De Monet à Chagall, de Van Gogh à Kandinsky: comment les gens collectionnaient aux États-Unis au début du XXe siècle. L'exposition à Milan

L’approche adoptée par les commissaires américains Jennifer Thompson et Matthew Affron pour organiser l’exposition Impressionnisme et avant-garde. Masterpieces from the Philadelphia Museum of Art installée au Palazzo Reale de Milan et qui sera ouverte au public jusqu’au 2 septembre 2018 semble, dès le début de l’exposition, se démarquer de la seule et unique intention de présenter des artistes appartenant à différents mouvements artistiques. Au contraire, le visiteur qui se promène dans les salles d’exposition comprendra pas à pas comment le célèbre Philadelphia Museum of Art est né et s’est progressivement enrichi des grandes œuvres d’art qu’il abrite encore aujourd’hui. Le public admirera sans doute les chefs-d’œuvre de Monet, Manet, Degas, Renoir, Cézanne, Gauguin, Pissarro, Mary Cassatt, Berthe Morisot, Matisse, Klee, Kandinsky, Van Gogh, Picasso, Brâncuși, Dalí, Miró, mais avec une vision d’ensemble plus définie et contextualisée de l’œuvre de ces artistes: on terminera en effet la visite avec la certitude d’avoir appris la véritable histoire de l’un des musées les plus importants des États-Unis.

L’histoire du Philadelphia Museum of Art commence dans la seconde moitié du XIXe siècle, précisément en 1877, année de son ouverture au public. Au cours de ce siècle, la ville de Philadelphie était la plus grande ville d’Amérique du Nord, florissante grâce au commerce, aux transports et à la culture qui s’y développait de plus en plus. C’est là que fut organisée en 1876 la première exposition universelle officielle des États-Unis, qui connut un succès incroyable: plus de dix millions de personnes la visitèrent, et c’est cette première exposition qui donna une grande impulsion à l’afflux d’Américains fortunés en Europe, à la recherche d’œuvres d’art à voir, à connaître et à acheter. Le mouvement impressionniste a suscité un intérêt considérable chez les habitants de Philadelphie eux-mêmes, comme en témoigne la collection d’œuvres impressionnistes conservée au musée américain: celle-ci a été constituée à partir de collections entières appartenant aux riches collectionneurs de la ville, avec lesquelles ils embellissaient leurs merveilleuses demeures ; leurs collections ont ensuite été données au musée d’art de Philadelphie.

Le premier à favoriser la connaissance et la diffusion des œuvres impressionnistes françaises dans le milieu américain est Alexander Cassatt (Pittsburgh, 1839 - Philadelphie, 1906), ingénieur des chemins de fer pour la Pennsylvania Railroad, compagnie qui gère le transport ferroviaire entre Philadelphie, New York et Washington, et frère de la célèbre Mary (Pittsburgh, 1844 - Château de Beaufresne, 1926). Alexander s’intéresse au mouvement impressionniste français lors d’un séjour à Paris en compagnie de sa sœur: cette dernière avait déjà intégré le milieu impressionniste, participant aux expositions de groupe de ces artistes, exposant aux Salons et fascinant Edgar Degas (Paris, 1834 -1917) par son art. Il réussit également à collaborer avec le marchand d’art Paul Durand Ruel (Paris, 1831 - 1922) pour exposer un nombre considérable de tableaux impressionnistes entre Philadelphie et New York. Infecté par l’enthousiasme de sa sœur, Alexander commence sa propre collection d’œuvresimpressionnistes en 1882, tout en incitant ses concitoyens et amis à acheter des toiles similaires. Des œuvres qui, au fil du temps, se sont retrouvées dans les collections permanentes du Philadelphia Museum of Art.

Mary Cassatt a initié l’achat de toiles impressionnistes pour son frère Alexander avec un tableau de Degas: La classe dansante, que l’artiste a peint vers 1880. Fidèle à son thème de prédilection, Degas a représenté sur la toile l’univers de la danse, en particulier des danseuses qui s’exercent dans le studio pendant les heures de cours: certaines, gracieuses sur la pointe des pieds dans leur tutu, exécutent un pas de danse sous le regard attentif du professeur, d’autres se préparent à leur tour. La figure féminine en robe bleue et chapeau, assise sur une chaise et lisant un journal, a été modifiée plus tard par l’artiste lui-même: d’après ce qui a été découvert aux rayons X, il s’agissait d’une ballerine ajustant un chausson.

