Deux expositions rendent hommage à Mario Giacomelli à l’occasion du centenaire de sa naissance. À Milan, Mario Giacomelli. Le photographe et le poète est présentée au Palazzo Reale, promue par la municipalité de Milan - Culture et produite par le Palazzo Reale et l’Archivio Mario Giacomelli, en collaboration avec Rjma progetti culturali et Silvana Editoriale. À Rome, Mario Giacomelli. Le photographe et l’artiste est accueillie au Palazzo delle Esposizioni, promue par le département de la culture de Roma Capitale et l’Azienda Speciale Palaexpo, produite et organisée par l’Azienda Speciale Palaexpo en collaboration avec l’Archivio Giacomelli. Ces deux expositions, organisées par Bartolomeo Pietromarchi et Katiuscia Biondi Giacomelli, complètent un long parcours entrepris par les Archives Mario Giacomelli pour réexaminer et explorer en profondeur les œuvres et les matériaux, conscientes de la nécessité d’un travail constant de protection et d’interprétation, mené avec une rigueur philologique et une passion critique.
Il en résulte deux expositions qui offrent aux visiteurs non seulement les tirages originaux et vintage - une rareté appréciable dans le paysage des expositions photographiques contemporaines - mais aussi des matériaux inédits tels que des écrits, des épreuves de comparaison et des témoignages qui révèlent toute l’originalité du processus créatif du photographe. Deux parcours narratifs distincts qui, ensemble, restituent la complexité et la richesse interprétative des images de Giacomelli. On peut dire que le photographe qui a dit : “Voici le moment où le spectateur regarde l’image, en voit une autre, une autre et encore une autre et commence à se demander ’Qu’est-ce qu’il a voulu dire ? À partir de ce moment, l’image morte commence à respirer et sort de son mutisme. C’est du moins ce que je pense” (les citations sont extraites du programme de la RAI Il pomograno. La buona terra de Stefano Viaggio de 1994, visible sur RaiPlay).
L’exposition de Milan explore sa relation avec la poésie. C’est peut-être l’influence la plus évidente dans les images de Giacomelli, où l’on retrouve cette même élévation vers le lyrisme et l’abstraction qui font de la poésie un langage qui va au-delà des schémas.
Même dans les projets, la relation est facilement lisible, les photographies ne sont jamais une simple illustration du texte, comme dans la série Caroline Branson from Spoon River (1967-73), inspirée du texte d’Edgar Lee Masters, où Giacomelli met en scène la passion de deux amants qui transforment le monde qui les entoure et qui, ravis par l’amour, se fondent dans la nature en s’y perdant. Puis, dans l’évolution de son parcours artistique, la poésie se sublime peu à peu en images, et devient non plus une simple inspiration mais une partie intégrante du langage. Comme dans la série L’infinito (1986 -1990), issue du poème éponyme de Giacomo Leopardi. Le choix d’un photographe ne peut que tomber sur un poème qui parle d’un regard, un regard qui se heurte à un élément qui le limite et pousse l’imagination à s’étendre vers un espace et un temps sans limites.
Mario Giacomelli est sans doute le photographe italien qui, plus que tout autre, a poussé la recherche sur le langage photographique vers des territoires inexplorés, expérimentant sans relâche les possibilités expressives du médium. Son œuvre témoigne d’une recherche incessante des limites et des potentialités de la photographie, poussant la technique à l’extrême et élargissant le langage. C’est lui qui a élevé la photographie italienne du niveau documentaire au niveau artistique, en créant un code visuel révolutionnaire qui a ouvert de nouvelles voies d’expression et a profondément influencé l’évolution de la photographie contemporaine dans notre pays.
L’exposition romaine explore la relation entre les œuvres de Giacomelli et celles de l’art contemporain. L’admiration de Giacomelli pour Alberto Burri était bien connue et est présentée dans l’exposition à côté de La buona terra (1964-1966). L’affinité des recherches est ici évidente : là où Burri creusait physiquement la terre de ses Cretti, Giacomelli creuse le noir sur le blanc de ses photographies. Il ne se contente pas de reprendre le contraste, il l’exacerbe jusqu’à réduire l’échelle des nuances au strict minimum. C’est le point culminant de la recherche de Giacomelli : le noir et le blanc, en toute clarté. Lui qui a exploré la photographie dans toutes les directions possibles, au bout du voyage, arrive au point de départ : au blanc aveuglant, au noir le plus dur. Giacomelli est la fin et le début. Une origine que la photographie elle-même n’a jamais vraiment eue, puisque les premières expériences, bien qu’extrêmement moins définies que la technologie d’aujourd’hui, permettaient déjà de reproduire et de conserver une variété de nuances. L’œuvre de Giacomelli invente ainsi un principe linguistique, un premier signe, un système binaire d’où idéalement tout naît.
