Giovanni Segantini, la vie et l'œuvre du grand peintre symboliste

Giovanni Segantini (Arco, 1858 - Monte Schafberg, 1899) est l’un des peintres les plus importants du symbolisme. La figure de cet artiste est étroitement liée au territoire suisse, où il a passé une bonne partie de sa courte vie (il est mort à seulement 41 ans, terrassé par une péritonite, alors qu’il se livrait à une intense séance de peinture en plein air, dans les montagnes). Son œuvre se caractérise par des thèmes ruraux et bucoliques, d’abord dans une tonalité vériste, représentant des vues et des scènes de la vie rurale lombarde, puis vers le naturalisme inspiré de l’école de Barbizon, et enfin vers le symbolisme, utilisant ainsi la nature comme une allégorie pour présenter certaines réflexions et certains messages.

Le passage progressif au symbolisme coïncide également avec un changement technique important : Segantini abandonne progressivement les couleurs mélangées pour introduire la technique divisionniste. Cette technique, directement dérivée du pointillisme, consiste à peindre des formes en juxtaposant des touches et des lignes de couleur pure, de manière à ce que la scène apparaisse d’un seul coup d’œil sans avoir recours à des contours nets. Aujourd’hui, Segantini est considéré comme l’un des principaux peintres divisionnistes italiens. Les thèmes récurrents de son œuvre sont la campagne (étables avec du bétail, troupeaux de moutons, femmes travaillant des matériaux), la maternité, d’abord présentée de manière vériste puis s’orientant vers la condamnation des femmes qui la rejettent (un thème dérivé du traumatisme que Segantini a personnellement vécu lorsqu’il a perdu sa mère dans son enfance) et le paysage de montagne.

La vie de Giovanni Segantini

Giovanni Se gantini est né le 15 janvier 1858 d’Agostino Segantini et de Margarita de Girardi à Arco, dans le Trentin, une région qui faisait alors partie de l’Empire autrichien. Après la mort prématurée de sa mère en 1865, son père décide de l’envoyer à Milan auprès d’une fille plus âgée issue d’une précédente relation. La période milanaise n’est cependant pas heureuse pour Segantini : il ressent l’éloignement de sa famille et commence à se replier sur lui-même, isolé par tous car il est considéré comme apatride, sans véritable citoyenneté. Il est également arrêté pour vagabondage et enfermé dans une maison de correction, dont il sort en 1873. Une fois sorti, il s’installe près de Trente avec un autre demi-frère, Napoléon, et travaille dans son atelier pour subvenir à ses besoins.

Au bout d’un an, il retourne à Milan et, s’étant entre-temps découvert une passion pour la peinture, il s’inscrit à des cours du soir à l’Académie des beaux-arts de Brera, qu’il parvient à payer en travaillant dans l’atelier du décorateur Luigi Tettamanzi. À l’Académie, il a pour professeur Giuseppe Bertini, peintre romantique et vériste, et ce n’est pas un hasard si ses premières œuvres montrent l’influence du vérisme lombard. Segantini expose ses toiles pour la première fois au public lors de l’exposition annuelle de l’Académie en 1879, suscitant l’intérêt des critiques et en particulier de l’artiste, critique et marchand Vittore Grubicy. Segantini collabora longtemps avec Grubicy, surtout à partir du moment où ce dernier ouvrit avec son frère une galerie d’art à Milan, qui s’avéra être un vivier pour divers artistes lombards et en particulier pour les Scapigliati. Segantini compte également parmi ses amis Carlo Bugatti, designer et ébéniste, qui deviendra peu après son beau-frère. Le peintre se marie en effet avec Bice Bugatti, la sœur de son ami, et s’installe avec elle en Brianza. Il continue à travailler dans les années suivantes grâce au soutien de Grubicy, avec qui il signe un contrat d’exclusivité pour sa galerie en 1883.

