Andy Warhol : vie et œuvres principales du père du Pop Art

Andy Warhol (Pittsburgh, 1928 - New York, 1987) est une figure emblématique de la peinture américaine, le père du Pop Art. Peintre, sculpteur, photographe, cinéaste et producteur de groupes, il a changé l’idée même de l’artiste, qui est devenu pour la première fois son propre entrepreneur. Timide et obsédé par l’idée de se considérer comme laid, Warhol était doté d’un sens de la communication hors du commun et d’une grande capacité d’observation, autant d’aptitudes qui lui ont permis de transformer sa vie et de se construire une image de “star” avant celle d’artiste.

Sa vocation artistique est née dès l’enfance lorsque, à la suite d’une grave maladie, sa mère lui offre un kit de dessin. Il commence à travailler à New York comme graphiste publicitaire pour des magazines tels que Vogue, Harper’s Bazar, etc : Vogue, Harper’s Bazar et Glamour. C’est du monde de la publicité qu’il est venu à l’art, développant un langage impersonnel visant à créer un type d’art qui soit un enregistrement “objectif” de la réalité. Pour ce faire, ainsi que pour lancer une production en série de ses œuvres (la sérialité est l’une des caractéristiques de l’art d’Andy Warhol), l’artiste américain a utilisé des techniques de production industrielle telles que la sérigraphie sur toile (une technique d’impression artistique qui utilise un support textile, en acier ou en nylon, comme matrice).

Warhol est également connu pour avoir créé la Factory, lieu de convergence des artistes émergents et des superstars de l’époque, devenu également célèbre pour ses fêtes avant-gardistes (on disait d’ailleurs qu’une fête sans Andy Warhol n’en était pas vraiment une). Derrière cette “star” se cache cependant une personnalité beaucoup plus timide et insaisissable. D’un côté l’homme et ses faiblesses, de l’autre l’artiste portant un masque pour garder ses distances avec le monde.

Andy Warhol photographié par Jack Mitchell

La vie d’Andy Warhol

Andy Warhol, pseudonyme d’Andrew Warhola, est né à Pittsburgh le 6 août 1928, cadet des trois enfants d’Ondrej Warhola et de Júlia Justína Zavacká, tous deux immigrés tchécoslovaques. Il montre immédiatement son talent artistique et étudie l’art publicitaire au Carnegie Institute of Technology de sa ville natale. Après avoir obtenu son diplôme, il s’installe à New York : la métropole lui offre d’excellentes opportunités de s’établir dans le monde de la publicité, puisqu’elle lui permet de travailler pour des magazines tels que Vogue et Glamour en tant qu’illustrateur. En 1952, Warhol expose pour la première fois à la Hugo Gallery de New York, avec quinze dessins inspirés par les écrits de l’écrivain Truman Capote, avec lequel il restera longtemps ami. La même année, sa mère Julia Warhola s’installe à New York, où elle vivra avec son fils jusqu’en 1971. L’artiste entretient une relation très profonde avec sa mère, qui est considérée comme l’une des personnes les plus influentes de sa vie et qui travaille en étroite collaboration avec Andy. Deux ans plus tard, il organise sa première exposition personnelle à la Loft Gallery, toujours dans la Grosse Pomme.

Au début des années 1960, Warhol réalise ses premiers dessins consacrés au monde de la bande dessinée et de la publicité. Il est important de souligner qu’à cette époque, la scène artistique américaine est dominée par l’actionpainting, une technique dans laquelle la couleur coule spontanément ou est jetée sur la toile. L’artiste exploite le “hasard” et l’œuvre n’est pas le fruit d’un plan a priori mais d’un processus d’improvisation. Warhol s’éloigne de tout cela et choisit de reproduire la réalité qui l’entoure de la manière la plus froide et la plus détachée possible, industrielle et standardisée. L’exposition à la galerie Leo Castelli de l’artiste pop américain Roy Lichtenstein ( New York, 1923 - 1997), qu’il ne connaissait pas à l’époque mais qui l’a profondément fasciné, a exercé une forte influence sur lui. En 1962, il commence à utiliser la technique de la sérigraphie sur toile et pousse le principe de la reproductibilité illimitée de l’œuvre d’art jusqu’à ses conséquences extrêmes. Il change également les thèmes de ses œuvres : soupes en boîte, bouteilles de Coca-Cola et détergents. Les années 1960 sont celles de l’affirmation de Warhol: en 1962, il expose pour la première fois ses boîtes de soupe Campbell à la Ferus Gallery de Los Angeles, et deux ans plus tard, il expose à la Leo Castello Gallery de New York. Pendant cette période, il expose quelques œuvres au Salomon R. Guggenheim de New York et à la Washington Gallery of Modern Art, et entre-temps, un article du Time le qualifie d’“artiste pop”. Il s’agit en fait des débuts du Pop Art.

