Dep Art sort-il de ces dix-huit mois de blocus forcé ?

L’accent a été mis sur l’achèvement et la mise en œuvre du département numérique avec le matériel disponible au cours des dix dernières années, en le rendant interactif. Nous avions déjà une bonne base grâce à nos plateformes sociales (en particulier Instagram, Facebook et surtout YouTube, où nous étions déjà présents), et nous avons pu les mettre en œuvre en ajoutant deux techniciens (un vidéaste et un monteur) et deux autres personnes à la galerie qui étaient responsables de la traduction du matériel, afin de le rendre aussi international que possible. Entre-temps, nous avons mis en place un très bon programme pour la galerie, nous avons produit de belles expositions et de beaux catalogues, et nous sommes maintenant revenus à l’interface d’exposition. Nous avons enregistré une baisse des recettes, mais celle-ci a correspondu à une baisse des coûts, car les foires représentent 70 % des dépenses annuelles de la galerie. Nous avons donc eu un solde positif, doublé d’une croissance du personnel: nous avons eu beaucoup de temps pour être ensemble, pour travailler en équipe et pour développer considérablement le contenu. En fait, cette période n’a pas été si mauvaise pour nous. Elle l’a été davantage pour les artistes dont les œuvres nécessitent un contact visuel: il est évident que tous les artistes n’obtiennent pas les mêmes résultats sur le web. Dans notre cas, Wolfram Ullrich, le premier artiste en termes de ventes en situation directe, a chuté de manière palpable, car il ne pouvait se référer qu’au visionnage via des plateformes numériques.

Pour conclure, quels sont vos projets pour l’avenir immédiat?

Nous inaugurerons bientôt l’exposition d’Imi Knoebel, un grand artiste international qui vit et travaille à Düsseldorf et qui est absent de Milan depuis 30 ans (sa dernière exposition a eu lieu au PAC en 1991). C’est avec beaucoup d’enthousiasme et d’honneur que nous avons eu l’occasion de réaliser ce deuxième rêve (le premier était Carlos Cruz-Diez il y a deux ans). La pandémie a provoqué une période de stagnation, où de nombreux artistes internationaux importants (comme Imi Knoebel) ont subi un ralentissement inévitable, de sorte qu’il a été possible de lui soumettre notre exposition à la galerie, en établissant un dialogue fructueux et honnête. Le fait que ma proposition lui soit parvenue dans une période difficile a été très apprécié par lui: je suis allée le rencontrer à Bâle précisément parce que nous voulions aussi comprendre s’il était satisfait de ce projet, créer un point de rencontre, et il a exprimé sa joie et sa conviction. Travailler avec une jeune galerie, qui a traversé cette période et qui peut être l’une des galeries de demain, l’intéresse beaucoup: avoir soigné la mise en page et publié les catalogues qui accompagnent chaque exposition a certainement eu son poids. Le 7 octobre, nous prendrons donc un excellent départ et nous nous en réjouissons.

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