De Kentridge à Anne-Sophie Mutter, tour d'horizon des lauréats du Praemium Imperiale 2019, le "Nobel" de l'art.


William Kentridge, Mona Hatoum, Williams&Tsien, Anne-Sophie Mutter, Bando Tamasaburo : voici les lauréats du Praemium Imperiale 2019. Voyons qui ils sont.

Comme nous l’avons indiqué quelques minutes après l’annonce officielle, les lauréats du Praemium Imperiale, le “Nobel” des arts, sont cette année William Kentridge (Johannesburg, 1955), qui remporte le prix de la peinture, Mona Hatoum (Beyrouth, 1952), qui reçoit le prix de la sculpture, le duo Tod Williams (Detroit, 1943) et Billie Tsien (Ithaca, New York, 1949) qui reçoit le prix de l’architecture, Anne-Sophie Mutter (Rheinfelden, 1963), qui reçoit le prix de la musique, et Bandō Tamasaburō (Tokyo, 1950), vainqueur dans la catégorie théâtre/cinéma. L’édition numéro XXXI du Praemium Imperiale récompense également pour cette année 2019 cinq personnalités qui se sont distinguées dans le domaine des arts, elle distingue également un prix pour les jeunes artistes, la Bourse pour les jeunes artistes, qui revient pour cette édition au projet Démos, qui s’occupe d’éducation musicale.

La cérémonie de remise des prix aura lieu le 16 octobre dans le complexe architectural du Meiji Kinenkan à Tokyo en présence du Prince Hitachi, oncle de l’Empereur du Japon et connu pour ses activités philanthropiques. Le prince Hitachi est le président d’honneur de la Japan Art Association, l’organisme qui décerne le Praemium Imperale, fondé sur l’aspiration du prince Takamatsu (Tokyo, 1905 - 1987) à ce que le Japon promeuve la paix dans le monde par le biais des arts. Et c’est précisément l’égide de la Maison impériale japonaise qui est l’un des facteurs (avec la rigueur dans la sélection des candidats et le choix final des lauréats) de l’autorité dont jouit dans le monde entier ce prix, dont le prestige international dans le domaine artistique est égal à celui des prix Nobel dans le domaine scientifique.

Les nominations pour les prix annuels sont proposées par les conseillers internationaux de la Japan Art Association, qui président chacun les comités de nomination dans leur pays. Le choix final des lauréats est effectué par cinq comités de sélection de la Japan Art Association, un pour chaque catégorie de prix : peinture, sculpture, architecture, musique, théâtre/cinéma. La présence des artistes à la cérémonie de remise des prix à Tokyo est une condition préalable à l’attribution du prix. Les conseillers internationaux comprennent des personnalités du monde institutionnel, politique et culturel : Lamberto Dini, Klaus-Dieter Lehmann, Christopher Patten, Jean-Pierre Raffarin et Caroline Kennedy, qui occupe le poste depuis cette édition du prix, ayant été nommée en 2018 à la suite du départ à la retraite de l’ambassadeur Luers. Les conseillers honoraires sont Jacques Chirac, William H. Luers, David Rockefeller Jr, François Pinault et Yasuhiro Nakasone, qui, ayant eu 100 ans, a quitté ses fonctions à la fin de l’année 2018.

Les lauréats de cette 31e édition rejoindront les 154 artistes déjà parmi lesquels Claudio Abbado, Gae Aulenti, Ingmar Bergman, Luciano Berio, Cecco Bonanotte, Leonard Bernstein, Peter Brook, Anthony Caro, Enrico Castellani, Christo et Jeanne-Claude, Federico Fellini, Dietrich Fischer-Dieskau, Norman Foster, Frank Gehry, Jean-Luc Godard, David Hockney, Willem de Kooning, Akira Kurosawa, Wolfgang Laib, Sophia Loren, Umberto Mastroianni, Mario Merz, Issey Miyake, Riccardo Muti, Giuseppe Penone, Renzo Piano, Michelangelo Pistoletto, Maya Plisetskaya, Maurizio Pollini, Arnaldo Pomodoro, Robert Rauschenberg, Mstislav Rostropovich, Ravi Shankar, Mitsuko Uchida, Giuliano Vangi.