Au cours de cette période, il commence également à obtenir ses premières récompenses nationales et internationales. En effet, la même année, il remporte la médaille d’or à l’exposition internationale d’Amsterdam pour l’œuvre Ave maria a trasbordo (dans la première version de 1882) et gagne un prix à Anvers pour La tosatura delle pecore (1883-1884). C’est ensuite l’œuvre Alla stanga de 1886 qui lui vaut les honneurs les plus importants, puisqu’en plus d’une nouvelle médaille d’or à Amsterdam, il reçoit une offre d’achat de l’État italien pour la GNAM - Galleria Nazionale d’Arte Moderna à Rome, où l’œuvre est encore conservée aujourd’hui. La même année que le succès d’Alla Stanga, Segantini s’installe en Suisse, à Savognin. Il s’y familiarise avec la technique divisionniste, tandis que Grubicy et ses ferventes activités de promotion lui assurent une plus grande renommée internationale : Segantini participe à l’exposition italienne de Londres et devient très célèbre et recherché en tant que collaborateur de revues d’art. Quelques années plus tard, en 1894, l’artiste commence à manifester le désir de se retirer dans la solitude pour méditer et à cultiver une tendance personnelle au mysticisme. Il déménage donc à nouveau et choisit Maloja, dans la vallée suisse de l’Engadine, entourée uniquement par les imposantes montagnes alpines. Ce paysage majestueux et isolé jouera un rôle majeur dans ses œuvres ultérieures.

Il tomba tellement amoureux de la région qu’il voulut accomplir un exploit unique : construire un pavillon dédié précisément à l’Engadine pour l’Exposition universelle de Paris en 1900. Au départ, le pavillon était conçu comme une structure circulaire qui devait contenir une énorme toile reproduisant le paysage local, large de 70 mètres et longue de 220 mètres, mais les coûts prohibitifs du projet l’obligèrent à la réduire, et Segantini la transforma en trois célèbres toiles qui sont aujourd’hui regroupées sous le titre de Triptyque alpin. Cependant, le triptyque fut rejeté par les commissaires du pavillon, qui estimaient qu’il ne reflétait pas correctement l’image touristique de la région qu’ils voulaient montrer à Paris, et le triptyque fut donc exposé dans le pavillon italien. Le peintre mourut le 28 septembre 1899 à l’âge de 41 ans, alors qu’il peignait sur la montagne du Schafberg, victime d’une crise d’appendicite qui entraîna une péritonite. Il est enterré au cimetière de Maloja.

Le style et l’œuvre de Segantini

La parabole de la peinture de Giovanni Segantini commence par une première production vériste dans laquelle il dépeint des aperçus de la vie paysanne typique en Lombardie, pour s’orienter ensuite vers des thèmes plus symbolistes soulignés par son adhésion à la technique divisionniste. Parmi ses premières œuvres, les plus importantes sont Il coro della chiesa di Sant’Antonio Abate in Milano (1879), dans laquelle le peintre fait preuve d’un très haut niveau d’étude de la lumière et d’un rendu résolument fidèle des détails de la représentation en raccourci, et Il Naviglio a Ponte San Marco (1880), où, une fois de plus, le rendu de la lumière confère une grande qualité à la peinture. La particularité de ces premières peintures est qu’elles sont toutes deux de petit format.

Les œuvres plus tardives sont principalement des scènes de genre se déroulant dans la campagne lombarde, faisant apparaître sur la toile des fragments de la vie de l’époque, notamment des objets et des vêtements typiques. Dans ces œuvres, on peut également faire une association immédiate avec des échos de Barbizon et de la peinture de Jean-François Millet. Parmi les plus significatives, citons Zampognari in Brianza (vers 1883-1885), une scène simple qui s’articule néanmoins dans la représentation des protagonistes, y compris les joueurs de cornemuse qui donnent leur titre à l’œuvre et qui sont en fait placés sur le côté, en demi-droite. On remarque en particulier la différence entre la plus jeune qui se laisse distraire par la mélodie et la plus âgée qui poursuit son travail sans se décourager.La collection de cocons de 1882, quant à elle, montre trois femmes de générations différentes travaillant dans une pièce de type rural, la lumière du soleil éclairant astucieusement le travail en cours, tandis que le reste de la pièce est dans l’obscurité.

