von Redazione 13/11/2026
Kategorien: Ausstellungen / Haftungsausschluss
Ab dem 13. November 2026 präsentiert das MAXXI in Rom drei neue Ausstellungsprojekte, die Shirin Neshat, Gordon Matta-Clark und Nanda Lanfranco gewidmet sind. Drei Ausstellungen zwischen Fotografie, Kino, architektonischem Experimentieren und der Erinnerung an die zeitgenössische Kunst.
Das MAXXI in Rom eröffnet am 13. November 2026 drei neue Ausstellungen, die sich mit einigen der bedeutendsten Themen der zeitgenössischen Kunst befassen: von Identität und sozialer Kontrolle über die Transformation städtischer Räume bis hin zur visuellen Erinnerung an die künstlerischen Erfahrungen der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts. Im Mittelpunkt stehen Shirin Neshat mit „Do U Dare!“, Gordon Matta-Clark, der im Mittelpunkt einer umfassenden Retrospektive steht, sowie die Fotografin Nanda Lanfranco, der der Schwerpunkt „Die Welt ordnen. Das Archiv von Nanda Lanfranco“ gewidmet ist.
Shirin Neshat. „Do U Dare!“: Identität, Einsamkeit und Macht im digitalen Zeitalter
Vom 13. November 2026 bis zum 10. Januar 2027 zeigt das MAXXI „Shirin Neshat. Do U Dare!“, eine Ausstellung, die das Publikum in das visuelle und psychologische Universum der iranischen Künstlerin entführt, die zu den bekanntesten Persönlichkeiten der internationalen Kunstszene zählt. Das von Bartolomeo Pietromarchi kuratierte Projekt, bei dem Anne Palopoli als assoziierte Kuratorin mitwirkt, vereint eine Filmtrilogie und eine Fotoserie, die zwischen 2025 und 2026 entstanden sind.
Im Mittelpunkt der Auseinandersetzung stehen erneut einige zentrale Themen aus Neshats Werk: das Exil, die Situation der Frau, das Verhältnis zwischen Individuum und Macht, die Identitätsbildung sowie die Spannungen zwischen Orient und Okzident. Inspiration für „Do U Dare!“ ist die Geschichte von Nasim Najafi Aghdam, einer iranischen Frau aus der Bahá’í-Gemeinde, die in die Vereinigten Staaten emigrierte, um religiöser Verfolgung zu entgehen. In ihrem neuen Heimatland hatte Nasim in der Produktion von YouTube-Videos ein Mittel gefunden, sich auszudrücken, wirtschaftliche Unabhängigkeit zu erlangen und Anerkennung zu erlangen. Durch Performances, Musik, Tanz und Inhalte, die sich auch den Tierrechten widmeten, hatte sie eine persönliche und unverwechselbare digitale Präsenz aufgebaut. Die Beziehung zur Plattform hatte sich jedoch zunehmend verschlechtert, bis es 2018 zu dem tragischen Vorfall kam: Die Frau eröffnete das Feuer im kalifornischen Hauptsitz von YouTube, verletzte drei Menschen und nahm sich anschließend das Leben.
Neshat beschränkt sich nicht darauf, den Vorfall nachzuzeichnen, sondern leitet daraus eine Reflexion über Formen der Einsamkeit und Ausgrenzung, über das Verlangen nach Zugehörigkeit und über die Kontrollmechanismen der heutigen Gesellschaft ab, wobei er auch auf die zunehmende Verbreitung des Autoritarismus in den Vereinigten Staaten eingeht. Die individuelle Geschichte wird so zum Ausgangspunkt, um eine kollektive Situation zu hinterfragen – durch eine Sprache, die Realismus und traumhafte Visionen miteinander verwebt.
Die Trilogie gliedert sich in drei Kapitel, die im Großraum New York spielen und jeweils eine andere Dimension der Beziehung zwischen Individuum und Gesellschaft beleuchten. In „Wall Street“ bewegt sich die Protagonistin im Herzen der amerikanischen Wirtschaftsmacht, zwischen den Wolkenkratzern und der monumentalen Architektur Manhattans. Hier sieht sie sich mit einem System konfrontiert, das sie nicht anzuerkennen scheint, bis sie schließlich in eine theatralische und surreale Inszenierung verwickelt wird, in der sie gleichzeitig die Rolle der Zuschauerin und der Protagonistin einnimmt. Das Bild wird zu einem Instrument, um Sichtbarkeit einzufordern und Machtdynamiken in Frage zu stellen.
