Andrea Mantegna, la vie et l'œuvre du maître de la Renaissance de Mantoue

Andrea Mantegna (Isola di Carturo, 1431 - Mantoue, 1506) fut l’un des plus grands artistes de la Renaissance en Italie du Nord. Le peintre travailla longtemps entre Mantoue, Padoue et Ferrare, et grâce à son originalité et à sa passion pour l’art classique, il réussit à obtenir le titre de “cavaliere”. La formation artistique qu’il reçut dans l’atelier de Squarcione lui permit d’acquérir une importante culture antiquaire qui fut à l’origine de nombre de ses chefs-d’œuvre.

À Padoue, dans la chapelle Scrovegni, il put voir les fresques de Giotto, mais Paolo Uccello et Filippo Lippi avaient également travaillé dans la ville : en somme, l’environnement humaniste de Padoue fut très stimulant pour Mantegna. Les œuvres du peintre sont connues pour ses expérimentations avec la perspective et l’illusionnisme spatial. Andrea Mantegna a influencé les grands peintres de l’époque tels qu’Albrecht Durer, Giovanni Bellini et Leonardo da Vinci. Artiste libre d’exprimer son art à la cour des Gonzague, lorsqu’il arrive au Vatican, loin de sa terre natale, il ne reste que deux ans à Rome et retourne ensuite dans sa chère Mantoue.

Autoportrait de Mantegna dans la Chambre nuptiale de Mantoue. Ph. Crédit Alessandro Pasquali - Projet Danae

La vie d’Andrea Mantegna

Andrea Mantegna est né en 1431 à Isola di Carturo, un village près de Padoue, du charpentier Biagio. La plus ancienne biographie de l’artiste est celle de Giorgio Vasari, auteur du célèbre recueil de biographies d’artistes Le vite de’ più eccellenti Architetti, Pittori, e Scultori Italiani, da Cimabue insino a’ tempi nostri (publié pour la première fois en 1550). Vasari nous apprend que le peintre était “d’origine très humble” et que, dans sa jeunesse, Andrea était berger. À l’âge de dix ans, il devient apprenti dans l’atelier du peintre Francesco Squarcione, qui adoptera plus tard le peintre de Padoue. Dans l’atelier du maître, le jeune Mantegna apprend la construction de la perspective, la composition des personnages et des objets, l’anatomie humaine et bien d’autres choses encore. La méthode d’enseignement du maître Francesco, selon certains visiteurs et documents qui nous sont parvenus, était basée sur la copie de fragments antiques, de statues et de dessins provenant de la région toscane et romaine, qui faisaient partie de la collection du maître. Outre la formation de jeunes peintres, il vendait également des œuvres d’art et des pièces archéologiques.

Mantegna ne s’est pas contenté de peindre, il a également reçu une formation classique qu’il a pu acquérir grâce au climat humaniste fertile de Padoue. Durant ces années de formation, il enrichit ses connaissances par l’observation directe d’œuvres classiques : les œuvres de Donatello(Saint François, statue en bronze de la basilique Saint-Antoine de Padoue). Le goût classique qu’il mûrit durant ces années est fondamental pour développer un langage artistique original qui lui permet de devenir un maître. Après avoir passé six ans dans l’atelier de Squarcione, le jeune Mantegna décida en 1448 de se détacher du maître, avec lequel il avait également un différend concernant la compensation monétaire pour les œuvres exécutées en son nom. À partir de 1488, il se consacre à une première œuvre indépendante, un retable pour le maître-autel de l’église Sainte-Sophie de Padoue : l’œuvre a cependant été détruite au XVIIe siècle. Un contrat de 1448 témoigne de la première œuvre publique de Mantegna pour la décoration de la chapelle de la famille Ovetari dans l’église des Eremitani à Padoue, partiellement détruite le 11 mars 1944 lors d’un bombardement pendant la Seconde Guerre mondiale. Mantegna y retrouva un groupe d’artistes hétérogènes pour décorer la chapelle, et dès ces premières œuvres, il est possible de reconnaître la sensibilité à l’égard de la recherche antiquaire.