La collection impressionniste d’Alexander comprenait évidemment des œuvres de sa sœur, comme le tableau raffiné et précis représentant une Femme au collier de perles dans une boîte (1879). Une toile qui fascine par son souci du détail et des nuances dans la robe, les accessoires, la coiffure et le visage, ce dernier étant éclairé par une lumière artificielle qui crée un jeu naturel d’ombres et de lumières. On notera le raffinement du collier de perles qui orne le cou de la femme et de l’éventail qu’elle tient si élégamment dans sa main droite. Derrière la femme, on perçoit la présence d’un miroir sur lequel se reflètent, outre sa figure de dos, d’autres spectateurs debout dans les loges devant elle. Un autre artiste de la collection Cassatt est Claude Monet (Paris, 1840 - Giverny, 1926), que l’on voit ici avec un tableau datant d’environ 1874 et représentant la Zuiderkerk à Amsterdam, ou l’église dite du Sud, la première église protestante érigée dans la ville, vue depuis le Groenburgwal, un canal d’Amsterdam. L’une des caractéristiques récurrentes de la peinture de Monet se retrouve dans ce tableau: la réflexion de la lumière du soleil sur l’eau. Cette dernière est rendue par des coups de pinceau rapides et courts dans différentes nuances de bleu, créant un effet de mouvement dans le canal.

Edgar Degas, La classe dansante (vers 1880 ; huile sur toile, 82,2 x 76,8 cm ; Philadelphie, Philadelphia Museum of Art)

Mary Cassatt, Femme avec un collier de perles dans une boîte (1879 ; huile sur toile, 81,3 x 59,7 cm ; Philadelphie, Philadelphia Museum of Art)

Claude Monet, La Zuiderkerk à Amsterdam (vers 1874 ; huile sur toile, 54,4 x 65,4 cm ; Philadelphie, Philadelphia Museum of Art)

Les trois sections suivantes de l’exposition de Milan sont consacrées à trois thèmes différents: elle commence par examiner un aspect fondamental de l’impressionnisme, à savoir comment les artistes appartenant à ce mouvement artistique ont révolutionné la manière de peindre en abandonnant leurs ateliers et studios intérieurs au cours de leur veine créatrice pour peindre en plein air, en plein air, au contact de la nature ou dans le paysage urbain. Le visiteur a ainsi la sensation d’emprunter l’Allée abritée d’Argenteuil, en banlieue parisienne, peinte par Monet en 1873, derrière l’homme marchant parmi les arbres qui s’illuminent de différentes teintes de vert sous l’effet de la lumière du soleil. Le tableau a été acheté par Elizabeth Donner Norment, la fille d’un magnat de l’acier de Philadelphie, et a ensuite été donné au Philadelphia Museum of Art. Ou bien devant le pont japonais (1895) dans le jardin de Giverny de Monet, dans le tableau acheté par Otto >Haas, le propriétaire d’une entreprise de produits chimiques à Philadelphie. Ou encore sur les rives du Loing, un affluent de la Seine, représenté dans le tableau d’Alfred Sisley (Paris, 1839 - Moret-sur-Loing, 1899) de 1885, ainsi que dans le Paysage d’hiver à Giverny de Paul Cézanne (Aix-en-Provence, 1839 - 1906) de 1894, à l’occasion d’une invitation de Monet au peintre. La Foire par un après-midi ensoleillé à Dieppe (1901), un tableau de Camille Pissarro (Charlotte Amalie, 1830 - Paris, 1903) avec les bruits, les mouvements et les couleurs de la foire annuelle d’été, s’inscrit dans des paysages urbains: Pissarro a représenté la place depuis une chambre de l’Hôteldu Commerce de Dieppe, car une infection chronique des yeux l’empêchait de peindre en plein air. Le tableau a été vendu par l’artiste à la galerie Durand-Ruel , puis acheté par des collectionneurs qui l’ont exposé dans leur maison de Philadelphie. Un autre exemple est le tableau de Pierre-Auguste Renoir (Limoges, 1841 - Cagnes-sur-Mer, 1919), Les Grands Boulevards (1875), où des groupes de personnes, certaines dans des calèches, se promènent sur les grands boulevards parisiens entre des bâtiments en pierre entrecoupés d’arbres.