Les espaces de la maison d’Andy ne suffisant plus à contenir une activité créatrice en plein essor, il installe en 1964 son studio au 231 East 47th Street, dans les vastes locaux qui s’appelleront plus tard Factory : un centre de production artistique non loin de l’esprit des ateliers médiévaux, où le maître vivait avec ses élèves et leur montrait ce qu’ils devaient et pouvaient faire. C’est là que sont passés les esprits les plus brillants et les plus ouverts de la “Big Apple”, tels que les chanteurs Jim Morrison, Bob Dylan et David Bowie, l ’écrivain et acteur Truman Capote, ou les artistes Jean-Michael Basquiat et Keith Haring. Ils ont tous collaboré sur des sérigraphies et des lithographies. C’est à la Factory qu’ont été tournés les premiers films de Warhol, comme Sleep and Eat (1963), dans lequel un poète dort pendant six heures, ou Empire (1964), qui représente la même image du gratte-ciel Empire State Building pendant huit heures. Il en résulte également des productions cinématographiques qui connaissent un certain succès auprès du public, comme Trash (1969), qui raconte la vie de jeunes toxicomanes.

En 1965 a lieu la première exposition parisienne, Flowers (1964) à la galerie Ileana Sonnabend, dans laquelle Andy se décrit comme “un artiste à la retraite” qui envisage de se tourner vers le cinéma. Quelques années plus tard, en 1968, Warhol est blessé par une série de coups de feu tirés par la féministe Valerie Solanas. L’incident a endommagé tous les principaux organes internes de l’artiste et a profondément marqué sa vie, comme l’a raconté son ami et assistant Pat Hackett : “depuis ce 3 juin 68, Andy se considère comme un homme officiellement ”revenu d’entre les morts“”. Dans les années 1970, Andy commence à recevoir un grand nombre de commandes externes de portraits. Parmi ses clients figurent les chanteurs Mick Jagger, John Lennon et Diana Ross, ainsi que les actrices Brigitte Bardot et Liza Minelli. Au cours de cette période, il publie une estampe représentant Richard Nixon (à l’époque candidat à la présidence contre George McGrove), avec l’inscription “Votez McGroven”, une référence explicite à la course à l’élection présidentielle en cours. À partir de ce moment, Andy est constamment soumis à l’examen de l’International Revenue Service, c’est-à-dire l’agence fiscale américaine. En 1975 paraît The Philosophy of Andy Warhol (from A to B and Back Again), un livre rempli de citations du “roi de la pop” sur l’amour, le sexe, la beauté, le temps et la mort. Un peu plus tard, l’artiste réalise les célèbres Autoportraits avec crânes (1978) et les séries Shadows (1978) et Oxidation Paintings (1978). Au début des années 1980, l’artiste américain commence à travailler sur des programmes télévisés: Fashion, dans lequel, une fois par semaine, des amis de la Factory mais aussi des artistes émergents et de nouvelles stars du rock discutaient pendant une demi-heure ; puis il y eut aussi Andy Warhol’s TV, dans lequel Andy était paradoxalement absent ; à partir de 1985, il étudia un programme pour la chaîne de télévision MTV, intitulé Andy Warhol’s Fifteens Minutes, qui reprenait dans son titre la plus célèbre de ses maximes : “à l’avenir, tout le monde sera mondialement connu pendant 15 minutes”. Le “roi de la pop” est décédé le 22 février 1985 à l’âge de 52 ans des suites de complications liées à une opération de la vésicule biliaire. Après les funérailles, au cours desquelles l’artiste Yoko Ono a prononcé un discours, son corps a été enterré à côté de celui de sa famille dans un cimetière situé à la périphérie de sa ville natale de Pittsburgh.

