Une exposition pour promouvoir un film: l'expérience du Théâtre Magique racontée par les commissaires

Une manière inhabituelle de promouvoir un film: une exposition. C’est ce quise passe cet été au cinéma Quattro Fontane de Rome, où la projection de A Thousand and One, le film primé à Sundance 2023, est accompagnée de l’exposition Harlem, un théâtre magique, organisée par Mattia Morandi et Umberto Pastore, promue par Lucky Red et organisée par Creation. L’exposition présente des photographies du réalisateur Stefano Lodovichi qui a documenté le quartier new-yorkais de Harlem, dans les lieux où le film est raconté. Pourquoi ce choix inhabituel ? Quels sont les liens entre l’exposition et le film ? Le cinéma et les expositions peuvent-ils s’entendre ? Nous avons abordé ces questions et d’autres encore dans l’entretien avec les deux commissaires Morandi et Pastore.

R. Promouvoir un film par le biais d’une exposition est une opération très inhabituelle. D’où vient cette idée ?

MM-UP. L’idée est née d’une rencontre entre Lucky Red et Creation. Nous avons discuté de la manière dont nous pouvions promouvoir un film tout en créant un événement “collatéral” doté d’une identité propre et susceptible de s’adresser à un public sélectionné. Une exposition est un événement autonome en soi, avec sa propre logique de communication, conçu pour diffuser un contenu culturel. L’exposition Harlem, un théâtre magique n’était pas seulement destinée à être un événement parallèle, mais un véritable moment de croissance pour le spectateur, créant indirectement un lien idéal et émotionnel avec le film. Le lieu est à cet égard d’une grande importance: les photos sont exposées au cinéma Quattro Fontane à Rome, ce qui renforce l’idée de la fusion entre l’espace cinématographique et la photographie.

L’exposition, lit-on dans la présentation, vise à offrir au public une expérience cinématographique enrichie par un moment culturel inhabituel: une exposition photographique consacrée aux mêmes lieux que ceux racontés dans le film. Comment l’exposition a-t-elle été structurée ?

Les vingt-quatre œuvres sélectionnées et regroupées par noyaux thématiques dans l’espace du foyer donnent au public la possibilité de vivre, parallèlement à la projection, une véritable extension du film, un événement dans l’événement grâce auquel il peut approfondir sa compréhension de l’un des quartiers les plus fortement marqués dans l’imaginaire collectif, Harlem, le protagoniste du film. Les images ont été choisies et conçues comme un voyage itinérant qui restitue des fragments d’espaces urbains et d’humanité, donnant vie à un récit véridique, sans fioritures, dépourvu d’exaltations sensationnalistes.

Stefano

Stefano Lodovichi,

Pourquoi pensez-vous qu’il est important d’offrir aux spectateurs de cinéma la possibilité d’explorer les lieux racontés à travers une exposition photographique ?

Les liens entre le cinéma et la photographie sont très forts, l’un n’existerait pas sans l’autre. La différence entre l’image fixe et l’image animée est énorme en termes de perception, d’émotion et de concept, mais les deux langages s’influencent mutuellement depuis des décennies. Dans notre cas, certains lieux emblématiques du film apparaissent quelques instants en arrière-plan, comme l’Apollo Theater, l’un des clubs de musique les plus célèbres au monde, connu pour avoir accueilli de grands artistes afro-américains tels qu’Ella Fitzgerald, Billie Holiday, James Brown, Michael Jackson et The Jackson 5, pour n’en citer que quelques-uns. Il y a deux photos de Rucket Park, le terrain de jeu le plus célèbre de l’histoire du basket-ball et du basket-ball de rue ; des photos de l’hôtel Theresa, lieu de rencontre de tous les grands musiciens de jazz, des hommes politiques ainsi que des intellectuels et des militants des droits civiques. Les notes de Duke Ellington et de Count Basie ont résonné dans ses couloirs, tandis que ses chambres ont accueilli des figures historiques telles que Muhammed Ali. Les photographies nous permettent de “faire le tour du quartier” et de nous attarder dans les lieux qui l’ont rendu emblématique.

Comment s’est déroulée la collaboration avec Stefano Lodovichi ?

