Hace poco me encontré reflexionando sobre hasta qué punto las almas atormentadas de ciertos artistas siguen ejerciendo cierta fascinación después de siglos, a menudo en mayor medida que aquellos artistas cuyo arte expresa la perfección. Y hasta qué punto esta fascinación se ejerce en particular sobre aquellas personas que se definen a sí mismas como “atormentadas” porque son extremadamente reflexivas, tienden a la melancolía, se plantean mil preguntas existenciales y filosóficas sobre su individualidad y la sociedad en la que viven. Parecería más lógico que una persona con este temperamento se sintiera más atraída por el arte que tiende a la perfección, como las obras de Rafael o Canova, el uno maestro de la armonía y la belleza ideal, el otro uno de los máximos exponentes del Neoclasicismo, que combina la gracia extrema con el equilibrio y la compostura, pero a menudo ocurre lo contrario. Debo decir que no soy un experto en psicología del arte, aunque es un aspecto del mundo del arte que me fascina, cómo interactúan las emociones y la psique con la obra de arte, pero creo que funciona de forma similar a cuando estamos tristes y tendemos a escuchar canciones que nos hacen llorar, mientras que cuando estamos contentos tendemos a escuchar música alegre que nos hace bailar, cantar y aumentar nuestra felicidad.
Creo que ante una obra que es expresión del tormento de un artista se produce una especie de resonancia emocional, deidentificación, porque es como si el alma atormentada del artista se convirtiera en espejo de los tormentos existenciales del observador, que se reconoce en él, sintiéndose menos solo. Cuando una persona vive un estado interior de confusión, de malestar, de disgusto o de sufrimiento, a veces se siente aislada, incomprendida, “fuera de lugar” en el mundo y encuentra a un artista que expresa ese dolor de una forma tangible, que puede Puede tratarse de una obra de arte, de un poema, de una canción, pero pone en marcha una serie de sensaciones y emociones que llevan a sentir un vínculo profundo e íntimo con lo que transmiten, quizá porque en ese cuadro, ese poema o esa canción, la persona encuentra la expresión concreta y plena de lo que puede estar sintiendo pero no es capaz de expresar. Es como si las cuerdas interiores del alma de la persona que observa, lee o escucha vibraran junto con las obras, e idealmente junto con el alma de la persona que las creó. Y esto suele tener un efecto liberador en quienes comparten el silencio.
También puede ocurrir que las obras que llevan en sí un tormento, un sufrimiento reconocible y compartible , parezcan más auténticas, más reales. Como si fueran el testimonio de un artista que ha cavado tan hondo en sí mismo que ha llegado a tocar algo universal, generando una ecuación del tipo sufrimiento interior = profundidad = verdadero arte. Siguiendo este razonamiento, entonces, un artista atormentado podría ser percibido como más auténtico, más interesante, más profundo, porque en la vida real, cotidiana, nadie es perfecto.
Otra razón, en mi opinión, es la capacidad que tienen estas obras de hacernos reflexionar profundamente, de sacar a la luz verdades que a menudo permanecen ocultas tras el ajetreo de la vida cotidiana. Nos obligan a detenernos, a sentir, a enfrentarnos a nuestras partes más vulnerables. A través del sufrimiento o la fragilidad del artista, nos enfrentamos a temas universales como la imperfección, el dolor, el fracaso en la consecución de la felicidad o la sensación de inadaptación al mundo. Y es precisamente esta capacidad de escarbar bajo el barniz de lo cotidiano, de tocar cuerdas íntimas, lo que confiere a este tipo de arte una profundidad fascinante. Es un arte que no permite la indiferencia porque obliga a sentir, a pensar, a mirar dentro de uno mismo. En un mundo que a menudo nos invita a la superficialidad, a la distracción, estas obras consiguen dar voz a lo que tendemos a guardar dentro, haciéndolo visible, compartible e incluso bello en su cruda verdad.
Cuando pienso en artistas de alma atormentada, me vienen a la cabeza Caravaggio, Miguel Ángel, Van Gogh, Munch, Frida Kahlo, Jean-Michel Basquiat o poetas como Leopardi: sus obras son expresiones plenas de sus tormentos, de sus dramas existenciales, y sus propias vidas han contribuido al aura de fascinación de la que siguen gozando hoy en día. De hecho, sus biografías son tan famosas como las obras que crearon. Sin embargo, se podría argumentar que no son los únicos artistas que han tenido vidas poco tranquilas y caracteres difíciles a lo largo de la historia del arte (pensemos en Borromini, que murió suicidándose, o en Guido Reni, que se suicidó). suicidio, o Guido Reni, que era muy tímido, colérico y tenía adicción al juego), pero lo cierto es que éstos más que otros se han convertido en emblemas del artista atormentado, probablemente porque en ellos se da una extraordinaria combinación de la vida agitada y la inquietud expresada en su arte.