Andy Warhol, Marilyn Monroe (1967 ; sérigraphie, 91,5 x 91,5 cm)

Andy Warhol, Brillo Box (1964 ; polymères sinetiques et sérigraphie sur bois, 43,3 x 43,2 x 36,5 cm ; New York, MoMA)

Andy Warhol, Campbell’s Soup Cans (1962 ; acrylique et émail sur toile, 32 panneaux, 50,8 x 40,6 cm chacun ; New York, MoMA)

L’art et l’œuvre d’Andy Warhol

La principale caractéristique des œuvres d’Andy Warhol, ce qui l’a rendu célèbre, est la sérialité avec laquelle il a représenté des objets et des personnes qui sont devenus les icônes de l’American way of life. L’artiste se pose face au monde comme une machine qui enregistre froidement et impersonnellement la réalité qui l’entoure, et la meilleure façon de l’exprimer artistiquement est donc d’utiliser la technique de la sérigraphie, la seule qui lui permette les effets de l’objectivité, puisque la “touche de l’artiste” n’est pas nécessaire. Il a utilisé des systèmes mécaniques (la machine ne peut pas mentir) pour retrouver la mécanique et la sérialité de toute la vie du 20ème siècle. Andy Warhol est le cas exemplaire pour comprendre ce qui s’est passé dans les années 1960 et pour ce faire, comme le disait l’artiste lui-même, il suffit de regarder la surface de ses œuvres. Les œuvres de l’artiste américain sont devenues de véritables icônes: de Marilyn Monroe à Mao Tse-Tung et bien d’autres. Pour Warhol, la technique d’exécution est plus importante que l’acte de création lui-même, et la technique devient un processus industriel. L’actrice et diva Marylin Monroe a été l’un des sujets les plus connus des portraits de Warhol, qui, après sa mort et conscient de son importance dans l’imaginaire collectif, a commencé à s’intéresser à elle. À partir d’une célèbre photographie de la diva, l’artiste a reproduit une série d’images mécaniquement “séparées”, comme l’indique le titre Shot Orange Marylin (1964).

En réalité, il ne s’agit pas d’un véritable portrait, mais plutôt d’une reproduction de son image publique, celle diffusée par les médias pour plaire à ses admirateurs. Ce qui intéressait Warhol, c’était la façon dont la communication était transformée, et l’artiste lui-même n’a jamais pris de position éthique : en fait, on ne sait pas ce qu’il pensait en privé (Warhol était en effet l’un des artistes les plus ambigus de l’histoire de l’art). Il a peint, comme il l’a dit dans une interview, “ce que vous voyez tous les jours”, mais aussi ce que la personne ou la chose, devient l’objet d’une adoration collective. Tout aussi célèbre est la série Death and Disasters, dont font partie les accidents de voiture tels que White car Crash 19 Time (1963) : l’image sur le fond blanc de la toile conserve les quelques couleurs industrielles distinctes de la reproduction photographique de mauvaise qualité du journal dont elle est tirée, et c’est précisément la réitération en série qui modifie le sens exprimé par l’image originale, la transformant en un motif presque “banal”. D’autre part, le contenu tragique de l’image a déjà été affaibli par la diffusion massive dans tous les journaux : l’image sera bientôt oubliée et remplacée par des images “prêtes à consommer”, avec la même rapidité frénétique que celle avec laquelle on consomme une soupe en conserve ou un Coca-Cola. La première série de Campbell’s soup date de 1962 : l’installation consiste en trente-deux tableaux identiques de même taille. Le style de la peinture est essentiellement une séquence identique d’un module répété trente-deux fois. L’utilisation de la couleur est importante pour comprendre le sens de l’œuvre : les boîtes de soupe Campbell sont imprimées sur un fond blanc qui met en valeur l’objet et en fait une icône absolue de la modernité. L’artiste a créé des images monumentales qui font partie de la vie quotidienne des gens, en l’occurrence des produits de supermarché, ainsi que des boîtes Brillo (1964-68), les transformant en icônes de la vie américaine. Dans ses œuvres, Andy réduit la participation émotionnelle au minimum.