La section suivante examine la manière dont les impressionnistes ont réalisé des portraits de figures humaines, généralement motivés par l’immédiateté du moment. Elle commence par le Portrait de Madame Cézanne (1885-87): Cézanne a décidé de ne pas s’installer à Paris, préférant l’environnement moins chaotique d’Aix-en-Provence, de sorte que ses portraits incluent très souvent des membres de sa famille, comme dans ce cas où il a représenté Hortense Fiquet, sa femme - elle a figuré dans plus de quarante-quatre peintures et dessins - probablement en plein air, puisque quelques branches d’une plante grimpante peuvent être aperçues en haut de la peinture. Renoir préfère représenter de très jeunes filles, avec une attention particulière aux détails vestimentaires, comme dans la Fille au gorget rouge (vers 1896), où l’œil du spectateur se porte immédiatement et inévitablement sur le gorget lumineux et vaporeux autour de son cou, ou dans la délicate Fille faisant de la dentelle (1906), où l’on aperçoit un tissu travaillé presque chatoyant. Berthe Morisot (Bourges, 1841 - Paris, 1895) a également peint des portraits de très jeunes gens ; le Portrait d’une petite fille (1894) en est un exemple dans l’exposition: elle a abordé le peintre en se présentant comme Marcelle, une petite fille ; l’artiste l’a représentée au moins six fois et, même à la mort de Morisot, un portrait inachevé de Marcelle a été retrouvé sur son chevalet.

Claude Monet, Chemin abrité (1873 ; huile sur toile, 54,1 x 65,7 cm ; Philadelphie, Philadelphia Museum of Art)

Claude Monet, Le pont japonais (1895 ; huile sur toile, 78,7 x 97,8 cm ; Philadelphie, Philadelphia Museum of Art)

Alfred Sisley, Rives du Loing (1885 ; huile sur toile, 55,1 x 73,3 cm ; Philadelphie, Philadelphia Museum of Art)

Paul Cézanne, Paysage d’hiver (v. 1874 ; huile sur toile, 65,1 x 81 cm ; Philadelphie, Philadelphia Museum of Art)

Camille Pissarro, Foire par un après-midi ensoleillé, Dieppe (1901 ; huile sur toile, 73,5 x 92,1 cm ; Philadelphie, Philadelphia Museum of Art)

Pierre-Auguste Renoir, Les Grands Boulevards (1875 ; huile sur toile, 52,1 x 63,5 cm ; Philadelphie, Philadelphia Museum of Art)

Pierre-Auguste Renoir, Jeune fille à la collerette rouge (vers 1896 ; huile sur toile, 73,5 x 92,1 cm ; Philadelphie, Philadelphia Museum of Art)

Pierre-Auguste Renoir, Jeune fille faisant de la dentelle (1906 ; huile sur toile, 56,5 x 46,7 cm ; Philadelphie, Philadelphia Museum of Art)

Berthe Morisot, Portrait d’une jeune fille (1894 ; huile sur toile, 54,4 x 65,4 cm ; Philadelphie, Philadelphia Museum of Art)

Nous poursuivons avec la section consacrée à Vincent Van Gogh (Zundert, 1853 - Auvers-sur-Oise, 1890) et Paul Gauguin (Paris, 1848 - Hiva Oa, 1903): les deux ont vécu ensemble dans la fameuse maison jaune, un petit atelier dans le sud de la France, mais l’expérience n’a pas duré longtemps, conduisant même à une agression de Van Gogh sur Gauguin. L’exposition de Milan présente deux natures mortes appartenant chacune à l’un des deux artistes: celle de Gauguin, dans des tons sourds, représente plusieurs roses centifolées dans un panier, tandis que celle de Van Gogh, dans des tons plus sombres et plus audacieux, montre un bouquet de marguerites aux couleurs variées dans une chope de bière allemande grise et verte. Cette section comporte également un portrait: il s’agit du Portrait de Camille Roulin (1888), fils du facteur d’Arles, réalisé par Van Gogh. Ce qui attire l’attention, c’est la peinture de l’artiste, basée sur des couleurs complémentaires: le bleu de la casquette et des yeux de l’enfant tranche avec le jaune du visage et du fond, le vert de la veste tranche avec le rouge du bouton et du contour de la veste.