Voyons de plus près qui sont les protagonistes de cette édition du prix et les motivations qui ont conduit le jury international à les déclarer lauréats.

William Kentridge (Johannesburg, 1943). Lauréat du prix de peinture.
Motivation : William Kentridge a inventé les “moving pictures”, c’est-à-dire des films d’animation réalisés en filmant des images statiques, en les redessinant et en les filmant à nouveau, plusieurs fois, créant ainsi un univers sans pareil. Il a créé de nouveaux types de médias artistiques à partir de dessins, intégrant des croquis à des vidéos, des installations, des sculptures et, plus tard, les combinant pour développer des œuvres de théâtre et d’opéra. Il s’est toujours opposé à la tyrannie et sa quête intellectuelle pour identifier les maux de l’apartheid et du colonialisme traverse toutes ses œuvres. C’est pour cette raison qu’il est tenu en haute estime par de nombreuses personnes.

William Kentridge est un artiste visuel extraordinaire qui utilise le dessin, le film, la performance, la musique et la sculpture pour enquêter sur les idées et les conventions de notre monde, rechercher des vérités cachées et démanteler les fausses certitudes.

L’artiste est né dans une famille juive qui a immigré en Afrique du Sud. Ses parents étaient avocats, proches des activistes et eux-mêmes impliqués dans la lutte contre l’apartheid. L’environnement dans lequel il a grandi, même s’il a suivi un chemin différent de celui de ses parents et grands-parents, également avocats, l’a amené à être, comme il l’explique, “capable de comprendre le monde avec des arguments autres que ceux basés sur le droit”, ce qui lui a permis de “construire une relation éthique avec la société”.

Après avoir obtenu un diplôme en sciences politiques à Johannesburg, il a étudié le théâtre à Paris et a essayé pendant un certain temps de devenir acteur. Mais il finit par rentrer en Afrique du Sud à la trentaine et commence sa carrière artistique par des “dessins en mouvement”. Cette technique consiste à faire des ajouts et des effacements partiels à une série de dessins au fusain qui sont filmés, une image à la fois, et reliés entre eux pour former une vidéo. Ce style d’animation, bien que simple par rapport à des styles plus modernes et techniquement sophistiqués, capture la profondeur du temps et possède une expressivité remplie de significations cachées. Parmi les œuvres de la série Nine Drawings for Projection (1989 - en cours), qui ont valu à Kentridge une reconnaissance mondiale, Felix in Exile peut être considérée comme la plus importante. L’œuvre a été créée en 1994, l’année des premières élections démocratiques en Afrique du Sud. Elle fait écho aux influences de l’expressionnisme allemand et du dadaïsme, avec une scène dramatique de cadavres disparaissant dans le paysage. “Même si je savais que les élections seraient suivies de célébrations, je ne pouvais m’empêcher de penser à la façon dont le souvenir de ceux qui étaient morts, de leur sacrifice, s’effacerait. De la même manière, le paysage ne fait que recouvrir ce qui s’est passé dans le passé. En ce sens, j’ai senti que le paysage et la mémoire sont très similaires”.

Felix in Exile fait remonter à la surface la douleur d’une histoire sombre qui s’est dissoute dans le paysage jusqu’à ce qu’elle ne soit plus visible, tout en nous rappelant que la vision et la mémoire humaines sont éphémères et incertaines.

Des thèmes tels que le changement, la mémoire, le temps sont récurrents dans la production de Kentridge, et ses idées migrent d’un type d’œuvre à l’autre. L’artiste crée un art de plus en plus complexe et multidisciplinaire qui implique une fusion multicouche de son, de musique, de danse et de film, dans lequel les silhouettes et les figures en procession jouent un rôle clé. L’œuvre épique The Head and the Load (2018), qui examine le rôle des soldats africains dans la Première Guerre mondiale, a été universellement acclamée. Ces œuvres révèlent l’opposition de l’artiste aux régimes dictatoriaux et au colonialisme, ainsi qu’une exploration intellectuelle de leur pathologie sous-jacente.

Créatif et plein d’esprit, cet artiste basé à Johannesburg est demandé dans le monde entier. Sa production diversifiée trouve un large écho et, après quarante ans, il est toujours à la recherche d’un monde plus vrai.

