Zwei Ausstellungen würdigen Mario Giacomelli zum hundertsten Jahrestag seiner Geburt. In Mailand findet die Ausstellung Mario Giacomelli. Der Fotograf und der Dichter im Palazzo Reale, gefördert von der Stadt Mailand - Kultur und produziert vom Palazzo Reale und dem Archivio Mario Giacomelli in Zusammenarbeit mit Rjma progetti culturali und Silvana Editoriale. In Rom wird die Ausstellung Mario Giacomelli. Der Fotograf und der Künstler im Palazzo delle Esposizioni zu sehen, gefördert von der Kulturabteilung von Roma Capitale und Azienda Speciale Palaexpo, produziert und organisiert von Azienda Speciale Palaexpo in Zusammenarbeit mit dem Archivio Giacomelli. Beide Ausstellungen, die von Bartolomeo Pietromarchi und Katiuscia Biondi Giacomelli kuratiert wurden, sind der Abschluss einer langen Reise, die das Archiv Mario Giacomelli unternommen hat, um die Werke und Materialien zu untersuchen und zu vertiefen, in dem Bewusstsein, dass eine ständige Arbeit zum Schutz und zur Interpretation notwendig ist, die mit philologischer Strenge und kritischer Leidenschaft durchgeführt wird.
Das Ergebnis sind zwei Ausstellungen, die dem Besucher nicht nur die Originalabzüge und Vintage-Abzüge bieten - eine große Seltenheit in der zeitgenössischen fotografischen Ausstellungsszene - sondern auch unveröffentlichtes Material wie Schriften, Vergleichsabzüge und Zeugnisse, die die ganze Originalität des kreativen Prozesses des Fotografen offenbaren. Zwei unterschiedliche Erzählstränge, die zusammen die Komplexität und den Interpretationsreichtum von Giacomellis Bildern wiederherstellen. Wir können sagen, dass der Fotograf, der sagte: “Hier ist der Moment, in dem der Betrachter das Bild anschaut, ein anderes, ein anderes und ein anderes sieht und sich zu fragen beginnt: ’Was hat er gemeint? Von diesem Moment an beginnt das tote Bild zu atmen und erwacht aus seiner Stummheit. Zumindest glaube ich das” (die Zitate stammen aus der RAI-Sendung Il pomograno. La buona terra von Stefano Viaggio aus dem Jahr 1994, zu sehen auf RaiPlay).
In der Mailänder Ausstellung wird seine Beziehung zur Poesie erforscht. Sie ist vielleicht der offensichtlichste Einfluss in Giacomellis Bildern, in denen derselbe Hang zur Lyrik und Abstraktion zu erkennen ist, der die Poesie zu einer Sprache macht, die über die Schemata hinausgeht.
Auch in den Projekten ist die Beziehung leicht lesbar, die Fotografien sind nie eine bloße Illustration des Textes, wie in der Serie Caroline Branson from Spoon River (1967-73), inspiriert durch den Text von Edgar Lee Masters, in der Giacomelli die Leidenschaft zweier Liebender inszeniert, die die Welt um sich herum umgestalten und die, von der Liebe hingerissen, mit der Natur verschmelzen und sich in ihr verlieren. Im weiteren Verlauf seiner künstlerischen Laufbahn verwandelt sich die Poesie nach und nach in Bilder und wird nicht mehr nur eine Inspiration, sondern ein integraler Bestandteil der Sprache. Wie in der Serie L’infinito (1986 -1990), die auf das gleichnamige Gedicht von Giacomo Leopardi zurückgeht. Die Wahl des Fotografen kann nur auf ein Gedicht fallen, das von einem Blick spricht, einem Blick, der mit einem Element kollidiert, das ihn begrenzt und die Vorstellungskraft dazu drängt, sich in Richtung eines grenzenlosen Raums und einer grenzenlosen Zeit auszudehnen.
Mario Giacomelli ist zweifellos der italienische Fotograf, der mehr als jeder andere die Erforschung der Sprache der Fotografie in unerforschte Gebiete vorantreibt und unermüdlich mit den Ausdrucksmöglichkeiten des Mediums experimentiert. Sein Werk zeugt von einer unablässigen Erforschung der Grenzen und Möglichkeiten der Fotografie, wobei er die Technik auf die Spitze trieb und die Sprache erweiterte. Er war es, der die italienische Fotografie von der dokumentarischen auf die künstlerische Ebene hob und einen revolutionären visuellen Code schuf, der neue Ausdrucksmöglichkeiten eröffnete und die Entwicklung der zeitgenössischen Fotografie in unserem Land tiefgreifend beeinflusste.
Die römische Ausstellung erforscht die Beziehung zwischen Giacomellis Werken und denen der zeitgenössischen Kunst. Giacomellis Bewunderung für Alberto Burri war allgemein bekannt und wird in der Ausstellung neben La buona terra (1964-1966) gezeigt. Hier zeigt sich eine Affinität der Forschung: wo Burri die Erde seiner Cretti physisch ausgräbt, gräbt Giacomelli das Schwarz auf dem Weiß seiner Fotografien aus. Er nimmt den Kontrast nicht nur wieder auf, sondern steigert ihn bis zu dem Punkt, an dem er die Skala der Nuancen auf das absolute Minimum reduziert. Dies ist der Höhepunkt von Giacomellis Forschung: Schwarz und Weiß, ohne Zweifel. Er, der die Fotografie in alle möglichen Richtungen erforscht hat, kommt am Ende der Reise am Ausgangspunkt an: beim blendenden Weiß, beim tiefsten Schwarz. Giacomelli ist das Ende und der Anfang. Ein Anfang, den die Fotografie selbst nie wirklich hatte, da die ersten Experimente, wenn auch extrem weniger definiert als die heutige Technologie, es bereits ermöglichten, eine Vielzahl von Nuancen zu reproduzieren und zu bewahren. So erfindet Giacomellis Werk ein sprachliches Prinzip, ein erstes Zeichen, ein binäres System, aus dem im Idealfall alles hervorgeht.