Le premier voyage à Ferrare peut être daté de 1449 : dans cette ville, l’artiste eut l’occasion de travailler pour le marquis Leonello d’Este, pour lequel il peignit plusieurs portraits. L’expérience de Ferrare fut importante car Mantegna put y voir les peintures de Piero della Francesca et des peintres flamands que le marquis collectionnait. Après avoir travaillé pour Leonello, Mantegna fut également au service de Borso d’Este pour lequel il peignit uneAdoration des bergers (1450-51). En 1453, Andrea Mantegna épouse Nicolosia Bellini, sœur du célèbre peintre vénitien Giovanni Bellini. Ludovic III Gonzague, marquis de Mantoue, invite alors le peintre de Padoue à s’installer dans la ville en tant que peintre de la cour. Dans les projets du marquis, il y avait l’intention de rénover la ville, profondément marquée par des artistes aussi importants que Leon Battista Alberti. La période à la cour des Gonzague fut heureuse pour le peintre, qui s’y installa en effet avec toute sa famille après que le marquis lui eut accordé un terrain pour construire une maison et un salaire fixe, ce qui n’était pas une mince affaire pour les artistes. Pendant ses années à Mantoue, le peintre entretient une amitié avec son beau-frère Giovanni Bellini et les deux s’influencent mutuellement. L’artiste peint également de nombreux portraits, dont ceux dédiés au cardinal Ludovico Trevisan et le portrait de Francesco Gonzaga. Au cours de ces années, l’artiste peint également La mort de la Vierge et réalise la fresque de la Chambre nuptiale, son grand chef-d’œuvre, qu’il achève en 1474.

En 1484, Frédéric Ier Gonzague accorde à Andrea Mantegna le titre de chevalier et, toujours sous le règne de Frédéric Ier Gonzague, le peintre réalise le célèbre Cristo Morto, aujourd’hui conservé à la Pinacothèque de Brera (bien que sa date soit incertaine), et le San Sebastiano que l’on peut admirer au musée du Louvre. L’ambitieux projet des Triomphes de César , en revanche, fut réalisé entre 1485 et 1505 environ, sous le marquisat de Francesco II Gonzaga.

Mantegna était un peintre très recherché et admiré, ce qui fut confirmé par l’estime de Laurent le Magnifique, seigneur de Florence, à qui Mantegna envoya un tableau, et par l’invitation, en 1487, du pape Innocent VIII, qui écrivit à Francesco Gonzaga pour lui demander de lui envoyer l’œuvre tant recherchée de Mantegna : le pape avait l’intention de confier au peintre la décoration de la chapelle du nouveau bâtiment du Belvédère, au Vatican. Mantegna ne resta que deux ans dans la “ville éternelle”, de 1489 à 1490. Vers la fin du XVe siècle, il réalisa d’autres œuvres importantes telles que La madonna della Vittoria (1496) et la Pala Trivulzio (1497). L’artiste travailla également à la décoration du Studiolo d’Isabelle d’Este, que Mantegna n’acheva cependant pas en raison de la mort de celle-ci le 13 septembre 1506.

Mantegna, Transport du corps de saint Christophe, détail (1454-1457 ; fresque ; Padoue, église des Eremitani, chapelle Ovetari)

Andrea Mantegna, fresques de la Chambre nuptiale (1465-1474 ; Mantoue, château de San Giorgio), vue de la chambre. Ph. Crédit Alessandro Pasquali - Projet Danae

Andrea Mantegna, Christ mort (vers 1475-1485 ; tempera sur toile, 68 x 81 cm ; Milan, Pinacothèque de Brera)

