Dos exposiciones rinden homenaje a Mario Giacomelli en el centenario de su nacimiento. En Milán, Mario Giacomelli. El fotógrafo y el poeta se presenta en el Palazzo Reale, promovida por el Ayuntamiento de Milán - Cultura y producida por el Palazzo Reale y el Archivio Mario Giacomelli, en colaboración con Rjma progetti culturali y Silvana Editoriale. En Roma, Mario Giacomelli. El fotógrafo y el artista se presenta en el Palazzo delle Esposizioni, promovida por el Departamento de Cultura de Roma Capitale y Azienda Speciale Palaexpo, producida y organizada por Azienda Speciale Palaexpo en colaboración con Archivio Giacomelli. Ambas exposiciones, comisariadas por Bartolomeo Pietromarchi y Katiuscia Biondi Giacomelli, completan un largo camino emprendido por el Archivo Mario Giacomelli para reexaminar y profundizar en obras y materiales, consciente de que es necesario un trabajo constante de protección e interpretación, realizado con rigor filológico y pasión crítica.
El resultado son dos exposiciones que ofrecen al visitante no sólo las copias originales y de época -una apreciable rareza en el panorama expositivo fotográfico contemporáneo-, sino también materiales inéditos como escritos, pruebas de cotejo y testimonios que revelan toda la originalidad del proceso creativo del fotógrafo. Dos caminos narrativos distintos que, juntos, restituyen la complejidad y la riqueza interpretativa de las imágenes de Giacomelli. Podemos decir que el fotógrafo que dijo: “He aquí el momento en que el espectador mira la imagen, ve otra, otra y otra y empieza a preguntarse ’¿Qué habrá querido decir? ¿Qué habrá querido decir este fotógrafo?” A partir de ese momento, la imagen muerta empieza a respirar y sale de su mutismo. Al menos eso creo yo" (las citas están tomadas del programa de la RAI Il pomograno. La buona terra de Stefano Viaggio de 1994, visible en RaiPlay).
En la exposición de Milán se explora su relación con la poesía. Es quizá la influencia más evidente en las imágenes de Giacomelli, en las que es visible esa misma elevación hacia el lirismo y la abstracción que hacen de la poesía un lenguaje que va más allá de los esquemas.
Incluso en los proyectos, la relación es fácilmente legible, las fotografías nunca son una mera ilustración del texto, como en la serie Caroline Branson de Spoon River (1967-73), inspirada en el texto de Edgar Lee Masters, donde Giacomelli escenifica la pasión de dos amantes que transforman el mundo que les rodea y que, embelesados por el amor, se funden con la naturaleza, perdiéndose en ella. Luego, en la evolución de su carrera artística, la poesía se sublima poco a poco en imágenes, y deja de ser sólo una inspiración para convertirse en parte integrante del lenguaje. Como en la serie L’infinito (1986 -1990), que parte del poema homónimo de Giacomo Leopardi. La elección de un fotógrafo sólo puede recaer en un poema que habla de una mirada, una mirada que choca contra un elemento que la limita y empuja a la imaginación a expandirse hacia un espacio y un tiempo ilimitados.
Mario Giacomelli es sin duda el fotógrafo italiano que, más que ningún otro, impulsó la investigación del lenguaje fotográfico hacia territorios inexplorados, experimentando sin descanso con las posibilidades expresivas del medio. Su obra es testimonio de una incesante investigación de los límites y el potencial de la fotografía, llevando la técnica al extremo y ampliando el lenguaje. Fue él quien elevó la fotografía italiana del plano documental al artístico, creando un código visual revolucionario que abrió nuevas vías de expresión e influyó profundamente en la evolución de la fotografía contemporánea en nuestro país.
La exposición romana explora la relación de las obras de Giacomelli con las del arte contemporáneo. La admiración de Giacomelli por Alberto Burri era bien conocida y se muestra en la exposición junto a La buona terra (1964-1966). Aquí es evidente una afinidad de investigación: donde Burri excavaba físicamente la tierra de sus Cretti, Giacomelli excava el negro sobre el blanco de sus fotografías. No sólo retoma, sino que extrema el contraste, hasta el punto de reducir la escala de matices al mínimo. Esto representa el punto culminante de la investigación de Giacomelli: el blanco y negro, sin ambages. Él, que ha investigado la fotografía en todas las direcciones posibles, al final del viaje llega al punto de partida: al blanco cegador, al negro más descarnado. Giacomelli es el final y el principio. Un origen que la propia fotografía nunca tuvo realmente, puesto que los primeros experimentos, aunque extremadamente menos definidos que la tecnología actual, ya permitían reproducir y conservar una gran variedad de matices. Así, la obra de Giacomelli inventa un principio lingüístico, un primer signo, un sistema binario del que idealmente nace todo.