Nous connaissons Stefano en tant que réalisateur. Beaucoup de grands réalisateurs sont nés photographes, de grands photographes ont été réalisateurs, et nous retrouvons cela dans la figure de Stefano Lodovichi, réalisateur et photographe. En lui résident diverses compétences techniques, le fruit de son travail et une esthétique qui va de l’approche documentaire à la photographie de rue. Il a dialogué avec nous avec beaucoup d’humilité, saisissant les conseils que nous considérions comme fondamentaux dans la sphère curatoriale pour améliorer ses prises de vue. Par ailleurs, afin de respecter le lieu d’exposition, nous avons proposé à Stefano de créer des compositions photographiques et des agrandissements. Cette démarche est déstabilisante pour tout photographe car elle implique de remettre en cause la focalisation sur le cliché unique pour se concentrer sur l’ensemble, ce qui offre un tout autre niveau d’interprétation. Il y a eu un échange d’idées très fructueux qui a abouti à la conception du grand mur noir qui évoque la forme du quartier de New York vu d’en haut. Tous les photographes ne se prêtent pas à certaines approches curatoriales, qui sont plus strictement exhibitionnistes, mais lui l’a fait et le résultat est, à notre avis, d’un grand impact visuel.

Quelles relations s’établissent entre le cinéma et l’exposition ? Comment pensez-vous que le public qui regarde le film pourra se repérer dans les photographies et vice-versa ?

Le cinéma ne peut plus être pensé en dehors des arts contemporains, qui constituent un ensemble linguistiquement complexe, comprenant non seulement la peinture et la sculpture, mais aussi la vidéo, la photographie et la mémoire filmique. Grâce à l’exposition, le public aura l’occasion d’observer les personnes et les lieux emblématiques du quartier new-yorkais à travers l’arrêt sur image des clichés de Stefano Lodovichi. Il pourra ensuite les reconnaître “en mouvement” dans le film du réalisateur A.V. Rockwell. Les 24 photographies exposées représentent donc une petite extension temporelle de la projection.

Sur la base de quels critères les photographies ont-elles été sélectionnées ? Et comment sont-elles réparties dans l’exposition ?

Deux approches nous ont conduits à la sélection des clichés: la perspective du photographe de rue, qui capture des visages et des moments quotidiens avec des prises de vue puissantes, et l’œil du photographe documentaire, qui montre la réalité avec une technique propre et linéaire, presque aseptisée, sans interférer avec le présent. La convergence de ces deux visions a donné naissance à un portrait visuel unique et captivant.

Ces dernières années, le cinéma a été considéré comme un concurrent direct des musées et des expositions dans le choix de l’occupation du temps libre. Est-ce vraiment le cas ?

Nous ne croyons pas à la concurrence entre les différentes formes d’art, mais il est indéniable que les salles de cinéma ont perdu de nombreux spectateurs ces dernières années. Plutôt qu’une prétendue concurrence avec les musées et les expositions, cette tendance a été influencée par l’évolution numérique et la croissance des plateformes de streaming, qui ont changé la façon dont les gens consomment le contenu des films.

Stefano Lodovichi

Stefano Lodovichi

Face à ces données, quelle est votre stratégie pour ramener les gens à l’expérience unique du cinéma ?

Nous pensons qu’il n’y a pas de recette unique pour relever ce défi. Vous pouvez utiliser le levier du prix des billets, en proposant des promotions ou en essayant d’optimiser le calendrier de sortie des nouveaux films, ou, comme le montre cette expérience avec Lucky Red, vous pouvez travailler sur des projets qui transforment le visionnage d’un film en un véritable événement collectif.

De quelle manière ?

Avec une greffe artistique qui peut transformer le visionnage d’un film en un événement spécial, peut-être par la création de projections thématiques, de rencontres avec des réalisateurs ou des acteurs, d’expositions, de sélections musicales, de crossovers et d’autres initiatives qui impliquent activement le public. Nous sommes convaincus qu’en mettant l’accent sur l’expérience du public et la création d’événements attrayants, nous pouvons encore enthousiasmer et fasciner les spectateurs, en les ramenant à l’excitation du grand écran.

Êtes-vous satisfait de cette collaboration avec Lucky Red ?

Tout à fait. L’opération menée au cinéma Quattro Fontane de Rome est un exemple vertueux de la manière dont deux formes de divertissement peuvent coexister et s’enrichir mutuellement sans courir le risque de vivre l’un des moments comme un collatéral de l’événement principal. Pour conclure, pouvez-vous donner à notre public trois raisons de visiter l’exposition et de voir le film ? Mille et une nuits est un film extraordinairement beau et émouvant, et l’exposition parvient à amplifier encore sa perception. Tous deux nous emmènent dans un voyage authentique à travers l’un des quartiers les plus emblématiques de New York, nous faisant vivre une expérience intime et immersive.

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