Der zweite Film, „Brooklyn“, spielt in einem Stadtteil, der von Prekarität und Marginalisierung geprägt ist – was durch die Wahl der Schwarz-Weiß-Optik noch verstärkt wird. Die Protagonistin beobachtet eine Realität, der sie fremd erscheint, und nimmt zunächst eine distanzierte Haltung ein. Anschließend verlagert sich die Erzählung in einen Kontext, in dem ein amerikanischer Politiker Parolen verkündet, die in offensichtlichem Kontrast zu seiner Umgebung stehen. Die Wende kommt mit dem Betreten eines Perückenladens durch die Frau: Der Übergang zu Farbe und die Verkleidung, die sie in eine Art Wonder Woman verwandelt, deuten auf das Entstehen eines neuen Bewusstseins und die Überwindung eines Zustands scheinbarer Passivität hin.
Mit „Suburb“ gelangt die Erzählung in die amerikanischen Vororte, zwischen gepflegten Häusern, Gärten und Symbolen eines Wohlstands, der Widersprüche verbirgt. In einem Haus voller Perücken, Schaufensterpuppen, Kleidung und Requisiten durchläuft die Protagonistin ständige Verwandlungen. Das häusliche Umfeld verwandelt sich in ein Set und ein Laboratorium des Bildes, in dem die Grenze zwischen authentischer Identität und Darstellung immer unschärfer wird.
Die drei Episoden bilden eine einzige Erzählung, in der sich der weibliche Körper als Raum der Verwandlung und des Widerstands, aber auch der Auseinandersetzung mit Machtstrukturen behauptet. Der Übergang von Schwarz-Weiß zu Farbe begleitet diese Entwicklung und führt eine emotionale und symbolische Dimension ein.
Neben den Filmen präsentiert die Ausstellung eine Reihe von Fotografien, in denen menschliche Figuren das Aussehen zerbrechlicher Porzellanpuppen annehmen. Gesichter, Hände und Oberkörper verwandeln sich in fast geisterhafte Erscheinungen und regen dazu an, über den Einfluss der sozialen Medien auf die Identitätsbildung nachzudenken. Durch Anspielungen auf die surrealistische Fotografie entfremdet Neshat das Vertraute und wirft eine Frage auf: Wie viel Raum bleibt für individuelle Autonomie in einer Gesellschaft, die dazu neigt, Menschen zu vereinheitlichen und diejenigen an den Rand zu drängen, die sich nicht anpassen? Die poetischen Auszüge von Forugh Farrokhzad, die die Bilder begleiten, verleihen dem Rundgang eine weitere, zutiefst lyrische Dimension.
Anlässlich der Eröffnung am Freitag, dem 13. November 2026, um 18 Uhr wird Shirin Neshat im Rahmen der Reihe „Conversazioni d’autore“ mit dem Publikum des MAXXI zusammentreffen. Im Gespräch mit der Kunsthistorikerin Maria Alicata wird die Künstlerin das Thema der menschlichen Zerbrechlichkeit im Zeitalter der hypervernetzten Einsamkeit vertiefen und dabei auf die Beziehungen zwischen Identität, digitaler Erscheinung und Entfremdung eingehen. Die Veranstaltung findet auf Englisch mit Simultanübersetzung statt und ist bei freiem Eintritt zugänglich, solange Plätze verfügbar sind.
Gordon Matta-Clark. Not the Work… The Worker: Architektur wird zu Kunst und kollektivem Raum
Vom 13. November 2026 bis zum 28. Februar 2027 widmet das MAXXI eine umfangreiche Ausstellung Gordon Matta-Clark (New York, 1943–1978), einem US-amerikanischen Künstler, der in den 1970er Jahren das Verständnis von Architektur revolutionierte und sie in ein Instrument für künstlerisches, politisches und soziales Experimentieren verwandelte. Gordon Matta-Clark. Not the Work… The Worker, kuratiert von Jessamyn Fiore und Francesco Stocchi, vereint Skulpturen, Fotografien, Filme, Zeichnungen und räumliche Interventionen, wobei ein besonderer Schwerpunkt auf den italienischen Erfahrungen liegt, die eine entscheidende Rolle bei der Entwicklung seines künstlerischen Schaffens gespielt haben.