Un blanco y negro plenamente expresado en Io non ho mani che mi accarezzano il volto (1961-1963), que toma su nombre de un verso de David Maria Turoldo, y que constituye la serie más famosa de Giacomelli, la que le dio a conocer en todo el mundo. Una serie que las dos exposiciones tienen en común.
Aquí los “pretini”, como se conoce comúnmente a estas fotografías, retratan a los alumnos del Seminario Episcopal de Senigallia, adonde Giacomelli había acudido inspirado por los versos de Turoldo. Son versos que hablan de soledad, de desapego a las emociones del mundo, como en el imaginario colectivo hacen los jóvenes seminaristas cuando se entregan a una vida de dedicación y oración. Tras más de un año de ambientación y contacto con los suyos, necesarios para elaborar ideas y acostumbrar a estos jóvenes a la fotografía, Giacomelli descubrió sin embargo una realidad distinta a la imaginada: durante los recreos, los jóvenes sacerdotes jugaban y vivían momentos de ocio como chicos corrientes. “En las primeras imágenes, la imagen salía del semillero, de estos sacerdotes sólo piensas que están rezando. Y luego, poco a poco, casi sentí cierta compasión por estas personas que jugaban, pero jugaban como niños que nunca crecerían”, relata Giacomelli.
Son fotografías alegres y festivas, que los retratan bailando, haciendo una rotonda y jugando al fútbol. Con su blanco y negro extremo y primitivo, de figuras negras sobre un limbo blanco sin referencia al espacio, Giacomelli expresa las emociones más puras: la alegría incondicional y la serenidad de los seminaristas alejados del mundo jugando, con la sencillez de quienes han dejado atrás las cosas mundanas. "No entendía cuál era la fuerza de esta gente, si hay algo grande o si realmente siguen siendo niños sin los problemas que tienen los hombres en la vida.
Es la única serie que no está asociada a otro artista, porque ella misma está concebida como una instalación que restituye la circularidad que representan las imágenes. Un detalle, éste, que volverá locos a los coleccionistas que persiguen a los “pretendientes” en las subastas en las que Giacomelli está cada vez más presente. Quién sabe, quizá haya un pretino inalcanzable en la colección, una rareza, una super rareza, como en las mejores colecciones de figuritas.
Todas las demás series de la exposición están confrontadas con artistas contemporáneos, también por asociaciones posteriores a la creación de las obras, fruto de la reflexión de los comisarios. Así, Jannis Kounellis se sitúa junto a las series Verrà la morte e avrà i tuoi occhi, E io ti vidi fanciulla, Lourdes y Mattatoio, en las que una realidad dolorosa -la enfermedad, el dolor, la piedad popular, la muerte- constituye el punto de partida. Aunque ha sido investigado por muchos, Giacomelli eleva sin duda el lenguaje hasta donde ningún contemporáneo ha llegado antes. Así, según los comisarios, en Kounellis la materia real se sublima a una dimensión espiritual y simbólica. Del mismo modo, más adelante, los paisajes de Presa di coscienza sulla natura (la famosa serie de Giacomelli), Metamorfosi sulla terra y otros se yuxtaponen a la obra de Burri Tettoetto para entablar un diálogo sobre la relación entre materia y sueño, típico de muchas investigaciones artísticas.
Cabe preguntarse si estas asociaciones son accesibles a un público no especializado. Lo que falta es un elemento más comprensible de la elección: como en el caso de Burri, los demás artistas necesitarían una nota para hacer comprensible la asociación con las obras de Giacomelli, en lugar del arte contemporáneo -sobre cuya comprensibilidad abunda la ironía-.
¿Se trata de una exposición accesible? Qué mágica es esta palabra: no sólo es accesible lo que se traduce en paneles en relieve o se audiodescribe, porque las limitaciones son a menudo culturales y educativas. Entonces, ¿es accesible esta exposición? ¿Es comprensible para los que no saben quién es Kounellis, para los que no lo conocen? ¿O les enseña a través de textos sencillos, de lenguaje cotidiano? Quizá no, pero también es cierto que no tiene por qué serlo. Y entonces, como decía Giacomelli, “me maravilla la gente que lo ha entendido todo. Hoy en día se ve a gente que lo ha entendido todo de todo y todavía son tan jóvenes. A mí me parece que ya no soy tan joven y no he entendido nada”.
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