Fidèle à sa fonction d’“enregistreur”, Warhol a également traité avec la même froideur l’image de Jacqueline Kennedy, l’épouse de John Kennedy. L’assassinat du président américain a également pris une dimension symbolique à travers la figure de la première dame, Jacqueline, dont les images ont fait le tour du monde dès le moment de l’assassinat. Warhol enregistre une fois de plus l’humeur de sa société et fait de Jackie une nouvelle icône. L’artiste a travaillé en particulier sur deux images, l’une avant la tentative d’assassinat Jackie III (1966), et l’autre après Lavender Jackie (1966), documentant ainsi un avant et un après événement, dont la douleur n’a pas seulement affecté la veuve Kennedy, mais a atteint le pays tout entier. L’artiste s’est contenté de choisir et d’exalter les images qu’il jugeait pertinentes car, indépendamment de leurs implications idéologiques ou idéalistes, elles accompagnaient et donc influençaient la vie de chacun. La même approche a été réservée à la figure mythique de Mao Tsé-Toung. Dans ce cas, l’artiste a choisi l’image habituelle du “Grand Timonier”, celle publiée sur la couverture du Petit Livre Rouge (une anthologie de citations de ses écrits et discours), et l’a répétée un nombre incalculable de fois. La singularité de cette image est que le plus haut représentant d’un empire communiste comme la Chine est devenu une icône répandue dans un pays aussi symbolique du capitalisme que les États-Unis.

Devenu lui-même un mythe, Warhol a construit son icône de la même manière qu’il aurait construit un portrait. À partir d’une photo du photographe Malcolm Kirk (la sérigraphie Self-portrait de 1967), l’artiste américain prend une pose de trois-quarts, regardant l’appareil avec une expression absorbée, la main posée sur le menton, l’index et le majeur sur la bouche. L’utilisation de la technique de la sérigraphie, qui permet à l’artiste de laisser la moitié du visage dans l’ombre et de le rendre presque invisible, renforce le caractère énigmatique de l’image. Andy ne revient à la pratique de l’autoportrait que vers la fin des années 1970, période durant laquelle apparaissent des œuvres graphiques dans lesquelles le visage de l’artiste se dédouble et se triple, comme dans Self-portrait (1977). La réflexion constante sur le moi et l’image arrive en 1981 lorsque l’artiste réalise The Shadows (1981), la somme de tout son travail sur l’autoreprésentation. La série de polaroïds préparatoires montre à quel point l’artiste était attentif à la construction de l’œuvre, et le titre lui-même souligne le fait que le centre d’intérêt de Warhol est l’ombre et non le corps qui la crée. La pratique du détachement émotionnel et de l’impersonnalité était un élément fondamental de la poétique de Warhol : cependant, il est tout aussi vrai que les sujets n’ont jamais été choisis au hasard et qu’ils induisent des réactions différentes chez le spectateur. Des compositions telles que Most wanted man no.1, Jhon M. (1964), Elecrtic Chair (1971), et Knives (1981), représentaient le côté sombre de la société qui produit les biens de consommation et l’argent pour les acheter. Surtout, ils occupent dans les médias de masse le même espace que les stars du cinéma et de la politique et se superposent à elles, se fondent dans la masse sans se différencier. Le fameux “quart d’heure de célébrité” peut même toucher le meurtrier le plus recherché d’Amérique ou le protagoniste malheureux et anonyme d’un accident de voiture.