Matta-Clark, der eine Ausbildung zum Architekten absolviert hatte, entschied sich dafür, mithilfe der Kunst die Konventionen des Bauwesens und ganz allgemein die Art und Weise, wie Menschen Räume bewohnen und gemeinsam nutzen, in Frage zu stellen. In seinen berühmten „Building Cuts“ griff der Künstler in zum Abriss bestimmte Gebäude ein, indem er Schnitte und Öffnungen anbrachte, die neue Perspektiven eröffneten, Licht hereinließen und die Wahrnehmung der Räume veränderten. Sein Ziel war es nicht einfach nur zu zerstören, sondern das Verhältnis zwischen Architektur und Gemeinschaftsleben neu zu überdenken.
Die Ausstellung entstand auch im Austausch mit einem internationalen wissenschaftlichen Beirat, bestehend aus Künstlern, Architekten und Wissenschaftlern: Laurie Anderson, Martien De Vletter, Elizabeth Diller, Julien Fronsacq, Lorenzo Fusi, Francesco Garutti, Alfredo Jaar, Joan Jonas, Noah Khoshbin, Sylvia Lavin, Camila Mancilla Vera, Azikiwe Mohammed und Sokio.
Der Ausstellungsparcours zeichnet die Etappen der künstlerischen Forschung nach, von den ersten Experimenten zwischen 1970 und 1974 bis hin zu den groß angelegten architektonischen Interventionen. Zu den bedeutendsten Werken zählt „Open House“ (1972), das erstmals in Italien präsentiert wird. Ausgehend von einem industriellen Müllcontainer verwandelt Matta-Clark diesen in einen begehbaren Raum, indem er Türen, Wände und wiederverwertete Materialien einbaut. Der Innenraum wird in kleine Räume und Gänge unterteilt, wodurch eine alternative Architektur entsteht, die traditionelle Wohnmodelle hinterfragt. Im MAXXI tritt das Werk in einen Dialog mit den fließenden Formen des von Zaha Hadid entworfenen Gebäudes und lädt die Besucher dazu ein, die Transformation des Raums hautnah zu erleben.
Der Bereich der Galerie 4, der „Open House“ umgibt, wird zudem als Ort der Begegnung und Teilhabe konzipiert, an dem Performances, Musik, Veranstaltungen, Workshops und Gelegenheiten zum Austausch über die Verbindungen zwischen Kunst, Architektur, Stadt und Gemeinschaft stattfinden sollen.
Ein weiterer bedeutender Schwerpunkt sind die „Graffiti Photoglyphs“ (1973), das Ergebnis einer umfangreichen Fotokampagne, die in der South Bronx und in Harlem durchgeführt wurde, um die Verbreitung von Graffiti als neue Form des künstlerischen Ausdrucks zu dokumentieren. Matta-Clark fertigte über zweitausend Fotografien von mit Schriftzügen und Zeichnungen bedeckten U-Bahn-Waggons an, die er anschließend zu großformatigen fotografischen Kompositionen überarbeitete und mit farbigen Farbaufträgen bereicherte.
Aus derselben Schaffensphase stammen „Bronx Floors“ und „Walls Papers“ (beide aus dem Jahr 1972), die in verlassenen Wohngebäuden der South Bronx entstanden sind. Durch das Entfernen von Teilen der Fußböden und Wände schafft der Künstler Verbindungen zwischen zuvor getrennten Räumen und lenkt die Aufmerksamkeit auf die Folgen der städtischen Verwahrlosung, wobei er die soziale Funktion der Architektur hinterfragt.
Besondere Aufmerksamkeit gilt seinen Aufenthalten in Italien, die für die Entwicklung seiner künstlerischen Sprache von grundlegender Bedeutung waren. In Mailand schuf Matta-Clark 1973 „Infraform“, indem er an einem stillgelegten Industriegebäude geometrische Einschnitte an den Wänden und Ecken vornahm. Die Einschnitte eröffnen neue Perspektiven und verändern die Wahrnehmung des Raums. Das MAXXI präsentiert eine Rekonstruktion des Werks und bietet dem Publikum die Möglichkeit, das dem Eingriff zugrunde liegende Prinzip selbst zu erleben.