Les deux œuvres, La bénédiction des moutons (1884) et Une messe avant (1884-86), présentent les premiers indices de symbolisme, identifiables dans le choix de reproduire les vues d’Inverigo et de Veduggio de la Brianza de manière reconnaissable mais non fidèle, en les retravaillant pour donner à la peinture une plus grande monumentalité. Par exemple, dans A messa prima, l’église devrait apparaître tournée de 180 degrés par rapport aux marches, alors que dans l’œuvre elle a été déplacée pour isoler davantage le prêtre et lui donner un sens plus courtois. Dans ces œuvres, Segantini se concentre en effet beaucoup sur la verticalité du raccourci afin de souligner la charge spirituelle des personnages ecclésiastiques représentés. La phase naturaliste de Segantini atteint son apogée avec Alla stanga (1886), peint lors d’une séance de peinture en plein air à Caglio, dans la province de Côme, où le peintre s’était retiré pour peindre en solitaire. Le tableau a connu un grand succès auprès de la critique et du public et s’est avéré être la dernière œuvre de Segantini dans laquelle les couleurs sont appliquées sur la toile en étant mélangées, avant sa transition vers le divisionnisme. Le paysage reproduit dans l’œuvre est, lui aussi, reconnaissable mais pas tout à fait fidèle à la réalité, car il combine des images de différents lieux. La sensation d’ouverture donnée par le vaste raccourci suggère comment le peintre a voulu utiliser l’expédient de la vue de paysage non pas pour reproduire un lieu précis, mais pour représenter l’infini.

L’année 1888 marque un tournant pour Segantini, tant sur le plan personnel que sur le plan artistique. En effet, alors qu’il est au sommet de son succès et qu’il a obtenu sa première reconnaissance internationale, il s’installe en Suisse et commence à inclure dans ses œuvres des éléments nettement plus symbolistes. Au cours de cette période, le peintre a porté à l’apogée de l’allégorie un thème déjà abordé dans des œuvres de la période naturaliste, à savoir la maternité. En effet, dans Ave Maria at Transshipment (1882), une mère serrant tendrement son enfant était déjà présente, de manière réaliste, mais dans l’œuvre The Two Mothers (1889), un parallélisme précis sur la maternité apparaît à la fois chez l’homme et chez l’animal : une femme endormant un nourrisson dans ses bras et une vache laissant son veau se reposer sur sa jambe sont toutes deux présentes. L’œuvre est reproposée une dizaine d’années plus tard avec le même titre, mais cette fois une mère et son enfant sont représentés marchant le long d’un chemin de montagne avec une brebis et son agneau, et la technique est désormais largement pointilliste contrairement à la première version. La maternité revient également dans les deux toiles les plus symbolistes de Segantini, Les mauvaises mères (1894) et L’ange de la vie (1895), qu’il a peintes dans des versions différentes.

Pour Les Mauvaises Mères, Segantini s’est inspiré de concepts tirés d’un texte de Nirvana du librettiste Luigi Illica. Marqué dans son enfance par la perte prématurée de sa mère, le peintre a utilisé le texte en question pour condamner toutes les femmes qui, pour quelque raison que ce soit, ont rejeté la maternité de leur vie au profit des plaisirs sexuels et, en outre, pour représenter sur le plan figuratif le concept symboliste du dualisme entre femme-mère et femme-femme. Au centre de l’œuvre se trouve une figure féminine qui, comme dans le texte littéraire de référence, est emprisonnée dans un bouleau et tourmentée par les voix des enfants qu’elle n’a jamais eus. Les têtes de ces enfants sortent des branches et des racines des arbres et l’une d’entre elles s’attache à la poitrine de la femme, et ce geste initie un chemin de rédemption qui la mènera au Nirvana. Le tout se déroule dans un environnement glacial où se détachent des arbres dénudés et tordus, soulignant le sentiment d’inconfort et de tourment ressenti par les femmes pécheresses, même si elles sont sur le chemin du pardon. L ’ange de la vie , quant à lui, est une sorte de contrepoids païen à la Vierge à l’enfant, thème classique de la peinture à caractère religieux. La mère éthérée est représentée assise sur un trône fait de branches de bouleau torsadées, tenant un petit enfant dans ses bras. Les branches, dont certaines sont fleuries et d’autres fanées, symbolisent le cycle de la vie et de la mort, que la maternité domine éternellement.