Kentridge a reçu le prix de Kyoto au Japon en 2010, l’ordre des Arts et des Lettres en France en 2013 et le prix Princesse des Asturies en Espagne en 2017.

William Kentridge dans son studio à Johannesburg. Ph. Crédit © The Japan Art Association / The Sankei Shimbun
William Kentridge dans son atelier à Johannesburg. Ph. Crédit © The Japan Art Association / The Sankei Shimbun

Mona Hatoum (Beyrouth, 1952). Lauréate du prix de sculpture.
Motivation : Mona Hatoum est une artiste qui a fait l’expérience directe du statut de réfugié et qui a souvent montré l’agonie et la douleur des réfugiés dans ses œuvres, tout en se confrontant à des contradictions sociales telles que la répression politique et les questions de genre. Elle exprime sa conscience radicale et presque critique de ces questions avec une grande délicatesse. La richesse de son imagination et de ses réalisations artistiques mérite l’attention et le sentiment d’urgence présent dans ses œuvres leur confère une forte impression de réalité. La manière dont elle a continué à stimuler la scène artistique contemporaine est également très appréciée.

Mona Hatoum est une artiste britannique d’origine palestinienne dont la production poétique et politique est réalisée dans une variété de médias différents et souvent non conventionnels, tels que des installations, des sculptures, des vidéos, des photographies et des œuvres sur papier.

Sa famille d’origine était palestinienne, mais elle a vécu en exil à Beyrouth, au Liban. En 1975, l’artiste a fait un court séjour à Londres, mais le déclenchement de la guerre civile libanaise l’a empêchée de retourner à Beyrouth.

Après s’être installée à Londres, elle décide de réaliser un rêve qu’elle nourrissait depuis longtemps - devenir artiste - en étudiant les beaux-arts de 1975 à 1981 à la Byam Shaw School of Art et à la Slade School of Fine Art. Elle travaille d’abord dans le domaine de la vidéo et de la performance, puis étend ses créations à des installations et à des œuvres de grande envergure.

L’une de ses premières œuvres, Measures of Distance (1988), était une vidéo singulièrement autobiographique contenant une conversation entre l’artiste et sa mère, dans laquelle il révélait la douleur de la séparation et l’effet de la distance. Une autre de ses premières œuvres, Corps étranger (1994), est née de sa prise de conscience critique de la prolifération des caméras de surveillance à Londres. L’artiste projette les résultats d’une endoscopie, filmant ses organes internes, sur le fond d’une structure cylindrique. Le spectateur devient ainsi un voyeur à l’intérieur du corps de l’artiste.

Utilisant la cartographie pour explorer l’instabilité et la précarité du paysage politique actuel, Hatoum a réalisé une série de cartes du monde, depuis celle créée avec du savon de Naplouse et des perles, Present Tense (1996), jusqu’à Map (1999), une carte réalisée avec de petites sphères de verre, en passant par Hot Spot (2006-2013), un énorme globe lumineux avec un néon rouge menaçant.

Au fil des ans, Hatoum a développé un langage dans lequel les objets familiers, domestiques et quotidiens sont souvent transformés en quelque chose d’étranger, de menaçant et de dangereux. “Je m’intéresse à l’étrange”, explique-t-il. Lorsqu’une situation parfaitement familière apparaît soudainement étrange, parce qu’elle est associée à une sorte d’événement traumatique, cela crée des sentiments d’anxiété, de malaise et de terreur."

En 2017, elle a reçu le 10e Hiroshima Art Prize, et la visite au Japon qui a suivi a inspiré son importante œuvre Remains of the Day, dans laquelle des restes fantomatiques de meubles brûlés rappellent l’immense dévastation causée par la bombe atomique, tout en faisant écho aux effets de la violence et de la guerre ou aux désastres écologiques d’aujourd’hui.

Ses œuvres reflètent souvent son parcours hybride et diversifié. “Mes racines, dit-il, sont au Moyen-Orient. J’ai une vision différente du monde. J’ai eu une expérience culturelle très éclectique et diversifiée”.

