Biennale von Venedig gibt es auch ein Stück Italien: Theo Eshetu, Britisch-Äthiopier, der in Rom lebt

Auf der von Koyo Kouoh kuratierten Biennale von Venedig sind keine italienischen Künstler vertreten, wie bereits allgemein bekannt ist. Unter den Namen, die für die internationale Ausstellung ausgewählt wurden, gibt es jedoch einen, der eine tiefe und dauerhafte Verbindung zu Italien hat. Es handelt sich um Theo Eshetu, einen britischen Künstler äthiopischer Herkunft, der seit Jahrzehnten in Rom lebt, perfekt Italienisch spricht und in unserem Land länger als anderswo gearbeitet hat, wobei er einen großen Teil seiner Forschungen in unseren Gefilden anlegte.

Geboren 1958 in London als Sohn äthiopischer und niederländischer Eltern, aufgewachsen zwischen Addis Abeba, Dakar und Belgrad, bevor er sich in den 1980er Jahren endgültig in Rom niederließ, verkörpert Eshetu eine Biografie, die von kulturellen und geografischen Grenzüberschreitungen geprägt ist, die sich unmittelbar in seinem Werk widerspiegeln. Sein multinationaler Hintergrund erzählt von der Komplexität der Identität in einer zunehmend globalisierten Welt und bildet einen der zentralen Kernpunkte seiner Forschung, die sich auf die Beziehungen zwischen den Kulturen, insbesondere zwischen Afrika und Europa, und auf die Art und Weise konzentriert, wie die elektronischen Medien dazu beigetragen haben, die zeitgenössische Wahrnehmung der Realität zu prägen. Wahrscheinlich ist dies auch der Grund, warum er für die Ausstellung ausgewählt wurde.

Eshetu verwendet verschiedene Videoformate , um filmische Darstellungen und die visuelle Grammatik des bewegten Bildes zu untersuchen. Ein wiederkehrendes Thema in seinem Werk ist das Zusammenfügen von Geschichten, vomeuropäischen Imperialismus bis zur afrikanischen Moderne, um eine Ästhetik zu entwickeln, die in der Lage ist, die Wechselbeziehung zwischen Weltkulturen und kollektivem Wissen zu erfassen. Seine Arbeiten experimentieren mit Prozessen der Schichtung und Spiegelung und greifen auf nicht-lineare Erzählungen zurück, die die Art und Weise, wie Bilder wahrgenommen werden, in Frage stellen.

Im Laufe seines produktiven Schaffens hat sich Eshetu mit Themen aus der Anthropologie, der Kunstgeschichte, der wissenschaftlichen Forschung und der religiösen Ikonografie auseinandergesetzt und ein unverwechselbares Werk geschaffen, das auf einer rhythmischen und synkopierten Montage von Klängen und Bildern basiert. Seine Werke reichen von großen Videoinstallationen bis hin zu essayistischen Filmen, die die Realität dessen, was Bilder enthüllen können, in Frage stellen. Obwohl seine Arbeiten im Wesentlichen konzeptuell sind, haben sie immer eine starke ästhetische Komponente, die oft durch fraktale Wiederholungen, kaleidoskopische Spiegelungsspiele, Projektionen auf mehrere Bildschirme oder mosaikartige visuelle Muster erreicht wird. Mehrere Arbeiten konzentrieren sich auf die formalen Elemente von Video, wie Zeit und Licht.

Seine Ausbildung absolvierte er in London, wo er 1981 einen Abschluss in Kommunikationsdesign an der North East London Polytechnic erwarb. Aber erst in Rom erhielt er im Alter von zehn Jahren seine erste Kamera, wie er oft erzählte, und damit begann ein Weg, der ihn in den 1970er Jahren zu einem Rockstar-Fotografen machen sollte. Angezogen von den Kreisen um David Bowie und Lindsay Kemp, Andy Warhol und Velvet Underground, arbeitete er mit verschiedenen Künstlern zusammen, bevor er sich schließlich auf die Videokunst konzentrierte. Seine Konzentration auf das Ausdruckspotenzial des Mediums und seine Erkundung afrikanischer Kulturen führten ihn in den 1980er Jahren zu rituellen, rohen und ungeschliffenen Experimenten außerhalb des etablierten Kunstsystems jener Zeit.

In der Serie Till Death Us Do Part (Bis dass der Tod uns scheidet ) untersucht er die Dialektik zwischen dem Rationalen und dem Instinktiven, inspiriert von den Widersprüchen, die Leni Riefenstahls Feier der afrikanischen Nuba innewohnen. Diese bahnbrechende Videowandinstallation wurde neben Werken von Warhol, Nam June Paik, Joseph Beuys und anderen auf der Internationalen Kunstausstellung für die Beendigung des Welthungers präsentiert und markierte einen bedeutenden Moment in seiner Karriere.

In den 1990er Jahren konzentrierte er sich darauf, eine hybride Sprache zu schaffen, die Videokunst und Dokumentarfilm miteinander verbindet. Travelling Light von 1992, ein biografisches Porträt von Lindsay Kemp, gewann den ersten Preis auf dem Berliner Videofestival und wurde oft als einziges Video auf renommierten Filmfestivals ausgewählt. Blood Is Not Fresh Water von 1997, das mehrfach ausgezeichnet wurde, ist sowohl ein Porträt seines äthiopischen Großvaters als auch ein Reisetagebuch und eine Reise zur Selbstanalyse. Mass Memory von 1995 wurde bei den Filmfestspielen von Venedig als Hommage zum Gedenken an den Tod von Federico Fellini präsentiert.