Le Philadelphia Museum of Art s’est également enrichi de la collection White: environ quatre cents œuvres, rassemblées par Samuel Stockton White (1876 - 1952) et son épouse, la peintre Vera McEntire, qui soulignent pleinement la transition entre le post-impressionnisme et l’avant-garde, à commencer par un tableau de Cézanne proche du cubisme et les natures mortes de Georges Braque (Argenteuil, 1882 - Paris, 1963). Parmi les exemples de ces dernières, l’exposition présente le Panier de poissons (vers 1910), dans lequel une paire de poissons placés en diagonale dans des formes à facettes dans des tons bruns ternes est représentée au centre de la toile, alors que seules l’anse et la partie inférieure du panier sont claires ; Dans Nature morte à l’assiette de fruits (1936), on remarque la répétition de signes ornementaux de différentes couleurs qui décorent une série d’éléments typiques d’une nature morte, à savoir une assiette de fruits, un verre à vin, la tête d’un journal, une pipe et des fruits sur une table. Le Quartier du Four à Auvers-sur-Oise (Paysage, Auvers), peint vers 1873, est quant à lui l’œuvre de Cézanne: le paysage du petit village situé au nord-ouest de Paris prend ici des formes presque géométriques, soulignant les contours anguleux des maisons et des arbres environnants par des lignes plus arrondies. Le petit bronze de l’Athlète d’Auguste Rodin (Paris, 1840 - Meudon, 1917) est exposé au centre de la salle: la sculpture a été réalisée d’après Samuel Stockton White lui-même, qui a posé pour l’artiste en 1901 lors d’un séjour à Paris, grâce à son corps de culturiste, comme un"athlète américain" (Rodin était fasciné par le dos large et musclé de l’étudiant de Cambridge, héritier d’une entreprise familiale de produits dentaires, qui est devenu plus tard l’un des grands collectionneurs qui ont contribué à la formation du musée de Philadelphie).

Aux œuvres mentionnées jusqu’à présent s’ajoutent des tableaux d’artistes d’avant-garde qui se sont concentrés sur deux célèbres quartiers de Paris: Montmartre et Montparnasse. Le premier avait surtout accueilli les cubistes, comme Pablo Picasso (Malaga, 1881 - Mougins, 1973), Georges Braque et Juan Gris (Madrid, 1887 - Boulogne-sur-Seine, 1927), le second était le centre de l’École de Paris, qui regroupe des artistes du monde entier, tels que Constantin Brâncuși (Hobitza, 1876 - Paris, 1957) de Roumanie, Chaim Soutine (Smilovi?, 1893 - Paris, 1943) et Marc Chagall (Vitebsk, 1887 - Saint-Paul-de-Vence, 1985) de Russie, tous deux juifs. Dans la ville française se développe également le groupe des fauves, littéralement bêtes féroces, nommé d’après un critique fasciné par les couleurs utilisées par ces artistes et leurutilisation agressive et brutale de la ligne lors du Salon d’Automne de 1905: Le précurseur des Fauves est Henri Matisse (Le Cateau-Cambrésis, 1869 - Nice, 1954) accompagné de Maurice de Vlaminck (Paris, 1876 - Rueil-la-Gadelière, 1958), Raoul Dufy (Le Havre, 1877 - Forcalquier, 1953) et Georges Rouault (Paris, 1871- 1958). Des lignes noires très marquées délimitent le contour du Pierrot à la rose de Rouault(vers 1936): dans ce tableau, l’artiste relie le sujet traditionnellement malheureux à la sphère religieuse, en comparant le clown muet au Christ, premier exemple de victime sacrificielle. Ce lien est souligné par la rose rouge que tient le Pierrot, symbolisant le sang du Christ. Une œuvre lumineuse dans son ensemble, où le blanc de la robe et l’éclat du visage ressortent, mais qui recèle un message religieux, en accord avec le catholicisme affirmé de l’artiste. Une forte luminosité imprègne également le tableau de Dufy intitulé Fenêtre sur la promenade des Anglais à Nice (vers 1938): en réalité, le centre de la fenêtre divise la vue de son atelier sur la Promenade des Anglais en deux parties, car le côté gauche qui fait face à la mer apparaît plus sombre que le côté droit qui fait face à la ville, plus lumineux et plus riche en éléments, tels que la plage, les bâtiments et les passants.