Dans les œuvres décrites jusqu’à présent, la technique divisionniste est présente dans plusieurs détails mais n’est pas encore prédominante, tandis que le tableau qui marque la pleine adhésion est l’œuvre de 1896 L’amour à la fontaine de vie, qui représente un couple d’amoureux s’approchant d’une fontaine où ils rencontrent un ange qui la garde.Le pointillisme repose sur le même concept que le pointillisme, selon lequel des lignes de couleur juxtaposées réussissent à rendre optiquement la forme qu’elles sont censées représenter. Dans cette œuvre, Segantini utilise cet expédient pour peindre à la fois le paysage et les figures des deux protagonistes, produisant ainsi une œuvre légère, éthérée et raréfiée, mais en même temps en plein mouvement.

La dernière œuvre majeure de Segantini est le Triptyque alpin ou Triptyque de l’Engadine, dans lequel sont représentées des vues de l’Engadine peintes à différents moments de la journée pour symboliser le cycle de la vie, comme dans les branches sèches et fleuries de L’Ange de la vie. Les titres des trois œuvres sont La vita (La vie) , où le thème de la maternité revient avec la figure de la mère et de l’enfant dans un paysage qui suggère également une référence à la terre mère ; La natura (La nature), où est représenté le moment du retour du pâturage ; et La morte (La mort), représentée par un groupe de femmes vêtues de deuil qui, aux premières lueurs du jour, attendent le début d’un enterrement. Dans ces trois tableaux, la composante divisionniste est confirmée par l’utilisation de filaments de couleur, habilement utilisés pour rendre la modulation de la lumière en fonction des différents moments de la journée. L’ensemble du triptyque a été réalisé par Segantini en plein air et a constitué son dernier projet au cours des derniers mois de sa vie.

Où voir les œuvres de Giovanni Segantini ?

Le territoire suisse de l’Engadine a joué un rôle fondamental dans la vie de Segantini, et la présence du peintre y est aujourd’hui encore célébrée de diverses manières. À Maloja, par exemple, un parcours en 12 étapes, le “Segantini Weg”, a été créé, menant à un espace d’exposition en bois qui reproduit le pavillon de l’Engadine conçu pour l’exposition universelle de Paris en 1900. La structure ne contient toutefois pas le Triptyque alpin, qui se trouve au Musée Segantini. Ce musée a été créé à Saint-Moritz, chef-lieu de l’Engadine, pour conserver dignement le Triptyque alpin , et la majorité des œuvres du peintre, soit 55 toiles et œuvres sur papier, ainsi que divers dessins, y sont conservés. En effet, la Vache à l’étable (1882), la Bénédiction des moutons (1884), la Tonte des moutons (1886-87), le Chevreuil mort (1892) et la Récolte des foins (1889-98), entre autres, y sont conservés.

À Milan, la Gallerie di Piazza Scala conserve deux tableaux, à savoir Le chœur de l’église Sant’Antonio Abate de Milan (1879) et Le rassemblement des cocons (1882), tandis que la Civica Galleria d’Arte Moderna abrite la version de 1889 des Deux mères (1889), L’ange de la vie (1894) et L ’amour à la source de la vie (1896).

En outre, comme mentionné dans la biographie, la GNAM - Galerie nationale d’art moderne et contemporain de Rome abrite la célèbre Alla stanga (1886).

Giovanni Segantini, la vie et l'œuvre du grand peintre symboliste

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