Conviene precisar, por supuesto, que el tipo de identificación al que se alude no debe entenderse como una identificación con los acontecimientos biográficos del artista. Está claro que los fascinados por el arte de Caravaggio no van a emborracharse y meterse en peleas ni a matar a alguien en una acalorada discusión ni a huir de ciudad en ciudad tras una condena. En lugar de eso, uno se identifica Caravaggio lo expresa a través del poderoso contraste entre luces y sombras o a través de la crudeza de ciertas escenas de salpicaduras como Judith y Holofernes en el Palazzo Barberini de Roma, donde la copiosa sangre que brota de la cabeza del general asirio cortada por la heroína bíblica dibuja incluso líneas rectas que se extienden hasta las sábanas blancas, o como en David con la cabeza de Goliat en la Galleria Borghese donde, del mismo modo, la sangre brota en grandes cantidades de la cabeza cortada del gigante (un cuadro en la misma línea). de la cabeza cortada del gigante (un autorretrato del propio Merisi) sostenida por los cabellos del joven héroe. Y lo mismo ocurre con los demás artistas mencionados: se trata de una identificación en lo que expresan sus obras.
Miguel Ángel Buonarroti representó su propio sufrimiento existencial a través de la técnica del no-finito: un sufrimiento que provenía de la conciencia de la fragilidad del ser humano, pero sobre todo del contraste entre la tensión hacia la perfección y la conciencia de no poder alcanzarla porque consideraba imposible representar algo perfecto e incorruptible como la perfección divina de una idea con la materia. Además de los Prigioni, se considera una obra emblemática de la técnica inacabada la Piedad Bandini, que incluso fue martillada por el propio Miguel Ángel como consecuencia de su habitual insatisfacción.
En los cielos pintados por Van Gogh se refleja toda su inquietud interior, sus dramas psíquicos y sus estados de ánimo más atormentados. Sus cielos parecen agitarse como su alma: uno de los cuadros más ilustrativos es sin duda El trigal con vuelo de cuervos, pintado poco antes de la muerte del pintor. El cielo oscuro y turbulento, el campo agitado y el vuelo desordenado de los cuervos, a menudo leído como símbolo de un presagio de muerte, crean una atmósfera sombría y amenazadora. Es un verdadero paisaje del alma atormentada de Van Gogh. También está El grito de Munch, el pintor noruego que quizás más que ningún otro artista hizo del tormento el tema central de su obra. Su Grito es el grito universal ante laangustia existencial. Nadie antes que él había deformado la figura humana de tal manera, como también se deforma aquí el propio paisaje sobre el que reverbera el grito desesperado.
Y de nuevo, Frida Kahlo transformó el dolor físico y psicológico en arte. Tras un accidente que la marcó de por vida, comenzó a pintarse a sí misma como símbolo del cuerpo y de la identidad herida, como en El ciervo herido o La columna rota. Son sus numerosos autorretratos, las obras en las que Frida representaba todo el caos interior y el tormento existencial provocados por las numerosas intervenciones y traiciones de su marido. Basquiat representaba la realidad, aunque con crudeza. Su arte es un grito visual, lleno de dolor personal, pero también de denuncia. Es un grito que habla de la injusticia hacia los afroamericanos, de la violencia inherente a la sociedad, del malestar, a través de la recurrencia de palabras garabateadas, colores contrastados y composiciones caóticas.
Cada uno de estos artistas ha sabido retratar su alma atormentada utilizando su propio lenguaje expresivo. A través de la pintura y la escultura, han dado forma visual a sus heridas, sus miedos, sus angustias más profundas, al igual que Giacomo Leopardi hizo con la poesía: él también dio voz a sentimientos universales como el dolor, la soledad, la melancolía, la infelicidad, haciendo del pesimismo (en tres etapas) el concepto fundamental de su poética.
Al igual que Leopardi utilizó la palabra para expresar el malestar de la existencia, estos artistas utilizaron el color, la forma, el signo. De diferentes maneras, hicieron del arte un reflejo sincero de su propia interioridad atormentada. Sus obras nos siguen hablando hoy, siglos después, porque tocan cuerdas profundas y universales. Ante ellas, nos sentimos más imperfectos, pero más humanos. Así es como, incluso en la fragilidad y el tormento, el arte nos une y nos recuerda que, a veces, es precisamente de las heridas de donde puede surgir la voz más sincera del alma.
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