Mona Hatoum est devenue l’une des artistes les plus importantes au monde et ses œuvres figurent dans toutes les grandes collections. En 2011, elle a reçu le prix Joan Miró. Une grande exposition consacrée à son travail a été organisée au Centre Pompidou à Paris, à la Tate Modern à Londres et à Kiasma à Helsinki de 2015 à 2017.

Elle vit actuellement à Londres et passe ses journées, comme elle le dit, à “travailler, travailler, travailler”.

Mona Hatoum dans son atelier à Londres. Ph. Crédit © The Japan Art Association / The Sankei Shimbun
Mona Hatoum dans son atelier à Londres. Ph. Crédit © The Japan Art Association / The Sankei Shimbun

Tod Williams (Detroit, 1943) et Billie Tsien (Ithaca, New York, 1949). Lauréats du prix d’architecture.
Motivation : Tod Williams et Billie Tsien se sont principalement consacrés à l’architecture non commerciale, dans des espaces tels que des instituts, des musées, des écoles, etc., décrivant leur travail de conception comme “un bébé qui essaie d’apprendre à marcher”. Ils analysent méticuleusement les matériaux et les formes, prenant le temps de laisser les idées se développer. Ils mettent également l’accent sur les “conceptions faites à la main” et la “lenteur”, par opposition à un travail trop rapide. La façon dont ils créent des espaces délicats et apaisants avec des designs qui ont le “goût de l’artisanat” est très appréciée.

Tod Williams et Billie Tsien travaillent ensemble depuis 1977 et vivent à New York, où ils ont fondé en 1986 le célèbre cabinet Tod Williams Billie Tsien Architects, qui s’adresse principalement à des clients publics et institutionnels tels que des écoles, des musées et des organisations à but non lucratif.

Tous deux sont convaincus que l’architecture est un acte de “profond optimisme” et cherchent à travailler pour des institutions qui partagent ce point de vue. Leur aspiration en tant qu’architectes est de “servir” leurs clients en créant des projets qui incarnent leur mission et leurs valeurs. “Nous commençons par un examen approfondi du client”, explique Williams. “Notre tâche, poursuit M. Tsien, est d’essayer de comprendre ce qui constitue l’essence des choses. Nous ne pouvons pas travailler sur un projet si nous ne partageons pas ses valeurs”.

Leur studio explore soigneusement le potentiel des matériaux, des structures, de la lumière et d’autres éléments pour refléter l’objectif et l’emplacement spécifiques de chaque projet. Dans la mesure du possible, ils intègrent l’artisanat, donnant ainsi de la visibilité à tous ceux qui contribuent à la naissance d’un projet par leur travail, intellectuel ou manuel. “Les gens, explique M. Tsien, disent que les structures que nous concevons sont ”comme les gens“. Nous essayons de faire en sorte que nos bâtiments soient imprégnés d’un sentiment d’”appartenance“, et nous voulons également inspirer un sentiment d’émerveillement à ceux qui y pénètrent”.

Williams et Tsien ont des personnalités et des origines culturelles différentes. Williams est typiquement originaire du Midwest : travailleur et doté d’une énergie débordante. Tsien, une Américaine d’origine chinoise née à Ithaca, dans l’État de New York, se décrit comme une personne de culture américaine et de tempérament chinois. On la trouve souvent plongée dans la lecture d’un roman pour élargir sa vision du monde. Si j’apporte des ondulations et du mauvais temps, elle apporte du soleil“, dit Williams. Ces différences sont contrebalancées par le respect mutuel, l’intégrité et l’esprit de collaboration qui se reflètent dans leur approche de la conception. Nous nous disputons”, dit Williams en souriant, “mais nous aimons travailler ensemble. Si nous travaillions seuls, la qualité de notre travail serait réduite de moitié”.

La Fondation Barnes (2012) est un exemple de la philosophie et de l’approche qui caractérisent leur pratique du design. Depuis 1925, la collection d’art du Dr Albert Barnes, contenant des œuvres importantes d’impressionnistes célèbres tels que Renoir, Cézanne et Matisse, était conservée dans sa propriété située dans la banlieue de Philadelphie. La Fondation, limitée par des contraintes financières, soucieuse de la préservation des œuvres et isolée dans une banlieue aisée, avait besoin d’un lieu plus spacieux et plus moderne qui permettrait d’accueillir un plus grand nombre de visiteurs. Cependant, Barnes avait exprimé dans son testament le souhait que la collection soit exposée à son emplacement d’origine - une demande qui représentait un défi extraordinaire pour les architectes.

