Biennale de Venise, il y a aussi un peu d'Italie : Theo Eshetu, Britannique-éthiopien qui vit à Rome

La Biennale de Venise, dont le commissaire est Koyo Kouoh, ne compte aucun artiste italien, comme cela a déjà été largement souligné. Pourtant, parmi les noms sélectionnés pour l’exposition internationale, il y a une présence qui a un lien profond et durable avec l’Italie. Il s’agit de Theo Eshetu, un artiste britannique d’origine éthiopienne qui vit à Rome depuis des décennies, parle parfaitement l’italien et a travaillé dans notre pays plus longtemps qu’ailleurs, y construisant une partie substantielle de ses recherches.

Né à Londres en 1958 de parents éthiopiens et hollandais, élevé entre Addis-Abeba, Dakar et Belgrade avant de s’installer définitivement à Rome dans les années 1980, Eshetu incarne une biographie marquée par des croisements culturels et géographiques qui se reflètent directement dans son œuvre. Son parcours multinational témoigne de la complexité de l’identité dans un monde de plus en plus globalisé et constitue l’un des axes centraux de sa recherche, qui se concentre sur les relations entre les cultures, en particulier entre l’Afrique et l’Europe, et sur la manière dont les médias électroniques ont contribué à façonner les perceptions contemporaines de la réalité. C’est probablement aussi pour cette raison qu’il a été sélectionné pour l’exposition.

Eshetu utilise différents formats vidéo pour explorer les représentations cinématographiques et la grammaire visuelle de l’image en mouvement. Un thème récurrent dans son travail est l’assemblage d’histoires, de l’impérialisme européen à la modernité africaine, pour développer une esthétique capable de capturer l’interrelation entre les cultures du monde et le savoir collectif. Ses œuvres expérimentent des processus de superposition et de mise en miroir, recourant à des récits non linéaires qui remettent en question la manière dont les images sont perçues.

Au cours d’une œuvre prolifique, Eshetu a abordé des thèmes tirés de l’anthropologie, de l’histoire de l’art, de la recherche scientifique et de l’iconographie religieuse, construisant un corpus distinctif basé sur un montage rythmique et syncopé de sons et d’images. Ses œuvres vont de grandes installations vidéo à des films essayistes qui remettent en question la réalité même de ce que les images peuvent révéler. Bien qu’essentiellement conceptuel, son travail est toujours ancré dans des composantes esthétiques fortes, souvent obtenues par des répétitions fractales, des jeux de miroirs kaléidoscopiques, des projections multi-écrans ou des motifs visuels de type mosaïque. Plusieurs œuvres se concentrent sur les éléments formels de la vidéo, tels que le temps et la lumière.

Sa formation s’est déroulée à Londres, où il a obtenu un diplôme en design de communication au North East London Polytechnic en 1981. Mais c’est à Rome qu’il reçoit, à l’âge de dix ans, son premier appareil photo, comme il l’a souvent raconté, entamant ainsi un parcours qui le conduira à devenir un photographe rock star dans les années 1970. Attiré par les cercles de David Bowie et Lindsay Kemp, Andy Warhol et le Velvet Underground, il collabore avec différents artistes avant de se consacrer à l’art vidéo. Son intérêt pour le potentiel expressif du médium et son exploration des cultures africaines l’ont conduit, dans les années 1980, à des expériences rituelles, brutes et non polies, en marge du système artistique établi de l’époque.

Dans la série Till Death Us Do Part, il étudie la dialectique entre le rationnel et l’instinctif, inspiré par les contradictions inhérentes à la célébration des Nubas africains par Leni Riefenstahl. Cette installation vidéo pionnière a été présentée aux côtés d’œuvres de Warhol, Nam June Paik, Joseph Beuys et d’autres lors de l’exposition internationale d’art pour la fin de la faim dans le monde, marquant ainsi un moment important dans sa carrière.

Dans les années 1990, il se concentre sur la création d’un langage hybride capable de fusionner l’art vidéo et le documentaire. Travelling Light de 1992, un portrait biographique de Lindsay Kemp, a remporté le premier prix au Festival de vidéo de Berlin et a souvent été sélectionné comme seule vidéo dans des festivals de films prestigieux. Blood Is Not Fresh Water (1997), récompensé à plusieurs reprises, est à la fois un portrait de son grand-père éthiopien, un journal de voyage et un voyage d’auto-analyse. Mass Memory de 1995 a été présenté à la Mostra de Venise en hommage à la mort de Federico Fellini.