Le style et les principales œuvres

C’est dans la chapelle Ovetari de l’église des Eremitani qu’Andrea Mantegna eut pour la première fois l’occasion d’exprimer son art en toute indépendance. En raison des bombardements de la Seconde Guerre mondiale, il n’est possible d’admirer que partiellement ce qui devait être les fresques les plus représentatives de la Renaissance padouane . D’autres peintres comme Giovanni d’Alemagna, Antonio Vivarini et le jeune Nicolò Pizzolo ont travaillé avec l’artiste padouan. Pizzolo fut chargé de la décoration des oculi à l’intérieur desquels il représenta les Pères de l’Église, tandis que Mantegna travailla sur les Histoires de saint Jacques et en partie sur les Histoires de saint Christophe, auxquelles il se consacra entre 1448 et 1457. Sur le côté gauche de la chapelle se trouvent les Histoires de Saint-Jacques, dans lesquelles on peut déjà voir un intérêt presque archéologique et classique de la part du peintre. Mantegna a beaucoup calibré l’aspect dramatique et expressif des figures : le récit qu’il racontait avec son coup de pinceau avait un cadre plus “ historique ”, visant à rendre l’imposant et splendide monde romain. Des éléments antiques sont utilisés pour reconstituer des événements historiques. Les innovations les plus importantes de ces fresques sont les vues profondes, un élément qui caractérise la main du peintre, et le fourmillement de personnages qui ponctuent l’œuvre. Dans les Histoires de saint Christophe (vers 1455), contrairement aux précédentes, l’architecture prend un aspect plus illusoire et les formes des personnages s’adoucissent. Ce changement de cap est probablement dû à sa rencontre avec des peintres vénitiens, en particulier Giovanni Bellini. À la mort de Nicolò Pizzolo, Mantegna se vit confier l’exécution de l’abside représentant l’Assomption de la Vierge, à laquelle le maître travailla pendant une période qui nous échappe, bien qu’il soit concevable que le peintre y ait travaillé entre 1453 et 1457. L’exiguïté de l’espace a contraint Mantegna à placer la fresque verticalement, divisée en deux registres : dans le registre supérieur apparaît la Vierge avec les anges, tandis que dans le registre inférieur, les apôtres sont représentés grandeur nature. Les apôtres furent l’objet d’une controverse de la part de la commanditaire, l’impératrice Ovetari, qui lui intenta un procès parce que le peintre n’avait représenté que huit des douze apôtres : cependant, d’autres peintres furent appelés à donner leur avis, qui justifièrent le choix de Mantegna en raison du manque d’espace.