Ebenfalls 1973 schuf der Künstler in Genua „A W-Hole House“, ein Werk, das den ersten Eingriff an einem gesamten, zum Abriss bestimmten Gebäude markiert. Mit der Erforschung architektonischer Einschnitte stehen auch die „Cut Drawings“ in Verbindung, dreidimensionale Arbeiten, die durch das Einschneiden verschiedener Schichten aus Papier und Karton entstehen und in denen die Geometrien der Eingriffe in die Gebäude in plastische Formen übersetzt werden.
Die Auseinandersetzung mit dem italienischen Kontext setzt sich 1975 mit „Arc de Triomphe for Workers“ fort, einem Projekt, das für einen Industriekomplex in Sesto San Giovanni konzipiert wurde, der von einer Gruppe junger Kommunisten besetzt war. Diese Erfahrung beeindruckt Matta-Clark aufgrund der Fähigkeit der Arbeiter, die Gemeinschaft einzubeziehen, und veranlasst ihn, den kollektiven und politischen Wert der Architektur weiter zu vertiefen. Aus dieser Reflexion entsteht auch „A Resource Center and Environmental Youth Program for Loisaida“, ein nie realisiertes Projekt, das Künstler und Bürger in die Sanierung verlassener Gebäude in New York einbeziehen sollte.
Die künstlerische Auseinandersetzung erreicht dann mit einigen seiner berühmtesten Interventionen eine monumentale Dimension. In „Splitting“ (1974) wird ein Haus in New Jersey von einem tiefen vertikalen Schnitt durchzogen; mit „Day’s End“ (1975) verwandelt sich ein verlassener Pier in New York in einen Raum, der dem Licht und der Gemeinschaft offensteht. Es folgen „Conical Intersect“ (1975), gekennzeichnet durch eine große konische Öffnung in zwei zum Abriss bestimmten Gebäuden neben dem zukünftigen Centre Pompidou in Paris, und „Circus (Caribbean Orange) (1978), dem letzten großen Projekt des Künstlers, bei dem ein Gebäude in Chicago durch eine Reihe kreisförmiger und kugelförmiger Schnitte verwandelt wird.
Der Experimentalfilm, ein wesentlicher Bestandteil von Matta-Clarks Schaffen, nimmt in der Ausstellung einen großen Raum ein. Neben den entlang des Rundgangs verteilten Vorführungen ermöglicht ein eigener Saal eine vertiefte Auseinandersetzung mit der Beziehung zwischen bewegten Bildern, Architektur und Performance.
Die Ausstellung wird von einem Skira-Katalog begleitet, der von Jessamyn Fiore und Francesco Stocchi herausgegeben wurde und Interviews mit den Mitgliedern des wissenschaftlichen Beirats, Abbildungen der ausgestellten Werke sowie Archivfotos der Interventionen des Künstlers enthält. Daraus ergibt sich eine vielschichtige Interpretation seines Schaffens, bereichert durch Beiträge von Wissenschaftlern und Freunden, die seine Arbeit aus nächster Nähe kennengelernt haben.
Die Welt ordnen. Das Archiv von Nanda Lanfranco: Die Fotografie erzählt von zeitgenössischer Kunst
Vom 13. November 2026 bis zum 28. Februar 2027 präsentiert das MAXXI zudem „Die Welt ordnen. Das Archiv von Nanda Lanfranco“, ein von Lara Conte kuratiertes Projekt, das das Werk der ligurischen Fotografin und ihr bedeutendes dokumentarisches Erbe wieder ins Rampenlicht rückt. Im Jahr 2024 wurde das gesamte Archiv auf Wunsch der Erben als Leihgabe an das Museum übergeben, das dessen Reichtum nun im Rahmen eines thematischen und chronologischen Rundgangs zur Geltung bringt. An der Initiative ist auch das MLAC beteiligt – Museo Laboratorio di Arte Contemporanea der Sapienza-Universität Rom ein, wo vom 4. März bis zum 8. April 2027 eine Sonderausstellung zum Thema Körper und Performance-Kunst zu sehen sein wird – zwei zentrale Bereiche in Lanfrancos Forschung, sowohl in ihrer fotografischen Dokumentation als auch in ihrem künstlerischen Schaffen.
Obwohl sie sich stets aus dem Rampenlicht heraushielt, hat die Fotografin einige der wichtigsten Entwicklungen der italienischen und internationalen zeitgenössischen Kunst begleitet und dokumentiert und so ein Archiv aufgebaut, das heute ein wertvolles Zeugnis der kulturellen und künstlerischen Wandlungen der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts darstellt.