Werke wie Body and Soul (2004) und Africanized (2002), die beide unter anderem auf dem Filmfestival von Venedig gezeigt wurden, zeugen von seiner Faszination für die Wechselbeziehung zwischen den Kulturen der Welt und die metaphysische Dimension des Videomachens. Dasselbe gilt für frühere Installationen wie Brave New World aus dem Jahr 2000 und Ways To A Void aus demselben Jahr, die über buddhistische Praktiken anhand der Themen Licht und Dunkelheit, Zeit und Raum, Sein und Nichts nachdenken. Eine einmonatige Reise in den Himalaya wird zu einer Stunde Video verdichtet, während der Betrachter aufgefordert wird, die Dauer der Erfahrung als die einer Sonnenfinsternis zu betrachten. Nichts passiert. Ein außergewöhnliches Ereignis aus dem Jahr 2006, das während der Vorbereitungen für das Begräbnis von Johannes Paul II. aufgenommen und bearbeitet wurde, untersucht die Rolle von Bildern im Glauben und in den Massenmedien.

In den letzten Jahren hat er sich hauptsächlich auf Videoinstallationen konzentriert. Werke wie Veiled Woman on a Beachfront (2011) und The Festival of Sacrifice (2012) thematisieren die Rolle der islamischen Kunst und die gesellschaftspolitischen Implikationen des Dialogs mit der Welt des Islams als Grundlage für die zeitgenössische Kunstpraxis. The Return of the Axum Obelisk aus dem Jahr 2009, eine Installation mit fünfzehn Bildschirmen, die zum ersten Mal im BOZAR in Brüssel gezeigt wurde, dokumentiert die Rückkehr des Axum-Obelisken von Rom nach Äthiopien und die religiösen Zeremonien, die seine Wiedergeburt begleiteten. Und Atlas Fractured von 2017, ein Werk, das von einem Banner inspiriert wurde, das das Ethnografische Museum in Berlin schmückte und auf dem fünf Masken abgebildet waren, die fünf Kontinente repräsentierten (das Originalbanner, das nach der Entsorgung durch das Museum wiedergefunden wurde, wurde zur Leinwand, auf der das Video gezeigt wird). wurde zur Leinwand, auf der das Video während der Documenta14 in Kassel projiziert wurde), zielt darauf ab, die zentrale Bedeutung europäischer kultureller Repräsentationsformen sowie die Gültigkeit von Unterteilungen auf der Grundlage kontinentaler Stereotypen zu hinterfragen.

Seine Arbeiten wurden in führenden Institutionen wie dem Museum of Modern Art in New York, dem Metropolitan Museum of Art, der Tate Britain, dem Smithsonian National Museum of African Art, dem Haus der Kulturen der Welt, dem Mudec in Mailand, demHumboldt Forum, die National Gallery of South Africa, das Baltimore Museum of Art, das Institute of Contemporary Arts in London, das Musée des beaux-arts de Montréal, das Studio Museum, das Stedelijk Museum, das Museo Tamayo Arte Contemporáneo, das Guangdong Museum of Art und viele andere. Er hat an der 54. Biennale von Venedig, der 10. Sharjah Biennale, der 13. Gwangju Biennale, der 11. Shanghai Biennale, der 8. Göteborg International Biennial for Contemporary Art, der Dak’Art Biennale und der Documenta 14 teilgenommen. Seine Werke sind unter anderem in den Sammlungen der Smithsonian Institution, des MoMA, der Tate Britain, des Metropolitan Museum of Art, des Museum of Civilisations, der Gwangju Biennale Foundation und des MACRO in Rom vertreten.

Er hat an zahlreichen Aufenthalten und Stipendien teilgenommen, darunter 2016-2017 an der Tarabya Cultural Academy in der Türkei, 2012 am Artist-in-Berlin-Programm des DAAD, 2022 an der Smithsonian Institution und 2023 am Victoria and Albert Museum in London. Im Laufe seiner Karriere wurde er auf Videofestivals in aller Welt ausgezeichnet, vom Verona Film Meeting über das Asolo Film Festival bis hin zum International African Film Festival.

Heute lebt und arbeitet Eshetu zwischen Rom und Berlin. Wie bereits erwähnt, hat er einen entscheidenden Teil seines Werdegangs in Italien verbracht, mit Einzelausstellungen im MACRO, im Museo Laboratorio d’Arte Contemporanea, im Filmstudio in Rom und in zahlreichen anderen Räumen sowie mit ständiger Präsenz auf dem Filmfestival von Venedig und dem Filmfestival von Rom. Seine Teilnahme an der von Koyo Kouoh kuratierten Biennale stellt somit eine Präsenz dar, die zwar formal nicht zu den italienischen Künstlern gehört, aber dennoch einen bedeutenden Teil der kulturellen Szene des Landes ausmacht.

In einer Edition, die keine italienischen Namen enthält, stellt die Figur von Theo Eshetu ein minimales Element der Kontinuität mit dem nationalen Kontext dar. Ein Künstler, dessen Identität Grenzen und Zugehörigkeiten überschreitet und der gerade in Rom eine Forschung entwickelt hat, die in der Lage ist, mit der Welt in Dialog zu treten, indem sie kollektive Erinnerungen, elektronische Bilder und Kulturen in Bewegung in Beziehung setzt.

Biennale von Venedig gibt es auch ein Stück Italien: Theo Eshetu, Britisch-Äthiopier, der in Rom lebt

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