À Ferrare, le duc Borso d’Este confie au peintre de Padoue, qui avait déjà réalisé des portraits pour Leonello d’Este, l’Adoration des bergers(1499-1450). Au centre, la Vierge, en adoration devant l’Enfant, est flanquée de saint Joseph adossé à un arbre. À droite, deux bergers sont agenouillés. Les couleurs sont plus vives, comme en témoignent les vêtements des personnages et certaines parties du paysage, et le pathos et l’expressivité des visages sont fortement accentués (notez l’incisivité des visages des deux bergers). Le polyptyque de saint Luc (1453-1455) qui se trouve à l’intérieur de l’église Santa Giustina de Padoue est d’une approche tout à fait différente, représentant une synthèse extraordinaire de la culture de la Renaissance et de la tradition médiévale : riche en références culturelles, l’œuvre montre le côté le plus érudit et le plus raffiné de l’artiste. Le polyptyque a été commandé par le prieur du monastère de Santa Giustina, Mauro Folperti. L’œuvre se compose de dix panneaux : le panneau central est consacré à saint Luc, tandis que les autres sont dédiés aux saints vénérés par la ville de Padoue, à savoir saint Prosdocimo, saint Julien, sainte Félicité et sainte Justine, dont les reliques sont conservées dans l’église. Le fond doré et les formes cuspidées des panneaux témoignent du lien que Mantegna a voulu maintenir avec la tradition médiévale. Les composantes de la Renaissance, en revanche, sont visibles dans l’utilisation énergique de la couleur, les effets d’ombre et de lumière et la forte disposition de la perspective. L’évolution du peintre, qui abandonne les formes rigides pour façonner les figures de manière plus harmonieuse et plus douce, est visible dans le Retable de San Zeno de 1457-1459(pour en savoir plus sur cette œuvre, cliquez ici), commandé par Gregorio Correr, abbé de l’église de San Zeno à Vérone. L’œuvre s’inscrit dans un portique quadrangulaire ouvert, bordé de colonnes. Le cadre divise apparemment le retable en un triptyque qui est en fait uni par le large portique à l’arrière-plan. L ’unification spatiale originale a probablement été inspirée par l’autel de Donatello dans la basilique Saint-Antoine de Padoue, que Mantegna a longuement vu et étudié. La Vierge est assise au centre avec l’Enfant, entourée des saints Pierre, Paul, Jean l’Évangéliste, Zénon, Benoît, Laurent, Grégoire le Grand et Jean-Baptiste. Les personnages sont placés dans une élégante salle décorée de médaillons et de frises classiques représentant des fables païennes, dont les Travaux d’Hercule. Le sol en damier noir et blanc contribue également à la profondeur et à la spatialité de la pièce. Les festons au premier plan soulignent la scène et les touches de rouge représentent la passion du Christ. La prédelle du bas représente trois scènes : l’oraison au jardin, la crucifixion et la résurrection du Christ. Les trois représentations se trouvent toutes en France après la spoliation par Napoléon en 1797. Le retable marque le nouveau modèle de la Conversation sacrée dans laquelle la partie centrale est unifiée ; c’est aussi le premier retable de la Renaissance en Italie du Nord. Le goût classique de Mantegna s’exprime bien dans Saint Sébastien (1480-1481) : le martyr est debout, les bras liés dans le dos et le corps transpercé de flèches. Un paysage s’ouvre à l’arrière-plan, tandis qu’immédiatement derrière saint Sébastien apparaît une colonne à chapiteau corinthien à laquelle le martyr est attaché. En bas à gauche, on aperçoit le pied d’une statue antique et, de l’autre côté, les deux bourreaux sont peints, l’un d’eux tenant encore les flèches. La figure du martyr était probablement un prétexte pour représenter un nu d’inspiration classique : l’homme rappelle en effet les statues grecques antiques. Il existe deux autres versions du Martyre de saint Sébastien, l’une conservée à Vienne et l’autre à la Ca’ d’Oro de Venise. Mantegna ne s’est pas seulement consacré à la peinture mais a également pratiqué la technique du burin : la série des Bacchanali (Bacchanali avec Silène et Bacchanali avec une cuve) est l’une des œuvres attribuées à Mantegna, bien que la datation soit incertaine. Dans les deux gravures sur bois (gravées sur cuivre au burin), le peintre décrit des moments de joyeux abandon aux vices et présente un monde dominé par les instincts.

Après son installation à Mantoue, Ludovic III Gonzague confie au peintre padouan la décoration de la chapelle du château de San Giorgio, devenue aujourd’hui une aile du palais ducal de Mantoue. La décoration picturale de la chapelle comprend un retable représentant la Mort de la Vierge (1462), aujourd’hui conservé au musée du Prado à Madrid. La scène se déroule à l’intérieur d’une pièce ; à l’arrière-plan est représentée la Vierge enveloppée dans un habit de moine. Autour d’elle, les onze apôtres sont représentés. Au-dessus de la scène principale se trouve une grande fenêtre d’où l’on peut voir un paysage représentant le lac Mincio et le pont de San Giorgio, qui étaient en fait visibles depuis les fenêtres du château. Le décor est décrit par une perspective vertigineuse, également accentuée par le sol en damier. L’ensemble de la composition est enveloppé d’une aura de grand naturel que le peintre n’abandonnera pas, même dans ses œuvres ultérieures. Entre 1460 et 1464 est exécuté le Triptyque des Offices, c’est-à-dire trois panneaux de bois représentant l’Ascension, l’Adoration des Mages et la Circoncision. La cohérence des sujets choisis par le peintre faisait probablement partie d’un seul et même projet. L’Ascension est peut-être le panneau le plus mystique et se divise en deux parties : dans la partie supérieure, le Christ, reposant sur un nouveau, monte en faisant le geste de la bénédiction, tandis que dans la partie inférieure, la Vierge et les apôtres sont représentés tournant autour du tombeau en regardant vers le haut. Dans l’Adoration des Mages, la procession des personnages, dans un mouvement ondulatoire donné par la route au loin, se dirige vers la grotte de la Nativité, dans laquelle se trouvent la Vierge et l’Enfant. Au-dessus, on voit quatre anges qui prient, tandis que le bœuf et l’âne se tiennent à l’écart. Enfin, la Circoncision: la scène se déroule dans une salle à l’intérieur classique et aux décorations raffinées. Derrière la scène, les décorations antiques témoignent d’une extraordinaire sensibilité archéologique. Au centre, une grande colonne de marbre porte un chapiteau inspiré de l’ordre corinthien, d’où partent deux arcs en plein cintre. Sous les arcs, deux lunettes contiennent des représentations du sacrifice d’Isaac et de la remise des tables de la loi. L’espace entre les deux arcs est occupé par un chérubin. Ce panneau est l’une des plus belles œuvres de l’artiste, qui a su interpréter les différents éléments classiques selon un goût personnel et très original.