Der Rundgang beginnt im Genua der 1970er Jahre, einer Stadt, die im Bereich des Experimentierens besonders lebendig war. Die Begegnung mit Germano Celant und die 1977 begonnene Zusammenarbeit mit der Samangallery von Ida Gianelli markieren ihren Einstieg in die Welt der zeitgenössischen Kunst. Anhand von Fotografien und Dokumenten werden die Erfahrungen von Künstlern wie André Cadere, Rebecca Horn, Daniel Buren, Maria Nordman und Giuseppe Penone sowie die späteren Kooperationen mit der Galerie Locus Solus wieder lebendig.
Zu Lanfrancos wichtigsten Interessen zählen Performance, der Körper und die künstlerische Arbeit von Frauen. 1975 fotografierte er in Genua „Duets on Ice“, die erste italienische Performance von Laurie Anderson; im folgenden Jahr dokumentierte er auf der Biennale in Venedig „Relation in Space“ von Marina Abramović und Ulay. Ihre Bilder beschränken sich nicht darauf, die Werke festzuhalten, sondern geben Gesten, Beziehungen und kreative Prozesse wieder und bieten so einen hautnahen Einblick in das künstlerische Erlebnis.
Seit den 1980er Jahren begleitet Lanfranco, auch im Rahmen ihrer langjährigen Zusammenarbeit mit „Il Giornale dell’Arte“, die wichtigsten internationalen Veranstaltungen, von der Biennale in Venedig bis zur Documenta in Kassel. Zudem dokumentiert er die Forschungen der Arte Povera, die Aktivitäten des Castello di Rivoli und wichtige kuratorische Projekte von Germano Celant, darunter „Identité Italienne“, das 1981 im Centre Pompidou in Paris präsentiert wurde.
Parallel zu ihrer dokumentarischen Tätigkeit entwickelte die Fotografin ein persönliches Schaffen, das durch den Einsatz von Schwarz-Weiß, das quadratische Format und die bevorzugte Verwendung der Hasselblad geprägt war. Im Mittelpunkt ihrer Bilder stehen der Körper der Skulptur, das Stillleben und das Porträt.
Zu den interessantesten Themenkomplexen, die im MAXXI präsentiert werden, gehört der den Tarotkarten gewidmete Zyklus, in dem Lanfranco die Großen und Kleinen Arkana durch Kompositionen neu interpretiert, die reich an Symbolen, Duplikationen und visuellen Entsprechungen sind. Die Fotografien erschaffen ein Universum, das zwischen Realität und Vorstellungskraft schwebt und vielfältige Interpretationen zulässt. Dasselbe Konzept zieht sich durch das gesamte Archiv, dessen Ordnung sich nicht als starre, lineare oder hierarchische Struktur darstellt. Im Gegenteil, es wird zu einem dynamischen und generativen Raum, in dem die Bilder in Beziehung zueinander treten, neue Verbindungen nahelegen und immer wieder neue Lesemöglichkeiten eröffnen können.
„Die Projekte, die wir heute eröffnen, spiegeln die Vision des MAXXI sehr gut wider: ein Museum, das offen ist für den Dialog zwischen den Künsten und in der Lage ist, in seinen Räumen unterschiedliche Perspektiven und künstlerische Erfahrungen aufzunehmen“, erklärte Maria Emanuela Bruni, Präsidentin der MAXXI-Stiftung. „Heute eröffnet das MAXXI nicht nur drei Ausstellungen, sondern öffnet seine Türen für drei Arten, die Welt zu bewohnen: durch den kritischen Blick auf Architektur und Arbeit; durch die Kraft der Bilder und die Verantwortung des Gedächtnisses; durch die geduldige Sorgfalt, mit der ein Archiv der Vergangenheit Ordnung, Sinn und Zukunft zurückgeben kann.“
|
| Shirin Neshat, Gordon Matta-Clark und Nanda Lanfranco: die drei neuen Ausstellungen im MAXXI in Rom |
Achtung: Die Übersetzung des italienischen Originalartikels ins Deutsche wurde mit Hilfe automatischer Tools erstellt. Wir verpflichten uns, alle Artikel zu überprüfen, aber wir garantieren nicht die völlige Abwesenheit von Ungenauigkeiten in der Übersetzung aufgrund des Programms. Sie können das Original finden, indem Sie auf die ITA-Schaltfläche klicken. Wenn Sie einen Fehler finden, kontaktieren Sie uns bitte.