Williams et Tsien ont magistralement fusionné les éléments intégraux du bâtiment d’origine avec l’espace nécessaire pour le public, le personnel et la programmation. Leur conception est basée sur le concept “Galerie dans un jardin, jardin dans une galerie” et reflète la mission de la Fondation, son passé architectural et son héritage pour l’avenir.

En entrant dans la Fondation Barnes depuis la rue, on traverse un jardin bucolique qui fait écho au paysage préexistant. Les galeries ont été méticuleusement reproduites pour refléter l’état dans lequel le Dr Barnes les a laissées. L’inclusion d’un atrium central inondé de lumière naturelle crée un espace flexible pour les expositions et les événements. Une galerie pour les expositions temporaires, un auditorium et une bibliothèque diversifient encore l’offre de la Fondation, qui devient ainsi un établissement holistique dédié à l’éducation artistique pour le 21e siècle.

Les œuvres de Williams et Tsien sont principalement situées aux États-Unis. Il s’agit notamment du Neurosciences Institute (1995) en Californie, de l’American Folk Art Museum (2001) et du LeFrak Center at Lakeside (2013) à New York, des bâtiments qui ont reçu d’importantes récompenses.

En 2012, Tod Williams Billie Tsien Architects a réalisé son premier projet à l’étranger, l’Asia Society Hong Kong Center, suivi en 2014 par le Tata Consultancy Services Banyan Park à Mumbai, en Inde.

En 2016, l’ancien président Barack Obama et Michelle Obama ont annoncé que Williams et Tsien auraient l’honneur de concevoir leCentre présidentiel Obama à Chicago.

Quelle que soit la complexité ou la taille d’un projet, leurs valeurs restent intactes et leur objectif de laisser des traces positives sur Terre en dépassant les attentes est plus solide que jamais.

Tod Williams et Billie Tsien. Ph. Crédit © The Japan Art Association / The Sankei Shimbun
Tod Williams et Billie Tsien. Ph. Crédit © The Japan Art Association / The Sankei Shimbun

Anne-Sophie Mutter (Rheinfelden, 1963). Lauréate du Prix de la musique.
Motivation : Anne-Sophie Mutter est tenue en haute estime parce qu’elle possède toutes les qualités requises d’un musicien : des tons et des couleurs musicales beaux et variés, une technique parfaite, d’excellentes expressions et une riche musicalité. Elle est également célèbre pour sa connaissance approfondie de la musique contemporaine. En tant que “Reine du violon”, ses activités récentes ont vu son succès grandir encore. Elle a reçu quatre fois un Grammy et s’est vu décerner cette année le prestigieux Polar Music Prize. Elle est également très appréciée pour son engagement en faveur des jeunes musiciens du monde entier et pour son soutien à diverses activités caritatives.

La musicienne allemande Anne-Sophie Mutter est considérée comme l’une des plus grandes violonistes contemporaines. Ses compétences musicales et sa technique de vibrato raffinée et unique sont incontestables, tout comme ses excellentes capacités d’expression, ses connaissances musicales et son amour de la musique dans un large éventail de domaines.

Dès son plus jeune âge, il était évident que son talent était précoce, et à seulement treize ans, elle a été invitée par le célèbre chef d’orchestre Herbert von Karajan à jouer avec l’Orchestre philharmonique de Berlin, un orchestre avec lequel elle continue de collaborer à ce jour. “Il m’a dit que j’étais en fait la seule violoniste soliste”, se souvient-elle, “avec laquelle il avait travaillé à partir de 1978. J’étais très honorée, j’ai trouvé que c’était un merveilleux compliment”.

Anne-Sophie Mutter a fait ses débuts au Japon avec le Maestro von Karajan en 1981 et a ensuite travaillé avec les plus grands chefs d’orchestre du monde, tels que Seiji Ozawa, Zubin Mehta et Daniel Barenboim. Elle s’enorgueillit d’un répertoire vaste et varié qui comprend souvent des œuvres écrites pour elle par des compositeurs contemporains de premier plan, tels que Krzysztof Penderecki et Sofia Gubaidulina. Cette année, elle partira en tournée et interprétera des musiques de films arrangées spécialement pour elle par le compositeur John Williams.