Vincent van Gogh, Portrait de Camille Roulin (1888 ; huile sur toile, 73,5 x 92,1 cm ; Philadelphie, Philadelphia Museum of Art)

Georges Braque, Nature morte avec assiette de fruits (1936 ; huile sur toile, 60,3 x 81,3 cm ; Philadelphie, Philadelphia Museum of Art)

Paul Cézanne, Le Quartier du Four à Auvers-sur-Oise (Paysage, Auvers) (vers 1873 ; huile sur toile, 46,4 x 55,2 cm ; Philadelphie, Philadelphia Museum of Art)

Auguste Rodin, Athlète (1901, fonte en 1925 ; bronze, 42,9 x 31,8 x 28,6 cm ; Philadelphie, Philadelphia Museum of Art)

Georges Rouault, Pierrot à la rose (vers 1936 ; huile sur papier collé sur lin, 92,7 x 61,8 cm ; Philadelphie, Philadelphia Museum of Art)

Raoul Dufy, Fenêtre sur la promenade des Anglais à Nice (vers 1938 ; huile sur toile, 46 x 38,3 cm ; Philadelphie, Philadelphia Museum of Art)

L’avocat Louis Stern (1886-1962), originaire d’Ukraine, mais qui s’est installé très jeune aux États-Unis, a apporté une contribution importante au Philadelphia Museum of Art, tant sur le plan humain que sur le plan artistique. Stern a été administrateur du Philadelphia Museum of Art pendant de nombreuses années et, à sa mort, il a légué quelque 300 œuvres d’art au musée, dont des tableaux de Matisse présentés dans l’exposition. Femme assise dans un fauteuil (1920) et Nature morte sur une table (1925) en sont des exemples. La première appartient à une série d’œuvres dont les protagonistes sont des femmes posant à l’Hôtel de laMéditerranée à Nice, où le peintre a séjourné entre les années 1910 et 1920. La femme est confortablement assise sur un fauteuil jaune et semble être rentrée dans sa chambre d’hôtel: elle est pieds nus, ses chaussures sont posées sur le sol à côté du fauteuil et sa casquette est posée sur le dossier du fauteuil à sa gauche.

La figure féminine au centre est entourée de tapisseries avec des ornements floraux sur le sol et les murs, qui font référence au vase de fleurs placé derrière elle. La deuxième toile comporte moins d’ornements que la précédente, visibles uniquement sur le paravent et la tasse et la soucoupe en céramique. Le tableau fait partie des compositions de natures mortes sur tables recouvertes de nappes multicolores peintes en 1924 et 1925: les couleurs des différents éléments placés sur la table créent une harmonie générale sur la toile ; le jaune des citrons, le rouge pourpre des prunes, le vert du vase, les anémones de différentes couleurs à l’intérieur du vase et le rose de la nappe sont en parfaite harmonie.

Stern, en tant que grand collectionneur, comparait les œuvres de la peinture moderne avec des objets archéologiques provenant de différents continents afin de leur trouver une essentialité expressive commune ; il était fasciné par les œuvres du douanier Henri Rousseau (Laval, 1844 - Paris, 1910), dont le tableau Une soirée de carnaval (1886) est présenté dans l’exposition. Dans ce dernier, une atmosphère mystérieuse plane: un homme et une femme en tenue de carnaval sont représentés avec une incroyable luminosité, se détachant sur le fond sombre et dense d’arbres dénudés ; tous deux sont épiés par un personnage, dont on ne voit que le visage, qui apparaît dans une étrange structure également éclairée par la lueur de la pleine lune.