Andrea Mantegna revint à nouveau au château de San Giorgio, cette fois pour décorer une salle de réception : il s’agit de la Chambre nuptiale, l’un des résultats les plus élevés et les plus raffinés de la recherche artistique du peintre. Les travaux ont commencé vers 1465 et se sont achevés en 1474 : les deux dates sont indiquées sur la fresque(lire ici une étude détaillée sur la Chambre nuptiale). L’objectif de la décoration était de célébrer la famille Gonzague : en effet, dans les cycles picturaux, on trouve des références à la dynastie politique et religieuse et à la reconnaissance du titre de marquisat, obtenu par les Gonzague en 1432, de sorte que la fresque n’est rien d’autre qu’une forte allégorie politique. Les fresques ont été modulées par Mantegna en prêtant attention à la disposition architecturale de la salle : la salle carrée est couverte d’une voûte. Les pilastres décorés sur les murs marquent les limites d’un espace que l’artiste ouvre, de manière illusoire, au-delà des murs réels. Même les éléments architecturaux réels sont contrôlés par le peintre, créant une déception visuelle pour l’observateur qui se trouve devant eux, comme dans le cas du cadre de la porte en saillie, devenu une sorte de podium sur lequel sont représentés des putti ; voir aussi le linteau de la cheminée, transformé en palier de l’escalier. Au plafond, la voûte nervurée a été réalisée en perspective dans le but de simuler des proportions cubiques, et au centre de la voûte se trouve le célèbre oculus, l’un des exemples les plus réussis de vues d’en bas. Sur le mur nord, Ludovic Gonzague est représenté avec sa cour au moment où il est sur le point de recevoir la nouvelle de l’élection de son fils François au trône cardinalice ; sur le mur ouest est représentée la rencontre entre le marquis et son fils le cardinal François ; à l’arrière-plan, en revanche, on voit la ville de Rome où l’on reconnaît le Colisée, le théâtre de Marcellus et les murailles d’Aurélien. Il est intéressant de noter comment les portraits des scènes qui se succèdent sur les murs se raccordent aux médaillons de la voûte représentant les empereurs romains : le message politique et dynastique est très fort et clair, les Gonzague se trouvent à côté d’exemples célèbres de pouvoir et de dynastie familiale, et Mantegna a réussi à écrire visuellement le message politique d’une manière extraordinaire et innovante.