Un noir et blanc pleinement exprimé dans Io non ho mani che mi accarezzano il volto (1961-1963), qui tire son nom d’un vers de David Maria Turoldo, et qui constitue la série la plus célèbre de Giacomelli, celle qui l’a rendu célèbre dans le monde entier. Une série que les deux expositions ont en commun.
Ici, les “pretini”, comme on appelle communément ces photographies, représentent les étudiants du séminaire épiscopal de Senigallia, où Giacomelli s’est rendu en s’inspirant des vers de Turoldo. Des vers qui parlent de solitude, de détachement des émotions du monde, comme le font, dans l’imaginaire collectif, les jeunes séminaristes qui se consacrent à une vie de dévouement et de prière. Après plus d’un an de mise en scène et de contact avec les leurs, nécessaires pour élaborer des idées et habituer ces jeunes hommes à la photographie, Giacomelli avait cependant découvert une réalité différente de celle imaginée : pendant les récréations, les jeunes prêtres jouaient et vivaient des moments de loisir comme des garçons ordinaires. “Dans les premières images, l’image est sortie de la pépinière, de ces prêtres, on pense qu’ils sont en train de prier. Puis, peu à peu, j’ai presque ressenti de la compassion pour ces gens qui jouaient, mais qui jouaient comme des enfants qui ne grandiraient jamais”, raconte Giacomelli.
Ce sont des photographies joyeuses et festives, qui les représentent en train de danser, de faire un rond-point et de jouer au football. Avec son noir et blanc extrême et primitif, des figures noires sur un limbe blanc sans référence à l’espace, Giacomelli exprime les émotions les plus pures : la joie inconditionnelle et la sérénité des séminaristes loin du monde qui jouent, avec la simplicité de ceux qui ont laissé les choses du monde derrière eux. "Je ne comprenais pas quelle était la force de ces gens, s’il y avait quelque chose de grand ou s’ils restaient vraiment des enfants sans les problèmes que les hommes ont dans la vie.
C’est la seule série qui n’est pas associée à un autre artiste, car elle est elle-même conçue comme une installation qui restitue la circularité représentée par les images. Un détail qui rendra fous les collectionneurs qui traqueront les “prétendants” dans les ventes aux enchères où Giacomelli est de plus en plus présent. Qui sait, peut-être y aura-t-il dans la collection un pretino introuvable, un rare, un super-rare, comme dans les meilleures collections de figurines.
Toutes les autres séries de l’exposition sont confrontées à des artistes contemporains, y compris par des associations postérieures à la création des œuvres, fruit de la réflexion des commissaires. Ainsi, Jannis Kounellis est placé à côté des séries Verrà la morte e avrà i tuoi occhi, E io ti vidi fanciulla, Lourdes et Mattatoio, où une réalité douloureuse - la maladie, la douleur, la piété populaire, la mort - constitue le point de départ. Bien qu’il ait été étudié par de nombreuses personnes, Giacomelli élève certainement le langage là où aucun contemporain n’est jamais allé auparavant. Ainsi, selon les commissaires, chez Kounellis, la matière réelle est sublimée dans une dimension spirituelle et symbolique. De même, plus loin, les paysages de Presa di coscienza sulla natura (la célèbre série de Giacomelli), Metamorfosi sulla terra et autres sont juxtaposés à l’œuvre de Burri, Tettoetto, pour un dialogue sur le rapport entre matière et rêve, typique de nombreuses recherches artistiques.
On peut se demander si ces associations sont accessibles à un public non spécialisé. Il manque un élément plus compréhensible du choix : comme pour Burri, les autres artistes auraient besoin d’une note pour rendre compréhensible l’association avec les œuvres de Giacomelli, plutôt qu’avec l’art contemporain - sur la compréhensibilité duquel l’ironie abonde -.
S’agit-il d’une exposition accessible ? Comme ce mot est magique : n’est pas seulement accessible ce qui est traduit en panneaux en relief ou audio-décrit, car les limites sont souvent culturelles et éducatives. Alors, cette exposition est-elle accessible ? Est-elle compréhensible pour ceux qui ne savent pas qui est Kounellis, pour ceux qui ne le connaissent pas ? Ou bien leur apprend-elle à travers des textes simples, en langage courant ? Peut-être pas, mais il est vrai aussi qu’elle n’a pas à l’être. Et puis, comme le disait Giacomelli, “je m’émerveille des gens qui ont tout compris. On voit aujourd’hui des gens qui ont tout compris sur tout et qui sont encore si jeunes. Il me semble que je ne suis plus si jeune et que je n’ai rien compris”.
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