L’avocat et collectionneur s’est lié d’amitié avec Chagall, peintre juif russe qui s’est installé aux États-Unis pendant la Seconde Guerre mondiale ; les deux hommes communiquaient en russe et en yiddish, grâce à leur origine commune: Stern, comme nous l’avons dit, était originaire d’une petite ville de l’Ukraine actuelle, Balta, située à la frontière avec la Moldavie, foyer historique d’une communauté juive. Parmi les vingt-six tableaux de Chagall que possédait Stern, une peinture célèbre et passionnante est exposée à Milan: il s’agit de Dans la nuit (1943). La toile a été réalisée pendant la Seconde Guerre mondiale, alors que Chagall était en exil à New York, et représente le souvenir de la nuit de noces de l’artiste russe et de sa femme Bella Rosenfeld. Les deux jeunes mariés s’embrassent tendrement et romantiquement au centre de la scène éclairée par le clair de lune et une lampe d’intérieur ; autour d’eux, la neige blanche qui se détache sur la noirceur de la nuit et les petites maisons de leur ville natale, Vitebsk, dans l’actuelle Biélorussie.

Henri Matisse, Femme assise dans un fauteuil (1920 ; huile sur toile, 46,4 x 39,4 cm ; Philadelphie, Philadelphia Museum of Art)

Henri Rousseau, Une soirée de carnaval (1886 ; huile sur toile, 117,3 x 89,5 cm ; Philadelphie, Philadelphia Museum of Art)

Marc Chagall, Dans la nuit (1943 ; huile sur toile, 47 x 52,4 cm ; Philadelphie, Philadelphia Museum of Art)

La salle suivante s’articule autour du célèbre Baiser de Brâncuși (1916), où les deux personnages ne font plus qu’un, une sculpture appartenant à la collection de Monsieur et Madame Arensberg, Walter (Pittsburgh, 1878 - Los Angeles, 1954), poète et traducteur de la Divine Comédie, et Louise (1879 - 1953), pianiste. Leur grande passion pour l’art et la collection est née en 1913, lors d’une visite à l’Armory Show de New York, où était exposé le grand portrait, visible dans cette salle, réalisé par Albert Gleizes (Paris, 1881 - Avignon, 1953) en 1912: il s’agit de l’Homme au balcon ou Portrait du docteur Théo Morinaud, un exemple du cubisme de salon. L’œuvre représente la figure monumentale du médecin dans des tons bruns, gris et blancs, avec une vue de Paris depuis le balcon. Outre Le Baiser de Brâncuși, les Arensberg possédaient L’heure du thé (1911) de Jean Metzinger (Nantes, 1883 - Paris, 1956), également du genre cubiste, Carnaval au village (1926) de Paul Klee (Münchenbuchsee, 1879 - Muralto, 1940), entièrement réalisée dans des tons rouges et noirs, représentant un homme et un enfant masqués avec un chien et un troisième personnage derrière eux se dirigeant vers un village. Ou encore Cercles dans un cercle (1923) de Vassily Kandinsky (Moscou 1866 - Neuilly-sur-Seine, 1944), une œuvre que Kandinsky définit comme “la première de mes peintures à mettre en évidence le thème du cercle”: pour l’artiste, le cercle était la figure la plus élémentaire, capable de symboliser la synthèse des opposés dans une forme unique et équilibrée. Dans l’Homme au violon (1911 - 1912) de Picasso, on perçoit au centre une figure masculine et dans la partie inférieure les détails d’un violon et de l’accoudoir du fauteuil sur lequel l’homme est assis. Le corps et les objets apparaissent déjà décomposés en formes géométriques, bien plus que dans les tableaux précités de Metzinger et Gleizes. Les figures humaines deviennent surréalistes chez des artistes comme Joan Miró (Barcelone, 1893 - Palma de Majorque, 1983): l’œuvre présentée dans la dernière salle de l’exposition de Milan et représentant un Nu (1926), qui fait également partie de la collection Arensberg, en est un bon exemple. Le corps d’une femme est disposé sur une toile noire sous la forme d’un poisson blanc en position verticale, rappelant une robe moulante ; les seins, détachés du corps, sont représentés par une pomme et un navet, et les organes génitaux par une feuille. La tête est un œuf, avec un œil, auquel sont attachées quelques mèches qui s’agitent sur le côté.

