Una cumbre de la modernidad de Orazio Gentileschi: la visión de Francesca Romana

Hay dos hagiografías de santa Francesca Romana que narran un episodio preciso ocurrido el 6 de septiembre de 1431, cuando la mística romana, nacida Francesca Bussa de’ Leoni, tenía sesenta y siete años: mientras escuchaba misa en la iglesia de Santa Cecilia, Francesca Romana fue embelesada por una gran luz que la condujo a una habitación donde estaba sentada la Virgen, con tres coronas en la cabeza y resplandeciente de luz dorada, sosteniendo en brazos a Jesús, un niño de ocho meses. Francesca fue conducida por un ángel vestido de flores a la presencia de la Virgen, y el pequeño Jesús comenzó a bromear con ella. La santa, movida por el amor, tuvo el deseo de tomar al Niño en sus brazos, pero el pequeño desaparecía cada vez que ella intentaba acercarse a él. Después de algunos intentos, una voz desde las nubes le recordó el significado de aquella visión: buscar a Jesús todos los días e inflamarse de amor por él.

El episodio se relata en los textos de Ianni Mattiotti, sacerdote romano que fue confesor y primer biógrafo de Francesca Romana, y de Fra’ Ippolito da Roma: Orazio Gentileschi los tenía bien presentes cuando, hacia 1618, recibió el encargo de pintar la Visión de Francesca Romana para los benedictinos olivetanos de la iglesia de Santa Caterina Martire de Fabriano. Se trata de uno de los puntos culminantes de toda su producción, y no sólo de su periodo de Las Marcas.

Normalmente tendemos a pensar en Orazio Gentileschi como el inmanejable padre de Artemisia o, en el mejor de los casos, como un seguidor de Caravaggio. No: Orazio Gentileschi tenía una personalidad artística definida, polifacética y versátil de primer orden. Supo ser metafísico y terrenal, sofisticado y crudo, íntimo y magnilocuente, supo adherirse a la revolución de Caravaggio sin perder de vista su elegancia toscana, y supo expresarse con una compostura y una calma impregnadas de emoción, que trascienden el manierismo toscano-romano pero que, comparadas con el naturalismo de Caravaggio, se sitúan en un plano diferente, más meditado y espiritual. Orazio fue un pintor dotado de una sensibilidad extraordinaria, nunca domesticado, culto y preciso, original y totalmente autónomo, investigador atento del arte del pasado. Son elementos que el observador encuentra en La visión de Francesca Romana.

Orazio Gentileschi, La visión de Santa Francesca Rom ana (1618-1620; óleo sobre lienzo, 270 x 157 cm; Urbino, Galleria Nazionale delle Marche)

Se trata de un encuentro de otro mundo que Orazio Gentileschi describe con una inquietud tal vez más propia de nuestro mundo. El formato es vertical, el corte oblicuo: el encuentro entre la Virgen y santa Francesca Romana tiene lugar sobre una escalinata, encima de la cual se coloca un trono de nubes, suave y firme, para acoger a la Reina del Cielo. La santa, vestida con el hábito negro y el velo blanco de las Oblatas de Tor de’ Specchi, el instituto religioso femenino fundado por ella, está arrodillada en el primer escalón, mientras el Niño Jesús, como hacen todos los bebés de ocho meses, agita los brazos hacia su cara para acariciarla. Detrás, un hermoso ángel vestido con brocado dorado se arrodilla a su vez con las manos cruzadas sobre el pecho: es el compañero celestial que, según las hagiografías, condujo a Francesca Romana ante la Virgen. Arriba, un coro de querubines se manifiesta en una deslumbrante luz dorada que invade las nubes, y en la esquina se advierte una cortina de tela verde iridiscente, corrida como un visillo: un detalle que se encuentra en otras obras de Orazio Gentileschi de la misma época o ligeramente posteriores, como laAnunciación de la Galería Sabauda, reinterpretación de la pintura homóloga de la iglesia de San Siro de Génova, en la que el encuentro entre la Virgen y el arcángel está igualmente realzado por una cortina descorrida.

Orazio Gentileschi había escudriñado fuentes literarias y artísticas para su composición. Conocía los textos de Ianni Mattiotti y Fra’ Ippolito da Roma, así como un par de precedentes iconográficos del siglo XV, el ciclo de episodios de la vida de Francesca Romana pintados para la iglesia de Santa Maria Nuova, y los frescos de Antoniazzo Romano ejecutados en la iglesia de Tor de’ Specchi. Sin embargo, aunque el sustrato de esta pintura es fundamentalmente del siglo XV, Orazio Gentileschi fue capaz de producir una obra de una modernidad desconcertante. Y no sólo por la forma íntima, delicada y conmovedora con la que el artista supo abordar el tema de la visión, ofreciendo al espectador una contrapartida en imágenes a las palabras de las hagiografías. Hay, entretanto, quizás la esencia más pura del arte de Orazio Gentileschi: la de los refinamientos de un toscano que nunca renunció a sus armonías coloristas (la belleza de los colores de la Visión ha sido reconocida por todos los que han escrito sobre este admirable cuadro), pero que abrazó las novedades del luminismo de Caravaggio, “con la consiguiente transparencia y prominencia del modelado”, escribió Carlo Gamba. Una vez más, la Visión de Francesca Romana brilla por la sencillez de su composición, por la compostura con la que lo divino se manifiesta en la vida cotidiana de la santa, por la inteligente idea de sugerir el encuentro entre lo espiritual y lo terrenal incluso con elencuentro entre la luz dorada y la luz sombría, por la originalidad de un lirismo que podría sugerir otras ideas tomadas de las obras que Lorenzo Lotto dejó en la región de Las Marcas durante sus repetidas estancias aquí.

Una tierra donde, además, la Visión de Francesca Romana ha permanecido siempre a pesar de las tribuladas vicisitudes históricas por las que tuvo que pasar: después de haber permanecido durante más de siglo y medio en la iglesia de Santa Caterina Martire, el cuadro salió en 1798 tras la supresión napoleónica de las órdenes religiosas, aunque el abad que entoncesgobernaba entonces el monasterio olivetano, Silvestro Marcellini, consiguió evitar que la obra fuera enviada a Milán, Bolonia, París u otras ciudades donde acabaron muchas de las obras que decoraban las iglesias de las Marcas. Cuando Marcellini falleció, las obras que estaban en su poder fueron heredadas por un funcionario público, Carlo Rosei, y en 1941 sus descendientes vendieron el lienzo al Estado italiano: así pues, hoy en día, esta obra cumbre de la producción de Gentileschi es propiedad de todos, y puede admirarse en la Galleria Nazionale delle Marche.

Hay, por último, otro aspecto que confiere importancia a esta obra: podemos considerarla como “una de las primeras pinturas realizadas sobre las relaciones entre color, luz y forma que constituyen el fundamento de toda la pintura moderna, hasta el Impresionismo de Monet y Renoir”, escribió el historiador del arte Andrea Bernardini. Fue Roberto Longhi, en 1916, quien explicó qué era lo que hacía tan excepcional a este cuadro, que consideraba “uno de los primeros que triunfaron sobre la base de los valores, en lugar de los colores”: una pintura en la que el equilibrio entre forma, luz y color alcanza cotas inusitadas y subtiende una complejidad que debe entenderse como “relaciones a escala de cantidades luminosas en colores; cantidades que precisamente por estar a escala se convierten en cualidades del arte: valores”. La revolución de Caravaggio había encontrado un intérprete actual e innovador, incluso en un cuadro de devoción destinado a una iglesia suburbana: en el arte del siglo XVII, no es raro encontrar tales cimas en provincias.

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