Les tourments de l'Égypte d'aujourd'hui dans l'art de Moataz Nasr

Peintre, sculpteur, artiste multimédia, photographe. L’autodidacte égyptien Moataz Nasr (Alexandrie, 1961) est venu à l’art sur le tard, puisque ses premières activités remontent à 1995 : jusqu’alors, Nasr travaillait dans le domaine de l’économie (il est diplômé dans cette discipline de l’université d’Alexandrie), et cette année-là, il décide de s’essayer à un concours d’art organisé par le ministère de la culture de son pays, où il remporte la troisième place. Sur le plan international, c’est toutefois une grande galerie italienne, la Galleria Continua de San Gimignano, qui le lance au début des années 2000 : les premières grandes expositions (ses œuvres ont été présentées dans des expositions collectives au Centre Pompidou, à la Hayward Gallery, au Mori Art Museum de Tokyo, au Sharjah Museum et au Parc archéologique de Pompéi) et les grands événements se succèdent, notamment l’apothéose de 2017, lorsque Nasr a représenté son pays à la Biennale de Venise.

Dans son travail, Nasr, qui ne perd pas de vue ses racines égyptiennes, réunit différents langages pour explorer les contradictions de la mondialisation, les liens entre le passé et le présent de son pays et au-delà, ceux entre l’Orient et l’Occident (et en particulier entre le monde arabe, dont il est originaire, et l’Europe, qui a tant donné à sa carrière), la manière dont les choix politiques et économiques influent sur les gens, mais il y a aussi de la place pour les états d’âme. Mais il y a aussi de la place pour les états d’âme. A commencer par le sentiment d’impuissance face aux grands changements que connaît le monde aujourd’hui. Nasr devient ainsi un observateur presque désenchanté, mais toujours élégant, de ce qui se passe dans le monde d’aujourd’hui. En partant de l’Afrique et en parcourant le monde. À la base de cette œuvre, il y a les mouvements mêmes de l’être humain: “Depuis la nuit des temps, dit l’artiste, l’idée de l’immigration dans ce monde est une recherche constante de la vie. Les êtres humains sont en perpétuel mouvement. Du nord au sud, du sud au nord, le but de ce mouvement circulaire sans fin et sans repos est toujours le même : la subsistance, la survie, la recherche d’une vie meilleure”.

Dès 2005, alors que Nasr avait déjà avait déjà vécu quelques expériences importantes (il avait, par exemple, exposé à la Biennale de São Paulo), la conservatrice égyptienne Liliane Karnouk, dans un livre sur l’histoire de l’art égyptien des XXe et XXIe siècles, le décrivait comme “un artiste novateur et polyvalent, un autodidacte qui n’admet qu’une seule exception, celle d’avoir appris de manière informelle de ses conversations avec Mona Hatoum”, et comme “un artiste qui travaille avec une grande sensibilité avec une grande sensibilité pour la matière, avec une clarté de vision qui lui permet d’exprimer des idées originales avec des moyens simples”. Dans l’une de ses premières œuvres, Echo, datant de 2003 (peut-être la première œuvre à avoir eu une grande résonance internationale), une projection vidéo de 4 minutes et 27 secondes, Nasr présente un enregistrement des années 1960 et un autre contemporain pour démontrer, à travers des déclarations d’où émerge la frustration des Égyptiens face aux problèmes socio-économiques du pays, que la situation politique et sociale de l’Égypte n’a pas changé depuis des décennies.

Dans la même veine, une série de l’année suivante, Man Made, aborde le thème de l’incapacité de l’être humain à entrer en relation avec le pouvoir de manière libre et saine (dans les photographies, les images d’un cheval portant des œillères et d’un homme harnaché de la même manière que l’animal sont mises en opposition). Cinq ans plus tard, en 2011, les mêmes thèmes sont déclinés différemment à travers une autre œuvre phare de Nasr, The Maze (The People Want the Fall of the Regime) : une installation conçue avec des bandes d’herbe qui composent le slogan qui donne son titre à l’œuvre (“ The People Want the Fall of the Regime ” : ce sont les jours convulsifs du Printemps arabe) en écriture coufique, l’écriture qui était utilisée dans une partie du monde arabe pour décorer les palais du pouvoir. Dès lors, dans une opération de détournement, l’un des outils des puissants devient un moyen pour l’artiste d’exprimer la volonté du pouvoir. Un sentiment d’éloignement d’autant plus fort que ce cri de protestation apparaît comme un jardin raffiné et entretenu.

