Bienal de Venecia, también hay un poco de Italia: Theo Eshetu, británico-etíope que vive en Roma

En la Bienal de Venecia, comisariada por Koyo Kouoh, no hay artistas italianos, como ya se ha señalado ampliamente. Sin embargo, entre los nombres seleccionados para la exposición internacional, aparece una presencia que tiene un vínculo profundo y duradero con Italia. Se trata de Theo Eshetu, artista británico de origen etíope que vive en Roma desde hace décadas, habla perfectamente italiano y ha trabajado en nuestro país durante más tiempo que en otros lugares, desarrollando una parte sustancial de su investigación en nuestras tierras.

Nacido en Londres en 1958 de padres etíopes y holandeses, criado entre Addis Abeba, Dakar y Belgrado antes de establecerse definitivamente en Roma en los años ochenta, Eshetu encarna una biografía marcada por cruces culturales y geográficos que se reflejan directamente en su obra. Su origen multinacional da cuenta de la complejidad de la identidad en un mundo cada vez más globalizado y constituye uno de los núcleos centrales de su investigación, que se centra en las relaciones entre culturas, especialmente entre África y Europa, y en el modo en que los medios electrónicos han contribuido a configurar la percepción contemporánea de la realidad. Probablemente también por este motivo ha sido seleccionado para la exposición.

Eshetu utiliza diferentes formatos de vídeo para explorar las representaciones cinematográficas y la gramática visual de la imagen en movimiento. Un tema recurrente en su obra es la costura de historias, desdeel imperialismo europeo hasta la modernidad africana, para desarrollar una estética capaz de captar la interrelación entre las culturas del mundo y el conocimiento colectivo. Sus obras experimentan con procesos de superposición y reflejo, recurriendo a narrativas no lineales que cuestionan la forma en que se perciben las imágenes.

A lo largo de una prolífica obra, Eshetu ha abordado temas procedentes de la antropología, la historia del arte, la investigación científica y la iconografía religiosa, construyendo un corpus distintivo basado en un montaje rítmico y sincopado de sonidos e imágenes. Sus obras abarcan desde grandes instalaciones de vídeo hasta películas ensayísticas que cuestionan la realidad misma de lo que las imágenes pueden revelar. Aunque esencialmente conceptual, su obra siempre está anclada en fuertes componentes estéticos, a menudo conseguidos mediante repeticiones fractales, juegos de espejos caleidoscópicos, proyecciones multipantalla o patrones visuales a modo de mosaico. Varias obras se centran en los elementos formales del vídeo, como el tiempo y la luz.

Su formación tuvo lugar en Londres, donde se licenció en Diseño de la Comunicación en la North East London Polytechnic en 1981. Pero fue en Roma donde, a los diez años, recibió su primera cámara, como ha contado a menudo, iniciando un camino que le llevaría a convertirse en fotógrafo estrella del rock en los años setenta. Atraído por los círculos de David Bowie y Lindsay Kemp, Andy Warhol y la Velvet Underground, colaboró con varios artistas antes de centrarse finalmente en el videoarte. Su interés por el potencial expresivo del medio y su exploración de las culturas africanas le llevaron en la década de 1980 a experimentos ritualistas, crudos y sin pulir, al margen del sistema artístico establecido de la época.

En la serie Till Death Us Do Part investiga la dialéctica entre lo racional y lo instintivo, inspirándose en las contradicciones inherentes a la celebración de Leni Riefenstahl de los nuba africanos. Esta pionera instalación mural de vídeo se presentó junto a obras de Warhol, Nam June Paik, Joseph Beuys y otros en la Muestra Internacional de Arte para el Fin del Hambre en el Mundo, marcando un momento significativo en su carrera.

En la década de 1990, se centró en la creación de un lenguaje híbrido capaz de fusionar el videoarte y el documental. Travelling Light de 1992, un retrato biográfico de Lindsay Kemp, ganó el primer premio en el Festival de Vídeo de Berlín y a menudo fue seleccionado como único vídeo en prestigiosos festivales de cine. Blood Is Not Fresh Water, de 1997, premiado en varias ocasiones, es a la vez un retrato de su abuelo etíope, un diario de viaje y un viaje de autoanálisis. Mass Memory, de 1995, se presentó en el Festival de Venecia como homenaje para conmemorar la muerte de Federico Fellini.