Ein Schwarz-Weiß-Bild, das in Io non ho mani che mi accarezzano il volto (1961-1963) voll zum Ausdruck kommt, das seinen Namen einem Vers von David Maria Turoldo verdankt und die berühmteste Serie Giacomellis darstellt, die ihn weltweit bekannt gemacht hat. Eine Serie, die die beiden Ausstellungen gemeinsam haben.
Die “Pretini”, wie diese Fotografien gemeinhin genannt werden, zeigen die Studenten des Bischöflichen Seminars in Senigallia, wohin sich Giacomelli, inspiriert von Turoldos Versen, begeben hatte. Es sind Verse, die von der Einsamkeit sprechen, von der Loslösung von den Gefühlen der Welt, so wie es in der kollektiven Vorstellung der jungen Seminaristen geschieht, wenn sie sich einem Leben der Hingabe und des Gebets widmen. Nach mehr als einem Jahr des Aufbaus und des Kontakts mit den eigenen Leuten, der notwendig war, um Ideen zu entwickeln und die jungen Männer an das Fotografieren zu gewöhnen, entdeckte Giacomelli jedoch eine andere Realität als die, die er sich vorgestellt hatte: In der Freizeit spielten die jungen Priester und erlebten Momente der Muße wie normale Jungen. “Bei den ersten Bildern kam das Bild aus dem Saatbeet, von diesen Priestern denkt man einfach, sie würden beten. Und dann empfand ich allmählich fast ein wenig Mitleid mit diesen Menschen, die spielten, aber spielten wie Kinder, die nie erwachsen werden würden”, erzählt Giacomelli.
Es sind fröhliche und festliche Fotos, auf denen sie tanzen, Karussell fahren und Fußball spielen. Mit seinen extremen und primitiven Schwarz-Weiß-Fotos von schwarzen Figuren auf weißem Grund ohne Bezug zum Raum drückt Giacomelli die reinsten Emotionen aus: die bedingungslose Freude und Gelassenheit von Seminaristen, die weit weg von der Welt spielen, und die Einfachheit derer, die die weltlichen Dinge hinter sich gelassen haben. "Ich habe nicht verstanden, was die Stärke dieser Menschen ist, ob es etwas Großes gibt oder ob sie wirklich Kinder bleiben, ohne die Probleme, die Männer im Leben haben.
Es ist die einzige Serie, die nicht mit einem anderen Künstler in Verbindung gebracht wird, weil sie selbst als Installation konzipiert ist, die den Kreislauf, den die Bilder darstellen, wiederherstellt. Ein Detail, das die Sammler in den Wahnsinn treiben wird, wenn sie auf den Auktionen, auf denen Giacomelli immer häufiger vertreten ist, den “Anwärtern” hinterherjagen. Wer weiß, vielleicht findet sich in der Sammlung ein unerreichbarer Pretino, eine Rarität, eine Super-Rarität, wie in den besten Figurensammlungen.
Alle anderen Serien der Ausstellung werden mit zeitgenössischen Künstlern konfrontiert, auch durch Assoziationen nach der Entstehung der Werke, die das Ergebnis der Überlegungen der Kuratoren sind. So wird Jannis Kounellis den Serien Verrà la morte e avrà i tuoi occhi, E io ti vidi fanciulla, Lourdes und Mattatoio zur Seite gestellt, bei denen eine schmerzhafte Realität - Krankheit, Schmerz, Volksfrömmigkeit, Tod - den Ausgangspunkt bildet. Obwohl er von vielen untersucht wurde, hebt Giacomelli die Sprache zweifellos auf ein Niveau, das noch kein Zeitgenosse zuvor erreicht hat. So wird nach Ansicht der Kuratoren bei Kounellis die reale Materie zu einer spirituellen und symbolischen Dimension sublimiert. In ähnlicher Weise werden die Landschaften von Presa di coscienza sulla natura (Giacomellis berühmte Serie), Metamorfosi sulla terra und andere dem Werk Tettoetto von Burri gegenübergestellt, um einen Dialog über die Beziehung zwischen Materie und Traum zu führen, der für viele künstlerische Untersuchungen typisch ist.
Man fragt sich, ob diese Assoziationen für ein nicht spezialisiertes Publikum zugänglich sind. Was fehlt, ist ein verständlicheres Element der Auswahl: Wie bei Burri wäre auch bei den anderen Künstlern ein Hinweis erforderlich, um nicht so sehr die zeitgenössische Kunst - über deren Verständlichkeit Ironie im Überfluss vorhanden ist - als vielmehr die Assoziation mit den Werken Giacomellis verständlich zu machen.
Ist dies eine zugängliche Ausstellung? Wie magisch dieses Wort ist: Zugänglich ist nicht nur, was in Relieftafeln übersetzt oder mit Audio-Beschreibungen versehen ist, denn die Einschränkungen sind oft kultureller und pädagogischer Art. Ist diese Ausstellung also zugänglich? Ist sie für diejenigen verständlich, die nicht wissen, wer Kounellis ist, für diejenigen, die ihn nicht kennen? Oder lehrt sie sie durch einfache, alltagssprachliche Texte? Vielleicht nicht, aber es ist auch wahr, dass sie das nicht sein muss. Und dann, wie Giacomelli sagte: “Ich wundere mich über Menschen, die alles verstanden haben. Man sieht heute Menschen, die alles über alles verstanden haben und noch so jung sind. Mir scheint es, dass ich nicht mehr so jung bin und nichts verstanden habe”.
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