Moataz Nasr, Echo (2003 ; 4 min. 27 sec. vidéo)

Moataz Nar, Man Made (Hamada) (2006 ; c-print sur Dibond, 100 x 150 cm). Ph. Crédit Ela Bialkowska. Avec l’autorisation de l’artiste et de la galerie Galleria Continua.

Moataz Nasr, Le labyrinthe (Le peuple veut la chute du régime) (2011 ; vue d’installation au Jardin des Tuileries, Paris). Ph. Crédit Oak Taylor-Smith. Avec l’autorisation de l’artiste et de la galerie Galleria Continua.

Moataz Nasr, The Tower of Love (2011 ; 7 tours, dont 2 tours en céramique mesurant 175 x 49 x 49 cm et 172 x 38 x 38 cm, 1 tour en fer mesurant 192 x 28 x 28 cm, 1 tour en bronze mesurant 190 x 35 x 35 cm, 2 tours en cristal mesurant 173 x 33 x 33 cm et 212 x 41 x 41 cm et 1 tour en bois mesurant 155 x 89 x 69 cm). Ph. Crédit Ela Bialkowska. Avec l’autorisation de l’artiste et de la galerie Galleria Continua.

De 2011 date également une autre de ses œuvres les plus célèbres, La Tour de l’Amour, où une série de tours combinant des architectures typiques de différentes civilisations et surtout de différentes religions (chrétienne, islamique, juive, bouddhiste, hindoue) sont réunies sous un seul drapeau, celui de l’amour, dont le nom est placé au sommet de chaque tour. Les éléments artistiques du passé et de la tradition, et en particulier de la tradition islamique, sont souvent présents dans l’art de Nasr (comme on le voit dans The Maze et Towers of Love), et sont néanmoins utilisés pour aborder des questions d’une actualité urgente : C’est dans ce sens que naissent des œuvres comme Khayameya (2012) ou Infinity (2011), par exemple, des tissus qui présentent des motifs typiques de l’art textile égyptien, mais dessinés avec des allumettes, signifiant quela situation politique immobile du pays peut s’enflammer à tout moment, ou comme Propaganda (2008), des tissus qui représentent des moments de conflit enflammé dans la guerre d’Irak.

Pour sa participation à la Biennale de Venise 2017, au pavillon égyptien, Nasr a apporté sur la lagune son œuvre The Mountain, un film de 12 minutes tourné dans un village égyptien : il raconte l’histoire de Zein, une jeune fille qui quitte le village, situé au pied d’une montagne (d’où le nom de l’œuvre), émigre, étudie et obtient une éducation, puis revient pour défier les autorités locales. Une œuvre qui aborde donc plusieurs thèmes, dont le conflit des générations (qui, en Égypte, signifie aussi le conflit entre le désir de renouveau et le pouvoir en place), l’émancipation, le désir de liberté, le courage qui détruit la peur, et en particulier la peur du changement (Moataz Nasr a souvent déclaré que La Montagne est une œuvre centrée précisément sur le sentiment de la peur : “La montagne, dit-il, c’est la peur, la peur au sens large, la peur de tout, la peur de l’inconnu, la peur de l’autorité, la peur de parler à quelqu’un que l’on ne connaît pas : toutes les sortes de peurs qui se développent dans nos vies. J’ai décidé que cette fois-ci, nous allions affronter la montagne et la conquérir”).

Le projet le plus récent de Moataz Nasr est l’exposition personnelle Paradise Lost (citation directe du poème de John Milton), organisée par Simon Njami dans les espaces de la Galleria Continua, une sorte de petite anthologie dans laquelle Nasr a exposé des œuvres qui ont déjà été présentées, en commençant par The Mountain, une œuvre qui a déjà été exposée. Nasr a présenté, à partir de La Montagne, de nouvelles œuvres qui offrent d’autres regards sur le monde d’aujourd’hui, en particulier sur la condition de la femme, thème sur lequel est centrée l’une des séries les plus fortes de l’artiste égyptien, Le Marché aux esclaves (du type de celles que les artistes orientalistes de la fin du XIXe siècle et du début du XXe siècle ont également représentées dans leurs œuvres) : Nasr lui-même s’est inspiré des peintures de Jean-Léon Gérôme), mais jetée à la face de l’observateur avec des personnages contemporains, ou comme le moment de conflit que nous vivons, incarné par la figure d’Apophis, le personnage de la mythologie égyptienne qui symbolise le mal, ou encore comme le besoin de trouver un lieu sûr qui trouve sa place dans la vie de tous les jours. de trouver un lieu sûr qui trouve son expression dans la cabane de The Shelter, qui donne une impression de fragilité, démontrant que la sécurité n’est pas une valeur solide.