"C’est la noble tâche des musiciens d’éduquer le public, de l’emmener dans un univers différent, dit-elle, car nous devons élargir notre compréhension de la musique, à la fois pour ceux qui la jouent et pour ceux qui l’écoutent. À l’âge de 34 ans, elle a créé une fondation pour découvrir et soutenir de nouveaux talents. Cette fondation est devenue la Fondation Anne-Sophie Mutter, qui propose des cours de musique et des bourses d’études, ainsi que l’occasion unique de jouer avec Mme Mutter elle-même. L’objectif de la fondation est également d’aider ces jeunes musiciens à se familiariser avec la vie d’un musicien professionnel et de les présenter à un public plus large. Au printemps 2011, elle a également lancé le projet Mutter’s Virtuosi : cet ensemble, placé sous sa direction artistique, se compose de jeunes musiciens qui bénéficient ou ont bénéficié d’une bourse de la Fondation Anne-Sophie Mutter, ainsi que d’autres jeunes musiciens sélectionnés. Anne-Sophie Mutter veille ainsi à ce que ce qu’elle a elle-même reçu de grands mentors continue d’être transmis à la génération suivante. "Karajan m’a fait prendre conscience, se souvient-elle, de l’importance de transmettre aux générations futures ce que nous avons reçu de nos grands maîtres.

Lors de leurs tournées en Europe, en Amérique du Nord et en Asie, les Mutter’s Virtuosi présentent toujours de nouvelles œuvres au public ; des concerts de bienfaisance sont également prévus au programme de chaque tournée. Leur prochaine tournée, cet automne, les conduira en Amérique du Sud. Anne-Sophie Mutter a donné des concerts au profit des victimes du grand tremblement de terre et du raz-de-marée de 2011 dans l’est du Japon et des réfugiés syriens.

Lauréate de nombreux prix, elle a reçu en 2017 le titre de Commandeur de l’Ordre des Arts et des Lettres par le gouvernement français et en 2019 le prestigieux Polar Music Prize.

Anne-Sophie Mutter. Ph. Crédit © The Japan Art Association / The Sankei Shimbun
Anne-Sophie Mutter. Ph. Crédit © The Japan Art Association / The Sankei Shimbun

Bandō Tamasaburō (Tokyo, 1950). Lauréat du prix Théâtre/Cinéma.
Motivation : Bandō Tamasaburō, le plus important onnagata (acteur jouant des rôles féminins) du théâtre kabuki contemporain, est célèbre pour sa grande beauté, sa capacité à exprimer l’esprit du personnage qu’il interprète et ses performances raffinées. Il est également célèbre dans le domaine de la danse, où il donne vie à des univers d’une élégance exceptionnelle. Bandō a inspiré des artistes d’outre-mer et peut se targuer de nombreuses collaborations internationales. C’est aussi un artiste aux multiples talents, qui travaille non seulement comme acteur, mais aussi comme metteur en scène de théâtre et de cinéma. Bandō Tamasaburō est véritablement un acteur, un créateur et un artiste au talent exceptionnel et hors du commun, qui jouit du plus grand prestige tant au Japon qu’à l’étranger.

Dans le monde du théâtre traditionnel japonais kabuki, Bandō Tamasaburō est déjà une légende et est considéré comme l’un des plus grands acteurs omnagata. Comme dans le théâtre traditionnel d’autres pays, le kabuki est entièrement joué par des hommes et certains acteurs se spécialisent dans les rôles féminins : les onnagata. Bandō est célèbre et très admiré pour son incroyable capacité à représenter la beauté féminine et à exprimer l’esprit du personnage qu’il incarne.

En 1957, conformément à la tradition du kabuki, il fait ses débuts sur scène sous le nom de Bandō Kinoji, mais en 1964, il devient Bandō Tamasaburō V, recevant ce prestigieux nom de scène de son père adoptif Morita Kan’ya XIV, qui était Bandō Tamasaburō IV.