À côté de la toile de Miró, des œuvres de Salvador Dalí (Figueres, 1904 - 1989) et d’Yves Tanguy (Paris, 1900 - Woodbury, 1955) accompagnent le visiteur vers la fin de l’exposition: comme le premier, elles appartiennent au surréalisme, un courant auquel ont adhéré des artistes de différentes nations. Le paysage représenté par l’artiste français Tanguy dans I Paralleli (1929) est à la fois terrestre et aquatique, avec des éléments abstraits qui semblent flotter dans l’environnement représenté, plutôt indéterminé. L’artiste soutient pleinement l’automatisme, qui consiste à suspendre la raison et le contrôle de soi pour permettre le flux inconditionnel d’images provenant du subconscient. Plus ordonné est le tableau de l’artiste catalan Dalí, Agnostic Symbol (1932), qui représente une cuillère s’étendant en diagonale depuis l’angle d’un mur fissuré, se courbant vers le centre autour d’un rondin de bois ; dans la partie concave se trouve une horloge. L’agnosticisme était une caractéristique d’Arensberg lui-même, à qui appartenait ce tableau: agnostique convaincu, il était aussi un cryptographe qui aimait découvrir des messages cachés dans des textes écrits. L’exposition se termine par un grand tableau de Picasso représentant une Femme et un enfant (1961): la femme est Jacqueline Roque - l’œuvre a été réalisée peu après le mariage de l’artiste avec cette dernière - tandis que les deux enfants sont probablement Paloma Picasso, la fille de Picasso née de sa relation avec Françoise Gilot, et Catherine Hutin-Blay, la fille de Jacqueline née avec son premier mari. Les trois figures féminines sont représentées harmonieusement par un jeu de couleurs entre le rose, le bleu et le vert.

Constantin Brâncuși, Le Baiser (1916 ; pierre calcaire, 58,4 x 33,7 x 25,4 cm ; Philadelphie, Philadelphia Museum of Art)

Albert Gleizes, Homme au balcon ou Portrait du Dr Théo Morinaud (1912 ; huile sur toile, 195,6 x 114,9 cm ; Philadelphie, Philadelphia Museum of Art)

Jean Metzinger, Tea Time (1911 ; huile sur carton, 75,9 x 70,2 cm ; Philadelphie, Philadelphia Museum of Art)

Paul Klee, Carnaval au village (1926 ; huile sur toile sur panneau, 65,2 x 44 cm ; Philadelphie, Philadelphia Museum of Art)

Vasilij Kandinsky, Cercles dans un cercle (1923 ; huile sur toile, 98,7 x 95,6 cm ; Philadelphie, Philadelphia Museum of Art)

Pablo Picasso, Homme au violon (1911-1912 ; huile sur toile, 116,8 x 89,5 cm ; Philadelphie, Philadelphia Museum of Art)

Joan Miró, Nu (1926 ; huile sur toile, 92,4 x 73,7 cm ; Philadelphie, Philadelphia Museum of Art)

Yves Tanguy, Les parallèles (1929 ; huile sur toile, 92,2 x 73 cm ; Philadelphie, Philadelphia Museum of Art)

Salvador Dalí, Symbole agnostique (1932 ; huile sur toile, 54 x 65,2 cm ; Philadelphie, Philadelphia Museum of Art)

Pablo Picasso, Femmes et filles (1961 ; huile sur toile, 146 x 113,7 cm ; Philadelphie, Philadelphia Museum of Art)

Comme nous l’avons déjà mentionné, visiter l’exposition"Impressionnisme et avant-garde", c’est comprendre comment le célèbre Philadelphia Museum of Art, l’un des fleurons des États-Unis, s’est constitué au fil des ans, tout en retraçant les mouvements artistiques les plus importants qui se sont développés entre le XIXe et le XXe siècle en Europe, en montrant les œuvres des artistes les plus grands et les plus célèbres de chacun d’entre eux. Il s’agit également de comprendre comment la collection a joué un rôle fondamental dans la diffusion des chefs-d’œuvre des artistes européens sur le sol américain. C’est vraiment le cas de le dire... quand l’art appelle l’art !

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