Le célèbre Christ mort , dont la date est incertaine(lire ici une étude détaillée du chef-d’œuvre), a été réalisé par le peintre pour sa dévotion privée et a été retrouvé dans sa maison de Mantoue après sa mort. La scène représente le corps du Christ mort, allongé et à moitié recouvert d’un drap, sur une dalle de pierre qui dégage toute sa froideur. À côté, sur le côté gauche, se trouvent les femmes éplorées. L’ensemble de la scène est cependant obscurci par la forte poussée perspective, semblable à l’oculus de la Chambre nuptiale, qui devient ici le véritable protagoniste. Parmi les dernières œuvres de Mantegna figurent les célèbres Triomphes de César (1484-96), dans lesquels l’artiste synthétise la reconstruction antiquaire, la tradition médiévale et son interprétation très personnelle. Ce projet ambitieux consistait en neuf toiles monumentales recréant la peinture triomphale de la Rome antique, commandées par François II Gonzague pour souligner son nouveau titre de “Novo Cesare”. L’artiste a utilisé un certain nombre de sources littéraires pour concevoir les toiles. Il est fascinant de constater la sensibilité classique de l’artiste, comme en témoigne la composition des œuvres, qui reproduisent la typologie de la “peinture de triomphe romaine”. L’ensemble de la procession se déroule en plein air et les personnages sont légèrement plus bas que l’observateur. Le succès de cette œuvre fut énorme, il n’y avait pas d’invités qui ne l’admirent pas et tous s’accordaient sur sa beauté et son extraordinaire. Francesco Gonzaga épousa en 1490 Isabelle d’Este, considérée par beaucoup comme l’une des femmes les plus belles et les plus cultivées de la Renaissance. La jeune Isabelle se consacra à la culture et à l’art et demanda à Mantegna de peindre plusieurs œuvres d’art à thème mythologique pour décorer son studiolo au château de San Giorgio. En 1497, le peintre réalisa le Parnasse et en 1502 le Triomphe de la vertu. Dans le premier panneau, un groupe de jeunes filles danse en présence de Vénus et de Mars, entourés de nombreuses divinités classiques. Les figures moins rigides prennent ici un aspect plus décontracté et naturel, parfaitement intégrées au paysage, probablement sous l’influence de son beau-frère Giovanni Bellini. Le deuxième panneau représente l’allégorie de la Vertu, son triomphe sur l’âme humaine après que le Vice a été chassé. Le programme iconographique étant très complexe, il est très probable que la main de l’artiste ait été guidée par le conseiller et poète d’Isabelle, Paride da Ceresara. Andrea Mantegna fut en définitive un artiste très novateur, parmi les plus appréciés de son époque. Sa curiosité et son désir de connaissance l’ont conduit à être l’un des plus grands peintres de la Renaissance.

Andrea Mantegna, Retable de San Zen o (1457-1459 ; Vérone, San Zeno)

Andrea Mantegna, Retable de Trivulzio (1497 ; tempera sur toile, 287 x 214 cm ; Milan, Pinacothèque du Château Sforzesco)

Andrea Mantegna, Saint Sébastien (vers 1475 ; tempera sur toile, 257 x 142 cm ; Paris, Louvre)

Où voir les œuvres d’Andrea Mantegna

À Padoue, dans l’église des Eremitani, on ne peut voir que partiellement le cycle de fresques picturales de la chapelle Ovetari et de l’Assomption de la Vierge . À Mantoue, au Palazzo Ducale, il est possible de voir la Chambre nuptiale ainsi que la Sainte Famille et la Famille du Baptiste, à l’église Sant’Andrea dans la chapelle Mantegna. La Pinacothèque de Brera, à Milan, conserve le Christ mort et le polyptyque de saint Luc . Toujours à Milan, la magnifique Pala Trivulzio peut être admirée à la Pinacothèque du Château Sforzesco. À Vérone, la Pala di San Zen o de la Renaissance est conservée dans la basilique San Zeno, tandis que les panneaux qui composaient la prédelle sont conservés en France : l’Oraison au jardin et la Résurrection du Christ se trouvent au musée des Beaux-arts, tandis que la Crucifixion appartient au musée du Louvre. Les galeries des Offices de Florence abritent le Triptyque des Offices, le Portrait de Charles de Médicis et l’extraordinaire Madonna delle Cave. Les œuvres Introduction au culte de Cybèle à Rome, Sainte Famille avec saint Jean, Samson et Dalila et bien d’autres œuvres importantes se trouvent à la National Gallery de Londres. Les Triomphes de César sont tous conservés dans leur monumentalité à Hampton Court, à Londres.

Andrea Mantegna, la vie et l'œuvre du maître de la Renaissance de Mantoue

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