Il arrive parfois que la pochette d’un album devienne plus célèbre que les chansons qu’elle contient : ce fut précisément le cas de la pochette qu’Andy Warhol dessina pour le groupe The Velvet Underground, dont il devint également le producteur. En 1966, Lou Reed fonde The Velvet Underground et le groupe est intégré à la Factory du père du Pop Art, qui finance leur premier album, ce qui permet au groupe de s’imposer sur la scène musicale new-yorkaise comme l’un des plus innovants. Le fruit jaune sur la pochette du premier album du Velvet Underground est devenu une icône. Le fruit dessiné par l’artiste, qui, dans les premières éditions, pouvait être “épluché”, faisant apparaître une banane en rose, est apparu comme une provocation claire de l’artiste. L’album, sorti en 1967, est rapidement devenu un objet culte pour les collectionneurs de vinyles et d’œuvres d’art et a aujourd’hui une valeur d’environ deux mille dollars. La photographie est à la base de la peinture d’Andy Warhol, en effet, la plupart de ses œuvres en sont issues, certaines prises directement par lui, d’autres tirées de journaux et retravaillées. D’autres photos, en revanche, sont restées telles quelles et sont devenues une sorte de témoignage de sa vie sociale, de ses rencontres avec des célébrités et de la vie quotidienne dans ses innombrables aspects. Parmi les polaroïds les plus célèbres, citons celui représentant l’artiste Joseph Beuys (1979), ou l’Autoportrait avec John Lennon et Yoko Ono (1971). Il y a ensuite une œuvre qui résume tous les mythes : Mythes (1981), qui, à première vue, aurait pu sembler être une peinture plutôt extravagante. À l’extrême droite, dans le dixième cadre, nous trouvons Andy Warhol qui regarde fixement vers la gauche. Il est la seule personne réelle parmi les neuf mythes qui, selon l’artiste, sont la méchante sorcière de l’Ouest du Magicien d’Oz¸ Dracula, la Mami du film Autant en emporte le vent, Greta Garbo, le Père Noël, Superman et d’autres encore. Bien que ces mythes n’apparaissent qu’à la télévision, au cinéma ou dans les bandes dessinées, l’artiste américain reconnaissait qu’ils jouaient un rôle important dans la vie des gens, et pour lui, apparaître aux côtés de ces mythes n’avait rien d’étrange. Enfin, Self-portraits (1986), la dernière version des portraits réalisés par l’artiste avant sa mort, a été définie comme l’une des plus emblématiques.

Warhol a également apporté une contribution importante au cinéma, dont les productions ont eu lieu dans la Factory. Empire (1965) présente l’un des gratte-ciel les plus célèbres de New York, l’Empire State Building, sur fond de ciel nuageux. Le film dure huit heures, du crépuscule à l’aube, l’image fixe du bâtiment est montrée en continu et le spectateur ne peut s’empêcher de “souhaiter” que le moindre changement se produise. Chelsea Girl (1966) dure plus de trois heures : deux films sont projetés sur l’écran en même temps. Toutes les expériences et tous les langages alternent : la couleur et le noir et blanc, le muet et le sonore, la stase et le dynamisme débridé. Le film n’a pas de véritable narration formelle, mais présente les différents résidents de l’hôtel Chelsea à New York en 1966 : un toxicomane qui se dispute avec lui-même plutôt qu’avec les autres, deux lesbiennes au lit, une fille sous LSD, un groupe d’homosexuels, etc. En choisissant le cinéma, c’est comme si Warhol avait choisi un nouvel outil pour s’affranchir des règles et des lois.

Andy Warhol, Sans titre (Mao) (1972 ; sérigraphie sur papier, 91,44 x 91,44 cm ; Milan, Collection Teresa et Michele Bonuomo)

Andy Warhol, Fleurs (1964 ; lithographie édition de 300, 55,8 x 55,7 cm ; New York, MoMA)

Andy Warhol, Marteau et faucille (1977 ; peinture, polymères synthétiques et sérigraphie sur toile, 182,9 x 218,4 cm ; Rome, Galleria Nazionale d’Arte Moderna e Contemporanea)

Où voir les œuvres d’Andy Warhol

En 1993, un musée entièrement consacré à Andy Warhol a été construit dans sa ville natale de Pittsburgh. Le musée abrite la plus grande collection d’œuvres d’art et d’archives de l’artiste américain. Peintures, dessins, illustrations commerciales et photographies couvrent toute la carrière de Warhol, depuis ses premiers travaux d’étudiant jusqu’à ses peintures Pop Art. De l’autre côté de l’Atlantique, le MoMa (Museum of Modern Art) présente certaines de ses œuvres les plus célèbres, comme Flowers (1964) et Marilyn Monroe (1967). Au Solomon R. Guggenheim Museum de New York, les autoportraits Electric Chairs (1964) et Orange Disaster (1963) sont exposés en 1986. D’autres œuvres telles que Skulls (1976), Liz Taylor (1965) ou Gun (1981) se trouvent à la Tate Modern de Londres.

Les œuvres d’Andy Warhol se trouvent dans divers musées du monde entier, y compris en Italie : la sérialité avec laquelle l’artiste créait ses œuvres a conduit à l’utilisation généralisée de multiples, qui font également souvent l’objet de grandes expositions et sont souvent visibles dans les foires d’art moderne.

Andy Warhol : vie et œuvres principales du père du Pop Art

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