Obras como Body and Soul, de 2004, y Africanized , de 2002, ambas presentadas en el Festival de Venecia, entre otros certámenes, dan fe de su fascinación por la interrelación entre las culturas del mundo y la dimensión metafísica de la realización de vídeos. Lo mismo ocurre en instalaciones anteriores como Brave New World en 2000 y Ways To A Void en el mismo año, que reflexionan sobre las prácticas budistas a través de los temas de la luz y la oscuridad, el tiempo y el espacio, el ser y la nada. Un viaje de un mes al Himalaya se condensa en una hora de vídeo, mientras se pide al espectador que considere la duración de la experiencia como la de un eclipse solar. No pasa nada. An Extraordinary Event de 2006, rodado y editado durante el año de preparativos del funeral de Juan Pablo II, explora el papel de las imágenes en la fe y los medios de comunicación de masas.

En años más recientes, se ha centrado principalmente en las videoinstalaciones. Obras como Veiled Woman on a Beachfront , de 2011, y The Festival of Sacrifice, de 2012, abordan el papel del arte islámico y las implicaciones sociopolíticas del diálogo con el mundo del Islam como base de la práctica artística contemporánea. The Return of the Axum Obelisk, de 2009, una instalación de quince pantallas presentada por primera vez en el BOZAR de Bruselas, documenta el regreso del obelisco de Axum de Roma a Etiopía y las ceremonias religiosas que acompañaron su renacimiento. Y de nuevo, Atlas Fractured de 2017, una obra inspirada en una pancarta que decoraba el Museo Etnográfico de Berlín, en la que aparecía la imagen de cinco máscaras que representaban cinco continentes (la pancarta original, recuperada tras ser desechada por el museo, se convirtió en la pantalla en la que se proyecta el vídeo). se convirtió en la pantalla en la que se proyectó el vídeo en Kassel durante Documenta14), pretende cuestionar la centralidad de los modos europeos de representación cultural, así como la validez de las divisiones basadas en estereotipos continentales.

Su obra se ha expuesto en destacadas instituciones como el Museo de Arte Moderno de Nueva York, el Metropolitan Museum of Art, la Tate Britain, el Smithsonian National Museum of African Art, la Haus der Kulturen der Welt, el Mudec de Milán, elHumboldt Forum, la National Gallery de Sudáfrica, el Baltimore Museum of Art, el Institute of Contemporary Arts de Londres, el Musée des beaux-arts de Montréal, el Studio Museum, el Stedelijk Museum, el Museo Tamayo Arte Contemporáneo, el Guangdong Museum of Art y muchos otros. Ha participado en la 54ª Bienal de Venecia, la 10ª Bienal de Sharjah, la 13ª Bienal de Gwangju, la 11ª Bienal de Shanghai, la 8ª Bienal Internacional de Arte Contemporáneo de Gotemburgo, la Bienal de Dak’Art y Documenta 14. Sus obras forman parte de las colecciones de la Smithsonian Institution, el MoMA, la Tate Britain, el Metropolitan Museum of Art, el Museo de las Civilizaciones, la Fundación Bienal de Gwangju y el MACRO de Roma, entre otros.

Ha participado en numerosas residencias y becas, entre ellas una en la Academia Cultural Tarabya de Turquía en 2016-2017, el programa Artist-in-Berlin del DAAD en 2012, una beca en la Smithsonian Institution en 2022 y una residencia en el Victoria and Albert Museum de Londres en 2023. A lo largo de su carrera, ha ganado premios en festivales de vídeo de todo el mundo, desde el Encuentro de Cine de Verona hasta el Festival de Cine de Asolo y el Festival Internacional de Cine Africano.

En la actualidad, Eshetu vive y trabaja entre Roma y Berlín. Es en Italia, como se ha dicho, donde ha construido una parte decisiva de su trayectoria, con exposiciones individuales en el MACRO, el Museo Laboratorio d’Arte Contemporanea, el Filmstudio de Roma y otros numerosos espacios, y con una presencia constante en el Festival de Cine de Venecia y el Festival de Cine de Roma. Su participación en la Bienal comisariada por Koyo Kouoh representa, por tanto, una presencia que, aunque no formalmente entre los artistas italianos, aporta un fragmento significativo de la escena cultural del país.

En una edición que no incluye nombres italianos, la figura de Theo Eshetu introduce así un mínimo elemento de continuidad con el contexto nacional. Un artista cuya identidad traspasa fronteras y filiaciones, y que precisamente desde Roma ha desarrollado una investigación capaz de dialogar con el mundo, relacionando memorias colectivas, imágenes electrónicas y culturas en movimiento.

Bienal de Venecia, también hay un poco de Italia: Theo Eshetu, británico-etíope que vive en Roma

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