À l’âge de 19 ans, Bandō obtient le rôle de la princesse Shiranui dans l’adaptation par Yukio Mishima de l’épopée héroïque Chinsetsu Yumiharizuki.

Au fil des ans, Bandō a joué tous les grands rôles d’onnagata qui incarnent l’émerveillement et le charme du kabuki: des personnages tels que la fidèle nounou Masaoka dans Meiboku Sendai Hagi (Précieux encens et fleurs d’automne de Sendai), la gracieuse courtisane Akoya dans Dan no Ura Kabuto Gunki(pendant longtemps, Bandō a été le seul acteur à pouvoir jouer ce rôle) etYatsuhashi, une femme fatale dans Kagotsurube Sato no Eizame (L’épée ensorcelée). Il est également célèbre pour ses spectacles de danse, qui font partie intégrante d’un onnagata du théâtre kabuki, et est réputé pour sa capacité à créer des mondes d’une beauté particulière grâce à la danse dans des œuvres telles que Kyoganoko Musume Dojoji (La jeune fille du temple Dojoji) et Sagi Musume (La jeune fille au héron).

Au Japon, la popularité de Bandō Tamasaburō et de ses partenaires sur scène a transcendé le monde du kabuki. Dans les années 1970, en particulier, Bandō a initié deux partenariats artistiques célèbres et durables : l’un avec Ichikawa Danjuro XII, connu à l’époque sous le nom d’Ichikawa Ebizo, l’autre avec Kataoka Nizaemon, connu à l’époque sous le nom de Kataoka Takao. La popularité de ces couples d’artistes est telle qu’ils sont connus dans tout le Japon sous le nom d’Ebi-Tama et de Taka-Tama. Leurs performances vibrantes et raffinées les ont rendus très populaires auprès du public, qu’il soit amateur de théâtre kabuki ou non.

La créativité de Bandō ne s’est pas arrêtée au kabuki . Dès son enfance, il a interprété des héroïnes importantes du théâtre non kabuki, en jouant le rôle de Desdemona dansOthello de Shakespeare et celui de Tomihime dans le classique de l’horreur japonaise Tenshu Monogatari d’Izumi Kyoka.

Révélant un esprit créatif et constamment orienté vers la recherche, elle a étendu le champ de ses activités à des œuvres internationales et non kabuki, jouant dans le Kumiodori d’Okinawa et dans l’opéra chinois Kunqu dans le rôle d’Onnagata . S’intéressant à la danse en dehors du contexte du kabuki, elle a collaboré avec le célèbre violoncelliste Yo-Yo Ma, associant la danse à la musique de la Suite n° 5 pour violoncelle seul de Jean-Sébastien Bach. En 1994, il a travaillé avec le célèbre chorégraphe et danseur Maurice Béjart pour la première du Roi Lear - Mort de Cordélia. Dans le domaine de la danse, il a également collaboré avec Mikhail Baryshnikov et Jorge Donn.

Le célèbre réalisateur polonais Andrzej Wajda a été tellement séduit par les performances de Bandō qu’il l’a choisi pour les rôles principaux masculin et féminin dans les versions théâtrale et cinématographique de sa Nastasja de Dostoïevski. Il a également été directeur artistique du groupe de percussionnistes Kodo, mondialement connu, et a produit Amaterasu et Yugen, des spectacles dans lesquels sa danse était combinée à des percussions japonaises traditionnelles.

Récompensé en 2012 par le gouvernement japonais du titre de Trésor national vivant, accordé aux personnes détenant un patrimoine culturel immatériel important, Bandō est considéré comme un maître de son art, un ambassadeur de la culture japonaise et une énorme force créatrice.

Bandō Tamasaburō in Yugen, qui sort l'édition spéciale cinéma kabuki à partir du 27 septembre 2019 dans les cinémas du Japon. Takashi Okamoto
Bandō Tamasaburō in Yugen, sort à partir du 27 septembre 2019 dans les cinémas du Japon l’édition spéciale cinéma kabuki. © Takashi Okamoto

Démos (Philharmonique de Paris, France). Les lauréats de la bourse Praemium Imperiale 2019 pour les jeunes artistes.