Des œuvres telles que Body and Soul (2004) et Africanized (2002), toutes deux présentées à la Mostra de Venise, entre autres, témoignent de sa fascination pour l’interrelation entre les cultures du monde et la dimension métaphysique de la vidéo. Il en va de même pour des installations antérieures telles que Brave New World en 2000 et Ways To A Void la même année, qui reflètent les pratiques bouddhistes à travers les thèmes de la lumière et de l’obscurité, du temps et de l’espace, de l’être et du néant. Un voyage d’un mois dans l’Himalaya est condensé en une heure de vidéo, tandis que le spectateur est invité à considérer la durée de l’expérience comme celle d’une éclipse solaire. Rien ne se passe. An Extraordinary Event of 2006, tourné et monté pendant l’année des préparatifs des funérailles de Jean-Paul II, explore le rôle des images dans la foi et les médias.

Ces dernières années, il s’est principalement concentré sur les installations vidéo. Des œuvres telles que Veiled Woman on a Beachfront (2011) et The Festival of Sacrifice (2012) traitent du rôle de l’art islamique et des implications sociopolitiques du dialogue avec le monde de l’islam en tant que base de la pratique artistique contemporaine. The Return of the Axum Obelisk de 2009, une installation de quinze écrans présentée pour la première fois au BOZAR à Bruxelles, documente le retour de l’obélisque d’Axum de Rome en Éthiopie et les cérémonies religieuses qui ont accompagné sa renaissance. Et encore, Atlas Fractured de 2017, une œuvre inspirée d’une bannière qui décorait le musée ethnographique de Berlin, sur laquelle était représentée l’image de cinq masques représentant les cinq continents (la bannière originale, récupérée après avoir été jetée par le musée, est devenue l’écran sur lequel la vidéo est projetée). L’œuvre, qui est devenue l’écran sur lequel la vidéo a été projetée à Kassel lors de la Documenta14, vise à remettre en question la centralité des modes européens de représentation culturelle, ainsi que la validité des divisions fondées sur les stéréotypes continentaux.

Son travail a été exposé dans des institutions de premier plan telles que le Museum of Modern Art de New York, le Metropolitan Museum of Art, la Tate Britain, le Smithsonian National Museum of African Art, la Haus der Kulturen der Welt, le Mudec à Milan, leHumboldt Forum, la National Gallery of South Africa, le Baltimore Museum of Art, l’Institute of Contemporary Arts de Londres, le Musée des beaux-arts de Montréal, le Studio Museum, le Stedelijk Museum, le Museo Tamayo Arte Contemporáneo, le Guangdong Museum of Art et bien d’autres encore. Il a participé à la 54e Biennale de Venise, à la 10e Biennale de Sharjah, à la 13e Biennale de Gwangju, à la 11e Biennale de Shanghai, à la 8e Biennale internationale d’art contemporain de Göteborg, à la Biennale Dak’Art et à la Documenta 14. Ses œuvres font partie des collections de la Smithsonian Institution, du MoMA, de la Tate Britain, du Metropolitan Museum of Art, du Museum of Civilisations, de la Gwangju Biennale Foundation et du MACRO à Rome, entre autres.

Il a participé à de nombreuses résidences et bourses, dont une à l’Académie culturelle Tarabya en Turquie en 2016-2017, le programme Artist-in-Berlin du DAAD en 2012, une bourse à la Smithsonian Institution en 2022 et une résidence au Victoria and Albert Museum de Londres en 2023. Tout au long de sa carrière, il a remporté des prix lors de festivals vidéo dans le monde entier, de la réunion du film de Vérone au festival du film d’Asolo en passant par le festival international du film africain.

Aujourd’hui, Eshetu vit et travaille entre Rome et Berlin. C’est en Italie qu’il a construit une partie décisive de sa trajectoire, avec des expositions individuelles au MACRO, au Museo Laboratorio d’Arte Contemporanea, au Filmstudio de Rome et dans de nombreux autres espaces, et avec une présence constante à la Mostra de Venise et au Festival du film de Rome. Sa participation à la Biennale organisée par Koyo Kouoh représente donc une présence qui, bien qu’elle ne figure pas formellement parmi les artistes italiens, apporte avec elle un fragment significatif de la scène culturelle du pays.

Dans une édition qui ne comprend pas de noms italiens, la figure de Theo Eshetu introduit donc un élément minimal de continuité avec le contexte national. Un artiste dont l’identité dépasse les frontières et les appartenances et qui, précisément de Rome, a développé une recherche capable de dialoguer avec le monde, en mettant en relation des mémoires collectives, des images électroniques et des cultures en mouvement.

Biennale de Venise, il y a aussi un peu d'Italie : Theo Eshetu, Britannique-éthiopien qui vit à Rome

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