Une sorte de résumé et de synthèse de l’univers de Nasr, comme l’explique Njami. “La description apocalyptique du monde de Milton après son expulsion du jardin d’Eden, écrit le conservateur, est suggestive. Elle l’est parce qu’elle représente une métaphore assez fidèle de notre monde, avant ou sans intervention divine. Et ce monde, nous ne le devons qu’à nous-mêmes, à nos actes. À ce que nous avons fait et à ce que nous n’avons pas fait. L’exposition de Moataz Nasr pourrait être considérée comme un espace situé à la croisée des chemins entre l’espoir (le Paradis) et la désillusion (l’Enfer). Ses éléments créent une étrange résonance avec un scénario fictif. C’est une scène, un scénario dans lequel la structure de l’ancien cinéma qu’est la galerie donne une présence hallucinatoire ou hallucinée. Qu’y avait-il dans ce jardin dont on nous a tant parlé ? Une montagne, une rivière, des arbres, des fruits, des animaux, un serpent et l’humanité, représentée par l’homme et la femme. Nous retrouvons la montagne, la femme, le serpent. Le mât de la salle de cinéma pourrait faire office d’arbre ; la structure qui occupe l’entrée, de prisme, de passage secret vers un monde inconnu des êtres humains”. Un projet qui, selon Njami, représente “un voyage initiatique”, “une immersion troublante dans un espace qui mêle mythe et réalité”. Les éléments les plus récurrents de l’art de Nasr.

Moataz Nasr, Khayameya (2012 ; allumettes sur bois, plexiglas, 200 x 200 x 10 cm). Ph. Crédit Oak Taylor-Smith. Avec l’autorisation de l’artiste et de la galerie Galleria Continua.

Moataz Nasr, Infinity (2011 ; 15 500 allumettes sur bois, plexiglas, 160 x 160 x 7 cm). Ph. Crédit Ela Bialkowska. Avec l’autorisation de l’artiste et de la galerie Galleria Continua.

Moataz Nasr, Propaganda (Ne prenez pas une position d’attaque ou vous serez détruit) et Propaganda (Prenez une position d’attaque et c’est ainsi que vous serez détruit !!) (2008 ; diptyque en tissu, 125 x 208 chacun). Ph. Crédit Oak Taylor-Smith. Avec l’autorisation de l’artiste et de la galerie Galleria Continua.

Moataz Nasr, La montagne (2017 ; installation vidéo, 12 minutes). Ph. Crédit Ela Bialkowska. Avec l’aimable autorisation de l’artiste et de la galerie Galleria Continua.

Moataz Nasr, La montagne (2017 ; installation vidéo, 12 minutes). Ph. Crédit Ela Bialkowska. Avec l’aimable autorisation de l’artiste et de la galerie Galleria Continua.

Moataz Nasr, Om El Saad (Le marché aux esclaves) (2019 ; c-print sur Dibond, 150 x 210 cm). Ph. Crédit Ela Bialkowska. Avec l’autorisation de l’artiste et de la galerie Galleria Continua.

Moataz Nasr, Rose (Le marché aux esclaves ) (2016 ; c-print sur Dibond, 185 x 146,5 cm). Ph. Crédit Ela Bialkowska. Avec l’autorisation de l’artiste et de la galerie Galleria Continua.

Moataz Nasr, Shelter (2019 ; bois). Ph. Crédit Ela Bialkowska. Avec l’aimable autorisation de l’artiste et de la galerie Galleria Continua.

Moataz Nasr, Apophis (2019 ; bois). Ph. Crédit Ela Bialkowska. Avec l’aimable autorisation de l’artiste et de la galerie Galleria Continua.

Les tourments de l'Égypte d'aujourd'hui dans l'art de Moataz Nasr

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