Démos est un programme d’éducation musicale mené par la Philharmonie de Paris. Depuis sa création en 2010, il rapproche de la musique les enfants âgés de sept à douze ans qui vivent dans des zones défavorisées ou rurales - des zones où la musique classique n’est traditionnellement pas encouragée.

L’organisation ne se contente pas de prêter des instruments de musique aux enfants, elle leur donne également des cours jusqu’à quatre heures par semaine pendant trois ans, le tout gratuitement. Deux musiciens professionnels et un travailleur social travaillent ensemble pour enseigner à des groupes de quinze enfants. Leur objectif n’est pas seulement d’apporter des compétences musicales, mais aussi de s’occuper d’eux sur le plan émotionnel et de favoriser leur développement personnel. À la fin de cette période, tous les instruments sont donnés aux enfants qui souhaitent continuer à étudier la musique.

Une fois par mois, sept groupes se réunissent pour former un orchestre de 105 musiciens. Chaque année, ces orchestres donnent des concerts dans les salles de concert locales. Ils donnent également un concert annuel à la fin du mois de juin à la Philharmonie de Paris.

En initiant ce projet, le directeur général de la Philharmonie de Paris, Laurent Bayle, a voulu promouvoir Démos dans la communauté des enfants “en marge”, moins favorisés que les autres. C’est pourquoi le programme Démos a vocation à couvrir progressivement l’ensemble du territoire.

Actuellement, près de 4000 enfants participent au programme Démos dans tout le pays ; il existe 38 orchestres Démos. L’objectif de Démos est de porter le nombre d’orchestres à 60 d’ici 2022.

Le programme Démos s’appuie sur la pédagogie développée depuis 1995 par les équipes pédagogiques de la Cité de la musique et enrichie par d’autres expériences menées à travers le monde, comme “Take A Bow” du London Symphony Orchestra ou El Sistema au Venezuela.

“Nous avons créé Démos, explique Laurent Bayle, parce qu’il est important pour nous d’établir une relation avec les enfants vivant dans les quartiers défavorisés. Le projet El Sistema nous a montré que l’enseignement de la musique peut apporter toutes sortes d’améliorations dans l’éducation. Nous pensons qu’il est très important que la musique soit transmise des enseignants aux enfants”.

La popularité de Démos s’est accrue grâce à son parrain, Lilian Thuram, le célèbre footballeur dont la personnalité est en parfaite harmonie avec son esprit. Thuram détient le record de sélections en équipe de France de football et a été champion du monde en 1998. Démos a d’ailleurs inspiré le film La Mélodie, réalisé par Rachid Hami en 2017, qui a rencontré un grand succès.

Après avoir suivi le programme Démos pendant trois ans, 50 % des diplômés continuent à étudier la musique ou à être en contact avec la musique classique d’une manière ou d’une autre. Le coût annuel de fonctionnement du programme est d’environ 8 millions d’euros. Un tiers du budget est fourni par le gouvernement français, un tiers provient du secteur privé et un tiers des administrations locales.

Enfants pendant les répétitions à l'Opéra de Massy en banlieue parisienne, 2019 © The Japan Art Association / The Sankei Shimbun
Enfants pendant les répétitions à l’Opéra de Massy en banlieue parisienne, 2019 © The Japan Art Association / The Sankei Shimbun

Sur la photo ci-dessous : WIlliam Kentridge, Mona Hatoum, Tod Williams et Billie Tsien, Anne-Sophie Mutter, Bandō Tamasaburō. Ph. Crédits © The Japan Art Association / The Sankei Shimbun

De Kentridge à Anne-Sophie Mutter, tour d'horizon des lauréats du Praemium Imperiale 2019, le
De Kentridge à Anne-Sophie Mutter, tour d'horizon des lauréats du Praemium Imperiale 2019, le "Nobel" de l'art.


Avertissement : la traduction en anglais de l'article italien original a été réalisée à l'aide d'outils automatiques. Nous nous engageons à réviser tous les articles, mais nous ne garantissons pas l'absence totale d'inexactitudes dans la traduction dues au programme. Vous pouvez trouver l'original en cliquant sur le bouton ITA. Si vous trouvez une erreur,veuillez nous contacter.